El director John Patrick Shanley nos propone un ejercicio, cuanto menos, curioso, con la adaptación al cine de su propia obra de teatro, cuya trama gira alrededor de la posibilidad que un cura haya abusado de un menor.
Sin embargo, Shanley no quiere ponernos las cosas fáciles. Para empezar sitúa la acción varias décadas atrás, en 1964, en un momento importante de cambios, en un país que todavía padece las secuelas del asesinato de Kennedy, al mismo tiempo que el Vaticano está empezando a renovarse, y los primeros piedras de la segregación racial están comenzando a derribarse. En un momento crucial, lleno de cambios, posibilidades pero también de incertidumbres acerca del futuro. En este contexto, una joven novicia (Amy Adams) observa algo sospechoso entre un joven alumno de color y el padre Flynn (Phillip Seymour Hoffman). Inmediatamente se lo comunica a su superiora, la hermana Aloysius (Meryl Streep), quien sin tener ninguna prueba atacará directamente al acusado.
Ligado a su origen teatral, la mayor parte del film tiene lugar en interiores, pasillos, despachos, refectorios, y alguna breve (pero estática) secuencia exterior, acompañado de una fotografía un tanto oscura que intenta subrayar la incertidumbre que se cierne sobre sus protagonistas. A Shanley no le importa tanto si el hecho es verdad o no como retratar las reacciones que tiene la mera posibilidad de que haya sucedido. Para ello retrata con mucha ambiguedad a los dos principales personajes que nos presenta contrapuestos: La hermana Aloysius representa desde el principio la rectitud de las normas y de los principios religiosos tradicionales. Por ello viene a representar la parte inmovilista y más carca de la Iglesia. Por su parte del padre Flynn parece ser la representación de los nuevos tiempos, con un talente más moderno, menos estático y por ello algo más tolerante. Sin embargo, el director consigue que veamos diversos matices en ambos personajes. Aunque inicialmente podamos alinearnos con la hermana Aloysius, su terquedad y su inmovilismo hace que nos acabe pareciendo odiosa (reforzado por su atuendo oscuro y claramente antiguo a nuestros ojos). Pero también dudamos del padre Flynn, ya que parece rodearle una cierta oscuridad en su figura y sobretodo en su pasado como se parece insinuar.
Tanto Mery Streep como Phillip Seymour Hoffman nos ofrecen unas interpretaciones soberbias, dando vida a dos personajes con todas sus luces y sus sombras. Como buen director teatral, Shanley cuida meticulosamente todos los aspectos de la puesta en escena, con el claro objetivo de no tanto a despejar la duda como a obligarnos a reflexionar, a (paradójicamente) tener dudas, en definitiva que nos cuestionemos cuanto nos rodea, sin que ello tenga que ser algo negativo. En resumen, se trata de un film muy sobrio pero de gran calidad, y con unos planteamientos resueltos de forma muy inteligente, algo que se echa de menos en la gran parte de los films actuales.

No hay conflicto bélico en el que hayan intervenido los Estados Unidos, sobre el que Hollywood no haya realizado una película. Los recientes conflictos de Iraq y Afganistan se han hecho esperar, pero tras prácticamente 10 años, se están empezando a acumular unas cuantas películas. Tradicionalmente en este tipo de género los films exaltan valores típicos como el heroísmo (sobretodo el individual), el espíritu de sacrificio o el de compañerismo. Aunque la mayor parte de los films que tratan sobre este último conflicto se han centrado más bien sobre las secuelas que sufren los soldados.

La realizadora Katryn Bigelow, intenta ofrecernos una visión bien diferente para lo cual nos lleva directamente al mismísimo epicentro de este peculiar conflicto, siguiendo los pasos de una unidad de desactivación de explosivos, cuya "rutina" diaria es precisamente esa, jugarse el pellejo tratando de desactivar todo tipo de artefactos que los insurgentes iraquíes se empeñan en colocar en los lugares más recónditos.

Lo primero que llama la atención es la ausencia de estrellas como protagonistas (curiosamente son mucho más conocidos los "secundarios" Guy Pearce, Ralph Fiennes o David Morse que no los protagonistas Jeremy Renner, Anthony Mackie o Brian Geraghty). Seguramente, Bigelow, intenta de esta forma que nos fijemos más en los hechos que no en las personas, ya que en el fondo, las guerras las libran soldados anónimos. Así, desde los primeros segundos, la realizadora nos introduce de lleno en la guerra, con un estilo que se acerca mucho al documental lo que refuerza el realismo que quiere imprimir al film. De una forma simple, Bigelow nos hace partícipes de las vicisitudes de este equipo que tratan de sobrevivir a las diversas trampas que los iraquíes van sembrando en su camino.

Los mecanismos para inducir tensión en el espectador son bien sencillos es el mostrar cámara en mano, de forma nerviosa, tambaleante, las actuaciones del equipo de desactivación, mostrándolos además desde todos los puntos de vista posibles a modo de rápidos "flashes" en el que el peligro puede asomar desde cualquier ventana o esquina, con lo que acabamos sufriendo con ellos, operación tras operación. De alguna forma, acabamos entendiendo lo que puede ser pasar unos días con los militares en un país extraño donde no son bienvenidos.

Uno de los grandes aciertos del film es la reducción absoluta con la que afronta la situación de los militares. El film no cuestiona porqué están allí, no es el objetivo de Bigelow realizar una película discursiva sobre la guerra, ya sea para posicionarse en contra o a favor. No hay cuestiones políticas que justifiquen la presencia de las tropas norteamericanas en Iraq, ni implícitas ni explícitas.
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Guy Ritchie, se ha servido del nombre del personaje, y de su fiel acompañante, para realizar una re-lectura/actualización. Aunque la trama está ambientada en el Londres de la misma época que se supone que Conan Doyle ubicó a su personaje, en todo lo demás se observan sustanciales cambios que acercan a Holmes a personajes mucho más modernos que él como Jason Bourne, o incluso James Bond. El cambio más evidente lo podemos encontrar en el propio protagonista, tradicionalmente interpretado por actores altos, enjutos provistos de su inseparable gorra a cuadros y su pipa. En lugar eso nos encontramos a Robert Downey Jr. Así, en lugar de encontrarnos con un detective flemático, un tanto estático y con una extraordinaria capacidad de racionalización, nos encontramos más bien con un tipo cínico, irónico, ocurrente, pícaro, más impulsivo que racionalista y extremadamente ultra activo. De todas formas, hay que reconocer que el actor cumple perfectamente con la nueva imagen que se quiere dar del personaje
Los cambios también afectan a la figura de su compañero, el Dr. Watson, mucho más estilizado embutido en la piel de un Jude Law quien también sabe componer de forma efectiva su personaje, siendo un complemento ideal de este Holmes moderno. Por el film circulan otros personajes algo más "convencionales", habituales en las novelas (como el comisario Lestrade, el ama de llaves, etc), que contribuyen a hacer la "transición" algo menos traumática.
Como es lógico, la trama del film está a la altura de la reactualización de los protagonistas, en la que el misterio queda un tanto relegado a un segundo plano, en favor de mucha más acción, y cierta retirada hacia temas esotéricos y sobrenaturales. Hay que reconocer que la ambientación del Londres decimonónico está bastante bien conseguida gracias, eso si, a la ayuda de efectos digitales.
Y sin duda alguna, Robert Downey Jr. nos hace olvidar en seguida los cambios sufridos, componiendo un tipo de personaje que no sólo se aleja del universo creado de Conan Doyle, sino que además se acerca, y mucho, a su propio territorio, cercano a otros personajes en los que parece haberse especializado (como el de "Iron Man").
Si nos olvidamos del nombre del protagonista, podremos pasar un rato entretenido, ya que el film apenas tiene momentos para la reflexión, y si mucha acción. Quizás esta propuesta sería mucho más valorable si le hubieran cambiado el nombre al protagonista, si no fuera tan descaradamente comercial (que incluso parece anticipar una posible segunda parte), y si Guy Ritchie no se hubiera esforzado tanto en demostrar que se trata de un film suyo, aunque alejado de los territorios habituales en los que nos tenía acostumbrados. Hay un cierto abuso de planos ralentizados, combinados con otros a toda pastilla, marca de fábrica del realizador, pero que no evitan la sensación de ser un film más bien de encargo.

Tenían que ser los británicos y su particular sentido del humor los que nos ofrecieran una visión sobre la situación internacional de los últimos años llena de ironía y acidez. De hecho, los orígenes de este film habría que buscarlos en el medio televisivo. Su realizador, Armando Iannucci en realidad nos ofrece una versión en largometraje de una série de éxito de la televisión británca.

En líneas generales, el film trata se centra en una serie de personajes políticos y militares que forman lo que se podría llamar "la segunda línea", es decir, todos esos cargos que están tras los altos cargos del gobierno, y cuya vida transcurre entre los pasillos y despachos de edificios gubernamentales, intentando sacar en claro las directrices que les marcan sus superiores.

El film, que en ningún momento oculta su formato televisivo, se centra en diversos personajes tanto británicos como norteamericanos, que intentan sacar en claro una posición firme contra un inminente conflicto bélico. Explicado así puede sonar muy sencillo, pero en la casi hora y tres cuartos de metraje asistimos a una función casi de circo que cuenta con ministros torpes y de escaso marchamo político (por no decir directamente inútiles), con secretarios de Estado que sueltan cinco tacos por cada palabra pronunciada (impagable la interpretación de Peter Capaldi), militares contrarios a la guerra (una excelente composición la de James Gandolfini), secretarias de Estado, con más poder que el propio presidente de los Estados Unidos, y un puñado de ayudantes insolentes y con demasiada iniciativa propias.

El retrato que nos ofrece Inannucci es extremadamente lúcido, presentándonos como funcionan los engranajes del poder, o mejor dicho, en manos de quien están dichos engranajes, y de qué forma se invierte el tiempo en reuniones estériles, en la que los ministros son utilizados literalmente para rellenar, comisiones aparentemente secretas pero cuyas reuniones son multitudinarias, y todo ello tamizado por un sentido del humor ácido que no deja títere con cabeza.

Hay que reconocer de esta refrescante propuesta, no sólo humor, sino que además da mucho que pensar, sobre las estructuras y personajes que hacen funcionar a dos grandes potencias como pueden ser la norteamericana y la inglesa. Al ser tan grandes, necesitan para funcionar un buen puñado de burócratas, con todo lo que eso acarrea. Puesto que carece de grandes estrellas y apenas ha tenido promoción, pasará prácticamente desapercibida en nuestro país, lo cual es una pena. O según se mire una bendición, porque si el destino del mundo está en manos como las que retrata la película, la verdad es que dan ganas de salir corriendo.

A priori puede resultar extraño que el realizador de "El milagro de P. Tinto" y la primera parte de "Mortadelo y Filemón", aborde una película sobre una cruel enfermedad que sufre una niña, un tema bastante alejado del particular universo temático y visual al que nos tenía acostumbrados. Sin embargo, una lectura atenta de este film nos hará acortar la (teórica) distancia de este film con respecto a sus primeras obras, aunque, eso sí, marcando nuevos horizontes.

La protagonista del film es Camino (Nerea Camacho), una niña normal, con los sueños normales que se le suponen a cualquier persona que está despertando al mundo, que le gusta jugar, bailar, reir, y empieza a descubrir el primer amor. Sin embargo, Camino tiene una familia profundamente religiosa, estrechamente vinculada al Opus Dei, sobretodo su madre (Carme Elias), cuyo fervor religioso marca totalmente el núcleo familiar y que incluso su hija mayor ya está sirviendo en "La Obra". En medio de este panorama, la enfermedad de Camino es asumida con resignación e incluso se quiere ver como si Dios pusiera a prueba las convicciones religiosas de la familia de la niña. Aunque el padre (interpretado por Mariano Venancio) tiene algo más que dudas sobre las opiniones de su mujer, totalmente influenciada por los curas que permanentemente ejercen una función de control sobre sus seguidores.

Fesser, nos presenta en realidad un film profundamente anti-religioso, que tiene su punto de mira en uno de los grupos más conservadores y ultraclericales, y que al mismo tiempo tiene una cierta leyenda negra, como es el Opus Dei. La mirada del realizador no es en absoluto imparcial. Más bien es claramente sesgada, como lo demuestra la forma que tiene de incidir (a veces incluso machaconamente), sobra las prácticas de este grupo religioso en todos los aspectos que rodean a la niña: sus padres (sobretodo su madre), su hermana, e incluso la propia niña, la cual vemos desde el principio como son cortadas sus ansias de ser una niña normal (con las lecturas, las actividades extraescolares, etc). Según parece, Fesser toma como modelo un caso real ocurrido hace unos años, aunque el realizador, lo adapta libremente, puesto que la familia original se negó a colaborar. Algo lógico, por otra parte, puesto que no quedan nada bien retratadas ciertas prácticas religiosas que incluso son llevadas casi al extremismo.
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