Cuando leí hace un año El Festín del Amor de Charles Baxter me llevé una grata sorpresa. Es un libro que realiza una descripción perfecta de la condición humana, de las diferentes manifestaciones del amor y del sexo, la soledad y la perdida de algún ser querido. La galería de personajes era de lo más variopinto y el lenguaje duro y contundente. Al enterarme de la adaptación de esta novela al cine, deseé que fuera lo más aproximada a su estilo narrativo, sin embargo, el tono elegido es diferente aunque no desdeñable. En líneas generales, la película es digna, aceptable y correcta pero sin la fuerza y emoción suficiente que necesitaba un texto de estas características. El problema principal gira en torno a una dirección de Robert Benton demasiado clasicista y académica, poco arriesgada en la puesta en escena y que, apenas, profundiza en los matices e interioridades de personajes tan opuestos entre sí. Me quedó una sensación de que el director ha suavizado las partes más escabrosas y crudas de la historia tendiendo a edulcorar las imágenes y hacerlas más llevaderas al gran público. Es cierto que incluye varios desnudos y algunos con cierto riesgo pero nada aportan al resultado final del mismo. A pesar de no ser un título memorable, sí merece ser visto por el excelente trabajo de todos los actores. Aquí está el acierto principal de su director que ha sabido elegir adecuadamente a los actores en una labor de casting intachable. Morgan Freeman, uno de mis actores favoritos, encaja como nadie en su papel de Harry Stevenson, el profesor y escritor taciturno, tristón y experimentado que siempre da los consejos oportunos. Últimamente, algo encasillado en estos roles, también es preciso reconocer que ningún actor en la actualidad representa tan bien la bondad y la sabiduria como Freeman, pués sus miradas y silencios son únicos y siempre es creíble. Greg Kinnear resulta conmovedor y recuerda en sus gestos a actores como Jack Lemmon que oscilan entre la comedia y el drama. También, hay un gran trabajo de Radha Mitchell como esa mujer manipuladora y posesiva que ofrece una doble cara y supone el personaje con más fuerza y complejo de todo el reparto. Otro descubrimiento a considerar es Alexa Davalos, actriz de enorme belleza que muestra una especial ternura y melancolia como Chloe. Selma Blair, ingenua e inocente, hubiera necesitado un mayor protagonismo porque desaparece enseguida. Sin olvidarnos de Jane Alexander, veterana actriz que destaca como una mujer generosa y cariñosa. En definitiva, El Juego del Amor, no pasará a la historia ni será una de las adaptaciones brillantes de obras literarias pero, por lo menos, es un ameno entretenimiento con un reparto en estado de gracia que logran salvar la función.

AHORA O NUNCA es una película con muy buenas intenciones y con un planteamiento diferente en torno a temas tan delicados como la muerte. No obstante, por culpa de un guión previsible, lleno de tópicos y con situaciones poco creibles desaprovecha un buen punto de partida. Es más, sino fuera por la presencia de estos dos grandes monstruos de la interpretación, sería un título totalmente olvidable y pasaría desapercibido por las carteleras. El gancho fundamental de Ahora o Nunca, no lo olvidemos, son estos actores que bordan unos personajes que tienen mucho de si mismos y que ya les hemos visto interpretar en ocasiones precedentes. El contrapunto de caracteres no puede ser más opuesto. Nicholson es histriónico, egocéntrico, orgulloso, cínico, vividor y socarrón. Por el contrario, Freeman es sabio, contenido, sobrio, generoso, familiar y humilde. Es un prototipo habitual que estos genios dominan a la perfección y es evidente que han disfrutado de lo lindo en la primera ocasión que trabajan juntos. Se nota como la química entre ellos es especial y algunas réplicas en los diálogos son geniales. Se agradece también el tono optimista y vitalista que aligera situaciones tan dramáticas, evitando subrayar la tragedia y el miedo a la muerte. Sin duda, la parte ambientada en el hospital cuando se conocen los protagonistas es lo más logrado porque transmite cierta naturalidad y sencillez a través del día a día de los enfermos, sus inquietudes, rarezas y anécdotas de todo tipo. Después, se da un giro al guión y cuando intentan llevar adelante sus deseos incumplidos antes de morir, hay escenas y secuencias forzadas, nada convincentes, rodadas con ritmo pero de una forma precipitada. A pesar de todo, y aún reconociendo que Rob Reiner no era el director más adecuado con esa tendencia a copiar el estilo de Frank Capra, esta película merece la pena ser vista única y exclusivamente por la presencia de dos actores ya clásicos y opuestos entre sí: Nicholson y Freeman. Hay que quitarse el sombrero con ellos y ¡Qué les quiten lo bailao!.

La Soledad es una película absorbente que necesita un segundo visionado para captar en toda su esencia los verdaderos méritos de su experimentación. Hoy en día, apenas existe en nuestro Cine, un estilo tan rompedor, arriesgado y valiente como el de Jaime Rosales. Es Cine de Autor en el amplio sentido de la palabra que recuerda al Cinema Verité y al minimalismo de muchos directores de prestigio franceses. Aún asi, el tempo y ritmo que imprime su director requiere de una paciencia y reflexión constantes por parte del espectador. El público está acostumbrado, por lo general, a otros lenguajes más convencionales, a ritmos acelerados o a efectos exagerados. De ahí que, La Soledad se convertirá en un título de culto minoritario por su radicalidad. Al principio, me costó entrar en la historia, el tempo narrativo, los planos-secuencia alargados con los actores hablando fuera de campo. Sin embargo, a medida que presenta con claridad los miedos y frustacciones de los diferentes personajes, percibes que hay naturalidad, que son situaciones sacadas de la vida misma, llenas de dolor y sufrimiento. En este sentido, antes que la utilización de la Polivisión que abre nuevas percepciones visuales en el Cine, me quedo especialmente con el excelente trabajo interpretativo de todos los actores. Es dificil destacar a alguien en particular y eso habla muy bien de Jaime Rosales como gran director de actores. Algo que no acabo de entender es que actrices del talento de Sonia Almarcha, Petra Martínez, Nuria Mencía, Miriam Correa o María Bazán, ni siquiera hayan sido nominadas a los Goya cuando son, sin duda, los mejores trabajos de actrices del 2007. En conclusión, lo interesante de esta obra es el poso y calado que deja una vez finalizada la proyección que da pie a establecer debates y tertulias con las opiniones más opuestas.

Primos supone un paso atrás en la filmografía de Sánchez Arévalo, uno de los directores más prometedores de nuestro cine con un debut tan afortunado como Azuloscurocasinegro donde todo encajaba a la perfección. En esta ocasión, se ha decantado claramente por un tono de comedia intrascendente, disparatada y absurda, a diferencia de sus anteriores películas que funcionaban como tragicomedias. El guión está poco elaborado con situaciones ya manidas donde se recurre con demasiada facilidad al chiste fácil. Hay un lenguaje muy soez que se repite una y otra vez con continuas alusiones sexuales. Es cierto que en esta forma de hablar hay mucha cotidianidad pero, al mismo tiempo, de un autor de este nivel se esperaba un guión más inteligente que jugara antes con lo sugerido que lo explícito. Es demasiado reiterativo cuando sus guiones se caracterizaban más por la capacidad de elipsis, evitando caer en un discurso plano o esquemático.

La película tiene sus aciertos en un par de secuencias que resultan especialmente graciosas, sobre todo, el peculiar baile de los primos acompañado de un montaje ágil y los continuos guiños cinéfilos a títulos de películas. Además, es preciso reconocer una música tan apropiada, entre festiva y alegre, a cargo de Julio de la Rosa.

En relación a la dirección de actores siempre he destacado la buena labor de Sánchez Arévalo en esta faceta. Sin embargo, aquí los personajes están menos controlados por el propio tono que imprime la película que da lugar a cierto histrionismo en la mayoría. Sin duda, Inma Cuesta se sitúa por encima del resto como una gran revelación componiendo el único papel realmente natural, siendo creíble en todo momento y sin forzar nada. Quim Gutiérrez no acaba de convencer por esa tendencia a la sobreactuación exagerando sus traumas amorosos con una gesticulación excesiva y un tono de voz impostado. Raúl Arevalo tiene una excelente vis cómica pero en un registro de vividor y sabioncillo que tiende a repetirse bastante. Adrián Lastra cumple en un rol complejo que roza la caricatura. Antonio de la Torre es uno de nuestros actores más completos y es capaz de demostrar su enorme versatilidad en registros diferentes. Clara Lago demuestra su gran desparpajo y atractivo físico aunque esperamos verla en otros registros alejados del mito erótico donde se la encasilla últimamente.

En definitiva, echo de menos el Sánchez Arévalo tan fresco, preciso y contundente de su primer largo y de excelentes cortometrajes como Exprés, La culpa del alpinista, Profilaxis, Física II o Traumalogía (por cierto, la idea original de Primos estaba aquí presente). Es comprensible que haya realizado una incursión tan comercial en el género de la comedia y seguro que la película tendrá una aceptable respuesta entre el público, aspecto muy positivo para nuestro cine. Aún así, me quedo con ese autor de calidad capaz de cotas mayores y, por supuesto, estaré pendiente de sus próximos proyectos.