Pocos lo saben pero Al Pacino llegó a prostituirse para llegar a ser actor. El dinero escaseaba y el sueño de este neoyorkino pudo más que cualquier cosa. Me pregunto que hubiera sido de la historia del cine sin este genio. Gracias a dios no hace falta hacerlo.

Olvidense de ver una película, van a presencia un monólogo de 146 minutos de una leyenda del cine. Una actuación que forma ya parte de la historia del séptimo arte.
Si yo fuera director de una academia de actores lo primero que le diria a mis alumnos sería que vieran esta película. Les diría que actores de este calibre salen cada 20 años, uno de un millón y que para llegar a ese nivel no hay que hacerse actor, hay que nacer actor. Al Pacino no es un buen actor, de esos hay muchos. Al Pacino es una leyenda viva del cine, un fuera de serie que Francis Ford Coppola hizo famoso hace ya 37 años.

El papel es inmenso, es espeluznante todas las sensaciones que transmite, seguridad, alegría, pena, compasión y todo ello aderezado con un sinfín de frases célebres que regalan varias carcajadas. La inmersión en el papel es total, no hay palabras para describir el gran trabajo que hace con el rostro (especialmente con los ojos). La película es bonita, sincera, divertida pero haganme caso, con semejante bestia en pantalla la película pasa a un segundo plano.

Es un placer ver tanto talento en estado puro, si alguien no conociera a Al Pacino (algo imposible) y viera esta película no dudaría en creer que es ciego. Un papel que cualquier actor de moda lo haría bien pero que solo gente como Al Pacino, Marlon Brandon, Newman, Jack Nicholson o De Niro serían capaces de darles otra dimensión.

Uno de los Oscar más merecidos que recuerdo, un premio que ya debió ganar por "El Padrino II" pero que fue a las manos de Art Carney. El premio es lo de menos pero actores asi tienen que tener un reconocimiento y por fin lo tuvo.

Lo Mejor:

- Que el 25 de Abril de 1940 nació uno de los mejores artistas del siglo XX.
- Tres escenas imborrables (La del avión, la del baile y la del paseo en coche).
- Unos últimos 20 minutos impagables, realmente colosal el final.
- Chris O'Donnell notable.
- Los diferentes mensajes morales que enseña el film.
- En fin, practicamente todo.

Lo Peor:

- Al Pacino no es inmortal.

A pesar de haber visto películas mejores, esta va a ser mi primera crítica en filmaffinity porque esta película me ha llegado al alma. Solo éramos 4 en la sala (mi cuñado, mis 2 hermanos y yo) pero fue simplemente maravilloso.

La historia es simple pero bonita, una historia de cómo los sueños se pueden hacer realidad si se tiene valor y fuerza de voluntad. Sí, estamos de acuerdo que es una utopía que esa historia llegue a pasar en la vida real pero que bonito es soñar durante 120 minutos que un sueño puede hacerse realidad y darse cuenta de lo importante que son los amigos en la vida.

Los personajes son entrañables, graciosos, pintorescos, hay momentos realmente divertidos con alguno de ellos (atención al "gitano"). Pero en este apartado hay que pararse y hacer una mención especial a la señorita Melanie Laurent. Ole, ole y ole, es la belleza y la elegancia personificada, absolutamente preciosa, con una tez blanca y unos ojos que quitan el hipo a cualquiera, es increíble lo que es capaz de transmitir esta mujer. En Malditos Bastardos me enamoró pero en este película se hace épica.

El ritmo de la película va de menos a mas, empieza despacito, masticando la historia, dando a conocer a los personajes, sin prisas, para llegar a un final simplemente colosal, posiblemente de los mejores 15 minutos que he visto en el cine, con los pelos de gallina te quedas.

Quizás no sea un peliculón, no ganará ningún premio, ni tan siquiera muchos la lleguen a ver, no es de 10 (salvo la parte final) pero con esta película un ignorante como yo de la música clásica llega a amarla durante unos minutos, sientes la emoción por el todo el cuerpo de los instrumentos, se te humedecen los párpados de ver cómo es capaz de unir a las personas.

Qué necesario y gratificante es este cine. Gracias Radu por demostrar que todavía se puede hacer buen cine con ideas sencillas y poco presupuesto.

En numerosas ocasiones en el mundo del cine se habla del tono. Para un director esa palabra es casi un mantra. En La forma del agua destacan muchas cosas, pero por encima de todas, el tono que Guillermo del Toro imprime a la película. El director Mexicano, fiel a su estilo, vuelve al mundo de la fantasía y la magia protagonizado por un monstruo. Si en El laberinto del Fauno el contexto era la guerra civil, aquí el enclave histórico es la guerra fría y la carrera espacial entre rusos y estadounidenses.

El guión es sencillo pero está muy bien armado. Los personajes, sus objetivos y la trama son muy sólidos y claros. Está co-escrito por una mujer y se agradece en ciertos detalles. Sin embargo, es un guión muy peligroso. Un guión que en manos de otro director acabaría siendo una película de un domingo por la tarde en Antena 3. Y es aquí dónde aparece el dichoso término: el tono.

El director de Guadalajara huye del sentimentalismo. Puede haber gente que llore con la película (que se sientan agraciados por ello) pero en ningún momento Guillermo del Toro busca la lágrima, no es maniqueo. Cual funámbulista en el cable se mueve en esa delgada línea que como he dicho antes, en manos de otro podría acabar en fracaso. En él no. Le sobra talento. El tono de Guillermo del Toro es la delicadeza y la ternura con la armonía del clasicismo. Su precisión narrativa es asombrosa. Sus movimientos de cámara y su estilo visual solo al alcance de un virtuoso de la imagen. Esa delicadeza se encarna en una superlativa Sally Hawkins de la que no voy a decir absolutamente nada. Como su personaje, me quedo mudo. Eso sí, fíjense en su manera de caminar. Ese detalle justifica el precio de una entrada de cine.

La música es el otro elemento que lleva la película a un estado de apacibilidad que uno desearía que fuera eterno. Mágico Alexandre Desplat y precioso el repertorio elegido. Eso sí, cuando el director quiere jugar a mantener en vilo al espectador también saca buena nota. Hay conatos de cine negro, es inevitable acordarse del otro mago de los cuentos llamado Tim Burton. Incluso de Scorsese, tanto por los movimientos de cámara como por La invención de Hugo. La cinefilia también tiene sitio en la película.

Pero yo me acuerdo de otra historia. De otra historia de amor que también ocurría en los años 60 y en un apartamento. La película habla de amor y compasión sí, pero sobre todo habla de la soledad. Me viene a la mente Bud Baxter viendo la televisión. Allí vi a una persona que por encima de todas las cosas necesitaba a otra persona. Lo mismo le pasa a nuestra querida Elisa. Una soñadora que vuelve a casa acurrucada en el cristal de una ventana tras limpiar las miserias del ser humano. Y lo hace con un sonrisa melancólica y una mirada reflexiva, esperando sumergirse en la vida que merece.

Si son de los que se duchan, prueben a bañarse, es posible que no vuelvan a ver una bañera de la misma forma. La forma del agua.


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Sorogoyen logró un buen debut con Stockholm, después llegó la notable Que dios nos perdone y antes de El Reino ganó su primer Goya por el cortometraje Madre. Un corto que a mi juicio tiene varios errores que se repiten en El reino.

El reino es un relato superficial de la corrupción. En la trama los personajes ya están corrompidos, no vemos como se fraguan sus negocios ni tampoco somos testigos del momento en que cruzaron la línea. El reino se centra en sus banquetes, sus viajes en yate y sobre todo en las semanas después de ser descubiertos por la Guardia civil.

Quizás este sea su primer fallo. La trama del guión no profundiza en la corrupción, no es del todo clara en los hechos ni en los personajes. Posiblemente los hechos sean tan imaginables por el espectador que no hayan querido hablar de ellos, pero el problema es que tienes que sostener una película de dos horas con una trama muy endeble y con varios fallos de guión de los que ahora hablaremos.

Sorogoyen decide apoyarse en los actores y en la puesta en escena. Y aquí continuan los problemas. La mayoría del elenco cumple pero no brilla. Antonio de la Torre combina grandes escenas con momentos más débiles.

La película arranca con un buen ritmo pero ante la debilidad de la trama, es la cámara en mano persiguiendo al personaje y la música (en exceso) la que sostiene el film. Da la sensación de que ambos elementos se han usado como solución y no como compañeros de viaje. El plano-secuencia de Andorra es virtuoso pero para mí es un capricho del director. Supedita la escena al plano secuencia. Es una escena que alarga para que veamos su maravilloso plano secuencia, pero acaba siendo una secuencia poco verosimil y tramposa en guión. (Ver spoiler)

Ante críticas como "Demoledor retrato a lo Uno de los nuestros" o "Sorogoyen y Peña superan con nota el desafío de retratar, con el machete en una mano y cal viva en la otra, el fenómeno de la corrupción en España", yo me quedo decepcionado.

¿Uno de los nuestros? ¿Cal viva y machete? Por favor, precisamente lo que le falta a El reino es la negrura, las putas, las drogas, la mala leche y el tono sarcástico que tiene Scorsese en esa película. Es un Sorogoyen versión light, falta el punto de shock de Stockholm o Que dios nos perdone. Lo que tenemos es a Petón (tertuliano futbolero) como director de un periódico, al clon de Ana Pastor y sólo queda preguntarse:

¿Dónde está Ferreras?

El género musical es muy difícil que deje indiferente al espectador. Lo odias o lo amas. Damien Chazelle lo detestaba. Es curioso, porque personalmente era un género con el que me ocurría algo parecido. Sí recuerdo de niño caer en las garras de ese irresistible clásico infantil llamado “El mago de Oz”, sin embargo, no continué por el camino de las baldosas amarillas.

Pero todo cambió un día. Y no, no fue en un atasco. Fue cuando tomé consciencia de que era un cinéfilo empedernido y que tenía que ver de todo. Fue ese galán llamado Fred Astaire el que me hizo ver en “Top Hat” que el musical era tremendamente especial. Pese a que era en blanco y negro, ya había un sentido del espectáculo, una armonía corporal y un romanticismo especial. Pero sobre todo fue ver a la pareja de bailarines más maravillosa del mundo (Fred Astaire y Ginger Rogers) deslizándose por el escenario con una elegancia que todavía hoy me enamora.

Después me acompañaron las piernas más hermosas de la historia del cine, las que tenía Cyd Charisse y de las que el citado Fred Astaire pudo disfrutar en "The Band Wagon". Detrás de la cámara se encontraba uno de los mejores directores en la puesta en escena. Porque si algo tenía Minnelli, es que era un genio del uso del color y la escenografía, y del movimiento de la cámara y de los personajes (la mejor muestra está en la maravillosa “Un americano en París”).

Por supuesto hay que hablar de Gene Kelly, de la mítica “Cantando bajo la lluvia”, pero sobre todo de otra que siempre se recuerda menos, “Un día en Nueva York”. Y que tiene el mérito de ser el primer musical de la historia del cine en rodarse en la calle, abandonando los platós y saliendo a los escenarios naturales. Y no sólo eso, si no demostrando también que los números musicales podían servir como una prolongación del estado de ánimo de los personajes.

Después vendrían los musicales de los años 60, una década muy prolífica con obras como “Mary Poppins", la oscarizada “West Side Story", “Lola”, “Las señoritas de Rochefort”, "Los paraguas de Cherburgo" o mi querida “My Fair Lady”. El genero cayó en picado después y desde entonces se vieron musicales con cuenta gotas, de los que destacaron algunos como “Cabaret”, "Bailar en la oscuridad" o “Chicago”. No quería olvidarme por supuesto de uno de los pioneros del género, la maravillosa “La calle 42”, con unos planos cenitales y unos efectos caleidosféricos todavía hoy realmente asombrosos.

¿Por qué hago este recorrido?

Porque algo así ha hecho Damien Chazelle con La La Land. Algo parecido a lo que hizo Michel Hazanavicius (The Artist) o Pablo Berger (Blancanieves) con el cine mudo.

Es la película de un cinéfilo (¡¡de solo 32 años!!) realizada con un gusto y una exquisitez que te vuelven loco. Es sencillamente preciosa y deliciosa. Y no merece la pena usar más adjetivos, porque se acabarían y serían pocos. Lo mejor es entregarse y rendirse a sus pies. Yo lo he hecho en la fila 5 esta noche cuando he contemplado posiblemente el final más mágico, romántico y cabrón que han visto mis ojos desde que Jack Lemmon y Shirley MacLaine barajaron unas cartas allá por 1960.

Es un guión muy bien estructurado, sencillo (que no simple) y llevado a la contra en montaje. Es un clásico moderno, imposible no encontrar las decenas de referencias a algunos de los clásicos que he mencionado, pero rodado de una manera muy moderna. Planos largos, con continuos movimientos de cámara y con pocos cortes para que los números tengan vida. Y se nota con creces, sobre todo en los actores, ya que es un gusto verles en esos planos largos. Se nota como las secuencias respiran y acaban siendo mágicas.

Ambos están estupendos. Ryan Gosling (en mi opinión el Richard Gere de esta época) canta, baila y logra que duela verle. El aura de “El diario de Noah” le envuelve en algunos momentos. Es inevitable. Y por supuesto, Emma Stone. Ver esa mirada felina, esa tez blanca, esas pecas y ese precioso pelo rojizo hechiza a cualquiera. Pero no es solo eso, ni mucho menos. Son sus cambios de registro (la escena de la discusión) o la naturalidad con la que sostiene algunos monólogos los que hacen de ella una actriz magistral. Esa naturalidad es un regalo de los Dioses. ¿Química? Toda la que quieran y más. Una de las parejas más perfectas que puede ofrecernos hoy en día el cine.

El vestuario, la gama cromática (maravillosa la continua mezcla del azul, rojo y amarillo), la fotografía (inolvidable esos planos teñidos a violeta o los planos en sombra) o los fundidos hacen que viajemos a esos musicales tan clásicos. Damien demuestra un sentido del espectáculo y del gusto envidiable desde el primer hasta el ultimo momento.

¿La música? ¡¡¡Ay la música!!! Bastan apenas cuatro o cinco golpes de las teclas de un piano para entrar en una atmósfera nostálgica y melancólica de la que no es posible escapar. La música de Justin Hurwitz es primorosa, contiene una finura casi indescriptible y que encoge el alma y humedece las cuencas de los ojos al escucharla.

Y nos quedan los sueños. Los Angeles (LA), la tierra de los sueños, a veces cumplidos y otras veces (demasiadas) sepultados. Porque “La La Land" es un brindis a la locura, un canto a pelear por lo que uno ama, por esa profesión de artista (a ritmo de Jazz) tan ingrata e injusta. La misma que te lleva pagar las facturas haciendo lo que siempre juraste que no harías (es cuando me acuerdo de la humildad que tanto reclamaba Minnelli) y que te humilla cuando menos te lo esperas. Esa que pocas veces sonríe y que cuando lo hace, te lleva por un camino en el que tienes que dejar cosas atrás. Porque aunque nunca lo pensemos, el éxito también duele.

Tengo fe en que siga habiendo películas como esta, que paremos un poco de mirar hacia adelante y miremos más hacia detrás. Que haya más gente que vuelva a ese camino de baldosas amarillas de la imaginación que Judy Garland y su querida Dorothy construyeron.