Acababa de ver "Its a Gift" (1934) de Norman Mc Leod, tal vez el film más famoso de W.C Fields, uno de los cómicos más importantes de la Edad de Oro del cine cómico americano, y me había decepcionado bastante. Aunque la crítica anglosajona la trata muy bien y aparece en algunos de esos listados de las 1000 mejores películas de la Historia del Cine, a mí me pareció que había envejecido mucho y que su humor hoy quedaba bastante desfasado.

Cuando ví que circulaba por You Tube este corto que comento ahora, que contaba con mejor puntuación en filmaffinity y que además tenía el atractivo de estar dirigida por Clyde Bruckman, guionista habitual de Buster Keaton y codirector de "El maquinista de la General" (1926) y producida por Mack Sennett, figura esencial y origen de todo el cine cómico americano, y además estaba bien valorado en la famosa lista de películas TSPDT, me dije que era una buena ocasión de intentar apreciar mejor el humor de W.C. Fields.

W.C. Fields, que pasó una infancia difícil y terminó alcoholizado, tenía fama de ser bastante irreverente, de ser un misántropo, odiar a los niños y a los valores familiares. Su humor se caracteriza por cierta tendencia al absurdo, en la línea del humor de los hermanos Marx, aunque sin la verborrea y genialidad de Groucho Marx. En su época fue muy famoso, era capaz de llenar las salas de cine y su productora, la Paramount, le dio bastante libertad para crear sus peculiares personajes.

En el corto se aprecian estas características. Es una parodia de las películas ambientadas en el Yukon, cuyo mejor ejemplo es la magistral "La quimera del oro" (1925) de Chaplin. Pero la trama no trata de la búsqueda del oro sino que es una historia absurda sobre el regreso de un hijo a su casa familiar después de haber estado en la ciudad y haber sufrido penalidades a consecuencia de haber tomado un fatal vaso de cerveza. Esta simple trama está llena de escenas delirantes y surreales, como la escena de la canción con el policía canadiense, el viaje en el trineo, la salida con los alces, la comida en la casa mojando el pan en la sopa o el desenlace final.

No es un film equiparable a los cortos de Chaplin o Keaton, pero sí demuestra bastante inventiva y un humor irreverente, aunque el tiempo, como casi siempre pasa en el cine, suele tratar mal a las películas antiguas.

La copia que circula por You tube tiene subtítulos generados automáticamente, que son bastante inexactos, por lo que quien no tenga un buen conocimiento del inglés, como es mi caso, se pierde gran parte de la gracia que tienen los diálogos.

G.W. Pabst fue un realizador muy irregular, capaz de los mejor, "La calle sin alegría", "Lulú", "Cuatro de Infantería" o "La comedia de la la vida", pero también de obras mediocres, pesadas, como la mayoría de lo que rodó después del II Guerra Mundial. En su época gozó de una amplia fama y reputación, fue de los directores que mejor reflejaron la Alemania de aquellos años previos al nazismo, pero hoy en día está muy olvidado, salvo los dos films que hizo con Louise Brooks.

La película que ahora comento es inmediatamente anterior a su famosa trilogía sobre la sexualidad femenina, curiosamente no está ambientada en Alemania, aunque mantiene algunas de sus constantes: el interés por los ambientes sórdidos, los grandes contrastes de clases sociales, la obsesión por el dinero y el sexo.

El film está basada en una novela de Ilia Ehrenburg, escritor soviético de origen judío, que escribió el guión junto con Ladislao Vajda (padre), aunque de la novela original se variaron algunas cosas; es una mezcla de cine aventuras, con elementos policiacos, políticos y de crítica social, y sobre todo una historia romántica. Esta amalgama se condimenta con un gusto por lo grotesco y los claroscuros, heredados del cine expresionista todavía presente en el cine alemán.

La película posee elementos claramente atractivos: la magnífica fotografía de Arno Wagner y la atmósfera de algunas escenas ( la juerga de la primera escena en Crimea es espectacular, se dice que contrató a auténticos soldados rusos uniformados y que estos se lanzaron como fieras por el vodka y las mujeres que estaban en la sala, Pabst sólo tuvo que rodar lo que estaba ocurriendo). También destaca su atracción por lo grotesco (que lo emparenta con célebres pintores como Grosz o Dix), como se se ve en el retrato de algunos personajes: el tío de la protagonista, el espía, o alguno de los participantes en la juerga inicial.

Sin embargo la película también presenta numeroso fallos para mi gusto, lo que me ha supuesto una pequeña decepción: la amalgama de temas y estilos no funciona totalmente y a veces no sabemos si estamos ante un drama o una comedia, el histrionismo en muchas de las las interpretaciones, algunos personajes, como el comisario comunista con muy poco interés, ciertas ingenuidades y contradicciones en el desarrollo de la trama, y sobre todo, la sosería de la relación sentimental, que es el eje de la película.

En resumen, una película interesante del gran Pabst, pero que no consigue alcanzar sus grandes logros como "Lulú" o "Cuatro de infantería".

Casualidades de la Historia del Cine, o tal vez no tanta casualidad, dos de las escasas adaptaciones del texto de Dante se estrenaron en el año 1911 y ambas en Italia. Esta que comento fue la primera en estrenarse pero no la primera en empezar a rodarse, de hecho el otro Inferno, el de Giuseppe de Liguoro, comenzó su rodaje en 1909, llevando casi tres años su realización.
Esa otra película es mucho más famosa pues fue de los primeros largometrajes de la Historia del Cine y una de las más espectaculares obras del cine colosal italiano de su dorada época muda. De hecho esta otra, la de Berardi, copia descaradamente numerosas escenas del film de Liguoro, sobre todo las primeras escenas, aunque ambos se inspiran en los grabados que hizo G.Doré de la Divina Comedia. He leído que fue porque la publicidad previa del largometraje incluía imágenes que fueron aprovechadas por los avispados productores de Helios.
Pero hay ciertas diferencias que hay que reseñar en este film, mucho más modesto en medios y mucho más breve, unos 16 minutos,; los planos que en el film de Liguoro son amplios, aptos para captar a un gran número de personas dentro de los paisajes, aquí se acercan más al plano medio o al plano americano, con lo que las actuaciones cobran importancia (entre ellas la del propio director Berardi haciendo de un sobreactuado Dante) y no se nota tanto la ausencia de figurantes y decorados. La constante presencia de desnudos en el film de Liguoro salen aquí bien tapados, parece un tradición italiana (Migel Angel y Volterra,il Braghetone ), también los "efectos especiales" (sobreimpresiones, desapariciones, vuelos, etc.) de clara influencia de Melies, que abundan en el largometraje, casi han desaparecido en esta versión mucho más sintética (el mismo texto se resume en menos de una cuarta parte de duración).
En resumen estamos ante una obra claramente inferior a su modelo, pero que tiene interés histórico para todo interesado en el cine mudo italiano o en Dante, ahora que estamos de aniversario.
Como punto a su favor indicar que el video que circula por internet (gratuito en youtube) es de mucha mejor calidad que el que se puede ver del largometraje de Liguoro, además la música que le han añadido está mas adaptada que la totalmente prescindible de Tangerine Dream para el largometraje

En el año 1945 Roberto Rossellini rueda y estrena "Roma, cittá aperta" que supone una auténtica convulsión en el acartonado cine europeo de los años cuarenta y el inicio del neorrelismo. Un año después, con similar temática, en dos de ellas, la resistencia partisana en Italia en los últimos tiempos de la II Guerra Mundial, y parecido estilo, el realista, se estrenan tres películas que suponen la base del neorrealismo: "Paisa" de Rossellini, "El limpiabotas de Vittorio de Sica e "Il sole sorge ancora" de Aldo Vergano, el film que estoy comentando. Mientras que tres de esas cuatro películas se han convertido en clásicos inamovibles de la Historia del Cine, el film de Aldo Vergano está totalmente olvidado hoy en día como se puede comprobar por el escasísimo número de votaciones que ha recibido en esta página de internet; ni siquiera aparece como neorrelista en el apartado de género, cuando es considerado uno de los films fundacionales de este movimiento. En su época fue valorado positivamente por reputados críticos com Sadoul, Mitry o Bazin y obtuvo algunos premios en diversos festivales. Los motivos de este olvido se me escapan, pues aunque no es ninguna obra maestra como las otras tres mencionadas, ni siquiera es una obra notable, sí tiene numerosos elementos de interés que hacen que merezca la pena visionarla; aparte el interés histórico, pues estamos ante el intento más conseguido de realizar un film netamente de izquierdas en la Italia postbélica, ya que Aldo Vergano estuvo con los partisanos y fue militante comunista, y hubo una gran participació, tanto en el guión como en la interpretación, de numerosas figuras del cine izquierdista italiano: el crítico Guido Aristarco, los directores G. de Santis, C. Lizzani (ambos como guionistas y actores) o el futuro director Gillo Pontecorvo en un breve papel.

El elemento mas interesante del film es el análisis que se hace de las distintas clases y grupos sociales y su relación con los fascistas y alemanes. En un hábitat agrícola, que recuerda mucho a la segunda parte de "Novecento" de Bertolucci, se desarrolla la acción y se incide en cómo los terratenientes y burgueses colaboran con los fascistas y alemanes y después, viendo los nuevos cambios que vienen, abrazan interesadamente el liberalismo y la democracia. También se señala el comportamiento rastrero de los corruptos, estraperlistas, los espabilados de siempre, que aunque de origen humilde colaboran con el fascismo y traicionan a su clase. Tal vez, por esta visión tan crítica de las clases altas italianas, la película no tuvo la difusión que merecía y la carrera de Vergano apenas tuvo continuación. Frente a estos grupos están los campesinos, obreros y partisanos que luchan contra los fascistas y alemanes y esperan conseguir la justicia social. Aunque este análisis marxista que hace el film de la realidad italiana lo diferencia y enriquece con respecto a otros films neorrealistas, también le da un tono excesivamente esquemático y propagandístico, muy similar a ciertos films soviéticos de la época como "Arco iris" de M. Donskoy.
Aparte de estas consideraciones generales el film tiene una buena fotografía y un ritmo y montaje bien elaborados, en especial en la impresionante escena del fusilamiento donde se funden las letanías a la Virgen con imágenes que nos recuerdan a Eisenstein. Capítulo aparte es la extraordinaria interpretación de Massimo Serato como un loco y locuaz oficial alemán, personaje excéntrico e inolvidable, que parece anticipar el de Cristoph Waltz en "Malditos bastardos" de Tarantino. Su frase "¿es qué yo soy torero?" y la escena donde se mezclan carreras de carrozas y tiro al prisionero son suficientes para remarcar la inventiva de este cínico personaje.Tal vez el elemento más fallido sea el dubitativo romance interclasista del protagonista entre la señora burguesa y la obrera comprometida, aunque sirva por su función ejemplarizante. Cosas del cine propagandístico de esa época.
En resumen una obra interesante donde se mezclan varios géneros -crítica social, bélico, romance- que merece ser conocida por cualquier aficionado al cine, en especial los amantes del neorrealismo o del cine izquierdista.

Estamos ante un cortometraje típico de la época en que Fatty Arbuckle y Buster Keaton formaban pareja cómica. Reúne todos los ingredientes típicos de las películas cómicas americanas de aquella época: tortazos y peleas, caidas y tropiezos, persecuciones, disputas y rivalidades por conseguir a la chica. Además en este corto tenemos unos excelentes secundarios, en especial el que hace el papel de sheriff, escenas ingeniosas y ocurrentes, y un ritmo frenético.

No fue la mejor película de esta pareja cómica, pero tiene todos los elementos para pasar un rato divertido, y aunque Buster Keaton todavía no es el gran Buster que será poco tiempo después, el papel principal corresponde a Fatty, ya apunta maneras y aparecen algunos de sus rasgos distintivos, como su seriedad absoluta ("Cara de palo") o sus facultades acrobáticas.

Como en otras muchas películas de esta época clásica de la comedia americana también aparece un perro como un personaje cómico más. Me recuerda al perro de "The artist", aunque este último era más gracioso, que fue un homenaje a todos estos perros comicos, excelentes "actores", del cine mudo.

En resumen un entretenido corto con el que pasaremos un buen rato, son sólo unos veinte minutos, aunque muchas de sus gracias nos parezcan ahora poco graciosas y estén un tanto pasadas y vistas, supone un reencontrarse con un humor sano, fresco e ingenuo, que por lo menos no provoca el sonrojo y la vergüenza ajena que nos producen algunas , más bien muchas, películas pretendidamente cómicas de hoy en día.