Esta poética historia de ultratumba se inspira en un cuento popular ruso, acerca de una boda con motivaciones desparejas entre un joven vivo y una novia muerta, ambos desafortunados por distintas razones. Aunque el cuento no es obra suya, Burton consigue llevarlo a su propio terreno, con personajes y atmósferas que lucen las constantes de su estilo.

El tímido y atolondrado joven Víctor, perteneciente a una familia adinerada pero sin abolengo, por determinación de sus padres debe contraer matrimonio con otra delicada jovencita a la que nunca ha visto (Victoria) y que pertenece a una familia nobiliaria arruinada. Los nervios de Víctor, demasiado presionado, hacen que se escape a un bosque cercano donde, por error, coloca la sortija a una triste y paciente novia fallecida el día de su boda, que llevaba esperando el momento de concretarla. A partir de aquí, se sucederán las aventuras y equívocos que lo conducirán a la Tierra de los Muertos, presentada como un mundo alegre y colorido, aderezado por un especial sentido del humor, tétrico y cálido al mismo tiempo.

"El cadáver de la novia" narra una historia con marionetas, a partir de la vieja y artesanal técnica del "stop motion", una forma artística compleja y detallista, que requiere de un minucioso y paciente trabajo cuadro por cuadro. Esta manualidad tan rigurosa se compensa con la infinidad de detalles deslumbrantes que destacan la gesticulación de cada personaje, la ambientación y puesta en escena de cada plano, además de una textura que no puede conseguirse trabajando exclusivamente con computadoras.
La película se acerca a una comedia musical gótica que construye oblicuos y sombríos ambientes para "el mundo de arriba", subrayados por numerosos planos contrapicados, que contrastan con los ambientes coloridos y alegres del infierno, desbordantes de alegría.
Los personajes son inolvidables: Víctor,delicado y atormentado (¿se habrán inspirado en el joven Kafka?); los malvados y materialistas padres de la dulcísima Victoria y particularmente la Novia Cadáver, que guarda un enorme paralelismo con la inolvidable Sirenita de Andersen, en tanto heroína que elige el sacrificio por amor. Ella no tiene carne, pero conserva las lágrimas. Su celeste cuerpo descosido tiene una enorme delicadeza y sensualidad. Es el personaje más complejo y encantador que reina en toda la fábula.

Apartado de la placidez bucólica que un cine costumbrista podría llegar a ofrecer, las imágenes de "El Campo" nos internan en un progresivo conflicto emocional, a partir de una mudanza con la que una joven pareja apuesta a un cambio de vida. Precisamente el film se inicia con el traslado de los protagonistas: Santiago (Leonardo Sbaraglia), Elisa (Dolores Fonzi) y su pequeña hija (Matilda Manzano), viajando en su auto hacia afuera de la ciudad, mientras la banda sonora alterna una música xquisitamente intimista con el ruido de la ruta.
Los personajes se dirigen hacia una casa comprada por Internet, situada en la zona rural. El hombre exterioriza mucho entusiasmo y ganas de construir una nueva vida más en contacto con la naturaleza. La mujer, en cambio, se muestra desconfiada y su mirada huraña y retraimiento hostil indican que no está cómoda. La llegada en plena noche tormentosa a una casona mucho menos confortable que la entrevista en los folletos comerciales, ya anticipan que la experiencia va a estar lejos de las idealizaciones posibles de imaginar en torno a la vida campestre.
Elisa se angustia, no sólo por la casa vieja, húmeda, inhóspita... sino por la soledad profunda, donde los ruidos, los animales y hasta una vecina entrometida toman para ella dimensiones amenazantes, replicadas por la imagen y el sonido ambiente. En un contexto donde no hay señal de celular, los silencios se agigantan y también las carencias y lados oscuros que habitualmente quedan tapados por el ajetreo estresante de las megalópolis.
El centro poblado más próximo ofrece muy poco para las costumbres citadinas pero la pareja buscará salir e integrarse en una fiesta popular, también apelan al sexo más que a las palabras para sentirse menos solos aunque el problema no pasa tanto por el desacuerdo sobre vivir o no una vida retirada y rústica, sino que ese ámbito los hace mirarse el uno al otro y descubrir las diferencias que los separan.

Estéticamente, la película es irreprochable, con un gran trabajo del virtuoso director de fotografía Guillermo Nieto. Además de las destacables actuaciones de Leonardo Sbaraglia y Dolores Fonzi. Sin embargo, la historia planteada tiene algunos problemas para una mejor recepción: en primer lugar, el tratamiento rítmico, con sus atmósferas densas que conspiran para la pura fluidez cinematográfica. La historia descarta factores que podrían haber reforzado su dramaticidad, dice muy poco de los personajes. Cuando empieza a ocurrir algo significativo, el relato se clausura abruptamente. Se escatiman demasiados datos, falta información. De esta forma, paradójicamente, la intensidad buscada en el despojamiento conspira contra la profundidad y los conflictos quedan en la superficie, en la incomodidad y en una excesiva frialdad o sequedad que se transmite al espectador.

"Boquitas pintadas" es una película emblemática para observar las relaciones entre el cine y la literatura, donde el director(*) cuida en cada fotograma no traicionar ese otro discurso que considera más elevado que la pura imagen cinematográfica.
Manuel Puig publicó su novela "Boquitas pintadas" en 1969 y en 1973 Torre Nilsson adquirió los derechos para su adaptación al cine. Puig colaboró en la escritura del guión.
El director argentino realiza su propio relato visual sobre una fuente literaria con profunda influencia cinematográfica. El entrecruzamiento permite observar el caso de un cine literario y de una literatura cinematográfica.

"Boquitas..." reúne distintas historias de amor en un pueblo de la provincia de Buenos Aires, Coronel Vallejos, entre 1934 y 1968. El protagonista es Juan Carlos (Alfredo Alcón), un joven donjuán que enamora a las muchachas de un pueblo, hasta que la tuberculosis lo obliga a radicarse en las sierras de Córdoba. Poblada de prototipos del folletin y letras de tango con moralina del tipo: joven calavera que enferma por su vida disipada y muere en plena juventud.
El relato se inicia con la noticia de su muerte y la decisión de Nené, su novia de la juventud, de escribir una carta a quien debió ser su suegra. Interpretada por una bellísima Marta González, Nené es el prototipo de la muchacha sencilla y mal casada, especie de Madame Bovary fascinada por el cine, es una heroína típica de Puig.
Nilsson sigue la misma lectura "paródica" del texto y también acentúa la nostalgia, las relaciones de violencia y engaño que remiten a una trama social y que Puig ha ido poniendo cada vez más en la superficie de su mundo narrativo como se advierte en "El beso de la mujer araña", otra de sus novelas llevadas al cine.


El film refleja la dinámica del libro que se mueve con diferentes retazos de tiempo y distintas formas de relato. Se trasponen los monólogos interiores de los personajes y otros microtextos que conforman el universo novelesco: letras de canciones, cartas, artículos de periódicos, informes y relatos policiales, etc. El tiempo, el espacio y la trama del libro son conmutados al lenguaje cinematográfico, con el sabor de las formas narrativas con las que la cultura popular moldea los sentimientos.

Revelaciones sorpresivas, escamoteo de identidades y muchas implicancias oblicuas son ingredientes en esta bella película con el clima de los radioteatros de época, donde circulan historias secretas que se ignoran o simulan y que permite a su vez un amplio espectro de lecturas, desde lo paródico a lo sociológico. Si aún no la vieron... ¡a desempolvarla de los archivos!

Esta vez más cerca del periodismo y la investigación judicial que del fenómeno cinematográfico, el realizador argentino Enrique Piñeyro redobla la apuesta de explicar a través del cine, las graves falencias en los aviones que circulan por los cielos argentinos.
El director ya no aparece como personaje de ficción (Whisky Romeo Zulu) sino como
presentador de un ágil documental, en el que explica aún más detalladamente, lo que
había quedado fuera de aquella primera experiencia cinematográfica.

Cámaras ocultas en las torres de control, la reconstrucción mediante dramatizaciones o animación computada, colaboran entre otros recursos, a demostrar las irregularidades cotidianas en las normas de seguridad aérea en la Argentina.
El importante conocimiento del cine que tiene Piñeyro juega a favor del producto conseguido, donde aparte de la correcta iluminación, fotografía y sonido, los planos no son convencionales y se recurre a una plástica gama de recursos didácticos visuales que sintetizan y evitan largas explicaciones.

Especie de "cine justiciero", pocas veces una película ha logrado modificar una política de Estado como ésta, donde poco después del estreno se produjeron repercusiones judiciales, con la indagatoria de varios oficiales de la Aeronáutica por poner en peligro la seguridad aérea y desde el Ministerio de Defensa se puso fecha para el traspaso de la aviación civil, a fin de que el control de los cielos no dependa exclusivamente de una fuerza militar, algo que no ocurre en ninguna parte del mundo, salvo en Nigeria y en la Argentina.

Fuerza Aérea Sociedad Anónima es un intranquilizador documento, despertador de
conciencia, que ha demostrado que el cine puede a veces ser una herramienta de
cambio.

Juan Desouza es un lacònico abogado de 46 años, casado sin hijos y a cargo de un padre mayor y enfermo. Su vida parece repartirse entre su trabajo, el cuidado de su progenitor y una convivencia rutinaria con su pareja. En la secuencia inicial nos enteramos de que su esposa acaba de quedar embarazada.
No se aporta mayor informaciòn sobre el protagonista; no hay flash back ni voz en off para indagar en su pasado ni en sus pensamientos. Pero aparece la posibilidad de un breve viaje por motivos laborales, que lo alejarà  desde su residencia en Buenos Aires hacia el interior.
Inesperadamente, al llegar a destino, el protagonista decide tomar otra identidad, inventarse una profesiòn y conseguir un lugar donde dormir, superado por esa posibilidad de ser otro, es decir de de ser muchos, que aparece al alcance de la mano.

En los lugares donde se hospeda, adopta  sucesivamente el nombre y la profesiòn de dos muertos, cuyos nombres y algunos datos ha conocido circunstancialmente en su breve estad¡a. Asì serà  sucesivamente Emilio, arquitecto y luego Salazar, mèdico.
En su estado de disponibilidad, este hombre "nuevo" realizarà  una travesìa que lo reencuentra con la naturaleza y sus instintos básicos, intentando abrazarse a la idea de que la vida que le tocò no es la ùnica posible.

"El Otro" es un film alejado del estereotipo, que no elude los riesgos, como en el tono mismo del relato, cuando en medio de un pico de tensiòn dramàtica se apela a una suerte de humor absurdo. Es una película marcada por los silencios y pausas del personaje, donde el juego de expresiones y de miradas se potencia con buenos planos, minuciosos y simbòlicos detalles, sostenidos por excelentes actuaciones, todo con una medida muy justa.
Pero lo curioso de "El otro" es que su protagonista no busca modificar radicalmente su vida a partir de la nueva identidad. No se parece a un sicòpata sino màs bien a un hombre comùn que busca el refugio de un nuevo nombre y profesiòn para escapar de sì mismo.
La excusa argumental remite a la legendaria pel¡cula de Michelangelo Antonioni, El extranjero (1975), aunque aquì Juan da la sensaciòn de haber salido sólo para encontrar un pequeño oasis que lo proteja de ese ciclo de la vida marcado por la rutina del trabajo, la vejez y el deterioro.
Julio Chàvez, un artista que habla con sus silencios y que actùa con sus miradas, demuestra sobradamente por qué mereciò el galardòn al mejor actor en el último festival de Berlìn, interpretando a este inolvidable Juan Desouza, que sin buscar nada, sueña encontrarse con algo en el camino.