Terminando de ver “Mudbound” (2017) de Dee Rees con Garrett Hedlund, Carey Mulligan, Jason Clarke, Jason Mitchell, Mary J. Blige, Rob Morgan, Jonathan Banks, entre otros. Drama rural y bélico, nominado a mejor actriz de reparto (Mary J. Blige) y mejor canción; basado en la novela/debut homónima de 2008, escrita por Hillary Jordan, que aun siendo ficción, se inspira en personas y hechos reales; concretamente, el personaje de Carey Mulligan, está basado en la abuela de la escritora; por lo que aquí tenemos 2 familias de diferentes razas en “La América Profunda” en tiempos en que los EEUU ingresa en La Segunda Guerra Mundial, y cómo ambas familias sufren la guerra y el conflicto racial; además de temas como el machismo de la época y la prisión personal de cada esposa, limitada a ejercer de ama de casa, madre y amante, y en ocasiones puntuales, demandadas por el marido. También plasma la pobreza y los problemas de la vida en el campo, e un clima tan asfixiante como “claustrofóbico”; y en el fondo, la película hace un paralelismo entre ambos eventos, el campo y la guerra; y pone el dedo en la llaga en la historia de un país que se considera “emblema de libertad y justicia” cuando revisando su pasado “glorioso”, se descubren podridas costumbres que lamentablemente han sido revividas por el presidente supremacista blanco y xenofóbico, Donald Trump; por lo que la película llega en un buen momento para promover un cambio en la marea. También tira sus dardos hacia los veteranos de guerra, tratados como basura; así como el Estrés Post Traumático, que no se logra transmitir porque la tensión, el horror y la locura de la guerra no se muestran; y es lamentable que el póster oficial promueva esa estructura racial que se pretende combatir; no obstante, la historia principal queda como una bonita historia de amistad interracial entre un joven blanco y uno negro, en un entorno racista durante la posguerra. Pero la estructura de lo narrado es el mayor problema; presentado como un largo “flashback” donde nos enteremos cómo los personajes llegaron al comienzo de lo que vemos al inicio; al tiempo su desarrollo se hace largo y agotador, pues el clímax se va cociendo lentamente, en algo que ya se presume, que quita suspenso y no lo hace ágil en la narrativa. Del reparto, Garrett Hedlund protagoniza este filme de manera solvente, demostrando carisma y empatía; mientras Carey Mulligan en parte principal protagonista femenina, está casi dejada de lado, pues la película se centra en la relación no de ella, sino del personaje de Hedlund con Jason Mitchell, que lleva el protagonismo más dramático, y con quien cierra la película, aunque su intervención no se siente protagónica; y Jason Clarke sale y entra del relato al mismo tiempo que Jonathan Banks, solo para antagonizar la narración. Por último, Rob Morgan hace un buen papel como el padre de la familia negra, pero está mal desarrollado; y Mary J. Blige como la esposa, no es tan relevante, por lo que considero que su nominación es excesiva, salvo por un detalle: Resulta que la experiencia de Mary J. Blige en el filme se dio mientras estaba pasando su divorcio, eso alimentó el dolor y la pesadez de su actuación; y ella misma se relacionó estrechamente con su personaje, ya que tenía una tía que había trabajado y criado a un grupo de niños en una familia blanca que la amaba; además, ella vio a su personaje también en las experiencias de su abuela. En fin, nos queda una historia de los “Estados Fangosos de América” donde a los libertadores, aquellos a que la gente arrojaba flores y vitoreaban, empujan arados en Mississippi.

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Terminando de ver “London After Midnight” (1927) de Tod Browning con Lon Chaney, Marceline Day, Conrad Nagel, Henry B. Walthall, Polly Moran, Edna Tichenor, Claude King, entre otros. Película de Terror de La Era Silente sobre un vampiro que acosa a una millonaria familia. La película está considerada perdida debido al gran incendio ocurrido en 1967 en la bodegas de MGM, donde las llamas consumieron miles de filmes de los cuales no hay copias. Sin embargo, este filme fue “reconstruido” mediante las fotos hechas durante la producción, que recrean 45 minutos de los 65 minutos del corte original. Este filme es importante porque fue una de las películas de terror más vista entonces, de las consideradas perdidas, y que tuvo como protagonista a Lon Chaney en una de las 10 colaboraciones con el director Tod Browning, además de ser la segunda película en la historia del cine, que tiene entre sus personajes un vampiro. La película hace alusión indirecta a “Jack, El Destripador”, así como muestra el expresionismo alemán, usado para ese tipo de filmes, la atmósfera gótica muy bien conseguida, y en este montaje, la música y la edición de las fotos crea un sentimiento de terror, haciendo de la experiencia, una de las más aterradoras por la forma en que fue mostrada. De los actores, todos están soberbios, pues sus caras lo dicen todo, así como el buen trabajo de dirección de arte/decorados y maquillaje. ¡Una joya!
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Terminando de ver “Code Name: Emerald” (1985) de Jonathan Sanger con Ed Harris, Max von Sydow, Horst Buchholz, Helmut Berger, Cyrielle Clair, Eric Stoltz, Patrick Stewart, entre otros. Drama bélico y acción, sobre un espía para los Aliados que trabajaba encubierto en la Alemania nazi durante La Segunda Guerra Mundial. Esta fue la primera película producida por NBC, basada en la primera novela escrita por Ronald Bass, “The Emerald Illusion” (1984), que crea una intriga y suspenso alrededor de un doble agente que debe rescatar a un soldado de EEUU, días antes de “La Operación Overlord” que llevaría el desembarco de Normandía por parte de los aliados, que iniciaría la caída del Tercer Reich en Europa. La obra de ficción de tan solo 90 minutos, es producto de un director debutante, con claro formato televisivo, evidentemente, mostrando poca acción militar; pero es esencialmente un drama de espionaje, del tipo popular durante toda La Guerra Fría, pero trasladado a un entorno de guerra, y con los alemanes en lugar de los rusos como los villanos. Como la mayoría de estos dramas, tiene una trama complicada, en la que nunca se sabe en quién pueden confiar, y cuál de los otros personajes podría ser un agente doble. Todo tiene un aire anticuado, probablemente porque era el tipo de película que se repetía, una y otra vez a fines de los 40, y principios de los 50, pero la producción se ve bien, y los detalles del período son convincentes. Particularmente llamativas son las hermosas ubicaciones en París, de la Francia ocupada, París en la primavera, y el retrato de esa época se crea vívidamente. También impresiona la banda sonora de John Addison, que agrega un tono melancólico a la imagen completa, y enfatiza el hecho de que todo esto sucedió hace mucho tiempo; así, la mayor parte del tiempo de ejecución de la película, se toma con el juego del gato y el ratón, del agente doble tratando de manipular a los captores nazis de su objetivo; y es muy interesante, especialmente cuando uno se da cuenta, de que está jugando con los rangos más altos posibles. Luego, cuando la acción se inicia al final, por primera vez, una gran secuencia de persecución tiene un propósito dramático, y no es solo una distracción descerebrada; por lo que el agente tiene que burlar y superar a toda la maquinaria de guerra nazi en la Fortaleza Europea, o la invasión estará condenada. Inusualmente, los personajes alemanes no son todos estereotipados como villanos unidimensionales. Hay que admitir que Helmut Berger es un fanático nazi excepcional; Horst Buchholz, parece encantador y urbano; y Max von Sydow, es un oficial prusiano de la vieja escuela, que ama a la Patria, pero tiene poco tiempo para sus gobernantes. Ese excelente actor que es Ed Harris, hace un individuo creíble, en lugar de un simple artilugio de la trama, un héroe con toda la regla; pues nuevamente, aquí nada es lo que parece: “Tienes que confiar en mí, y en nadie más”
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Terminando de ver “Hoje Eu Quero Voltar Sozinho” (2014) de Daniel Ribeiro con Ghilherme Lobo, Fabio Audi, Tess Amorim, Selma Egrei, Eucir de Souza, Naruna Costa, entre otros. Drama brasileño de temática gay adolescente, sobre un joven ciego que lucha en el colegio contra el acoso de los compañeros, al tiempo que busca hacerse un lugar en una sociedad que discapacita. La historia es una en la que muchas personas pueden sentirse identificadas, gracias al gran trabajo de los actores y a una dirección discreta, que se antoja independiente, concisa en su premisa aleccionadora, sin caer en sentimentalismo barato, ágil en su planteamiento, y en una buena estructura en que la trama no decae, sea interesante, llama a la reflexión como todo en la vida, y tiene un final muy hermoso, pues el amor siempre gana. La película es bien intencionada, no hay gran giro dramático, y no posee escenas impactantes ni fuertes, por lo que puede sentirse algo monotona, pero eso no le impide ser una muy buena película, necesaria para analizar en estos tiempos de cambio social. Del reparto, brilla el trio protagonista: Ghilherme Lobo, Fabio Audi y Tess Amorim, pero sobretodo ellos, Lobo hace un gran trabajo de contención dramática, como un joven ciego que no se siente discapacitado, y por tanto busca la normalidad en una sociedad que segrega.

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Terminando de ver “P2” (2007) de Franck Khalfoun con Rachel Nichols, Wes Bentley, Grace Lynn Kung, Philip Akin, Stephanie Moore, Miranda Edwards, entre otros. Película de terror sobre un psicópata que trabaja de guarda ¿? en un parqueo, y atormenta a una mujer que trabaja en el edificio. La historia es un cuento para Navidad macabro, al estilo del “gato y el ratón” como también una lucha entre el hombre y la mujer. El título de la película proviene de un nivel de parqueo subterráneo en el que se desarrolla la película; y nos da la oportunidad de explorar otro escenario para la supervivencia en una película de terror. El filme llama la atención por tener un lugar tan oscuro y tenebroso como un parqueo como escenario único, un guarda de seguridad psicótico y armado, y una mujer en apariencia indefensa que dará lucha por su vida. Como dato realista, la filmación se llevó a cabo exclusivamente de noche, en un garaje de estacionamiento de Toronto. Técnicamente la película posee diálogo malísimos, pero sobresale en la puesta en escena, con un solo, amplio y claustrofóbico escenario, donde el mal acecha sin rendirse, utilizando todos los trucos posibles para crear terror y tensión. Aunque la historia es predecible, y puede que sea poco original, pues es un filme “survival”, tiene un reparto notable, pues solo 2 personas son las protagonistas: Wes Bentley hace el papel antagonista, que le queda como anillo al dedo, siendo tan atractivo que uno no espera que sea todo un monstruo, así como su progresivo descubrimiento de la locura, está bastante bien trabajado, aunque carece de motivaciones suficientes para llevar lejos su cacería. Sobre él se dijo que hizo la película en momentos en que solo le interesaba ganar dinero para comprarse las drogas, pues era adicto a la cocaína y la heroína; mientras Rachel Nichols hace un buen papel, primero como mujer frágil, a pasar a ser una guerrera fuerte, que tampoco tiene concesiones. Como curiosidad, al final, acompañando a los créditos, hay algunas fotografías de la película, presentadas como si la película hubiera sido una comedia. Puro cinismo en “un nuevo nivel de miedo”

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