Pocos habrían reparado en una cinta jornada si la Academia de Hollywood no la hubiera situado entre sus predilecciones de cara al próximo Óscar al mejor film de habla no inglesa. Theeb, la última joya encontrada a tiempo, es una película de aventuras en el sentido más puro del término, sin ñoñeces, sin diálogos de relleno, sin planificaciones escénicas espectaculares y sin subtramas que despisten al personal. Aquí sólo importa la pugna que se establece entre un niño y el desierto hostil en el que intenta sobrevivir. Parece poco, pero el impacto es considerable. La película no sólo sorprende por su impecable atmósfera (la orografía de sus escenarios convierte la historia en un western rocoso y exótico), sino por su inteligente acercamiento a los instintos humanos. El hombre, su capacidad de resistencia y su habilidad a la hora de hacer daño a propios y a ajenos, convertidos en el epicentro de una experiencia cinematográfica que se queda pegada a la piel. Muy recomendable.

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¡Cuántas historias nos podrían contar nuestras abuelas! ¡Y qué peligro tienen las señores mayores cuando quedan para tomar café, comer pasteles y charlar de sus cosas! Esa escena cotidiana e íntima es precisamente lo que reproduce La once, la crónica de unas amigas ya ancianas que nunca faltan a su reuniones de cotilleos y confidencias. Y, como no podía ser de otra manera, sus testimonios son la mar de interesantes. Maite Alberdi dirige a unas mujeres que son sus actrices, sus amigas y sus cómplices. Todo el metraje respira verdad, nostalgia y familiaridad. La vida de cada una de ellas se cuela en unos diálogos cargados de humor, a veces socarrones, otras sencillamente humanos. Alberdi habla del tiempo, de todo lo que resta invariable y de aquello que el paso de los años se encarga de borrar por ley de vida. Al final de La once, uno tiene la triste sensación de que ese mundo de encuentros y comilonas está a punto de extingirse. Si el cine consiste en capturar la belleza de un instante, no hay duda de que Alberdi logra eternizar lo efímero y refortalecer la fragilidad de las relaciones humanas. Durante 70 minutos, el espectador siente que forma parte de ese grupo de amigas. Y eso, se mire por donde se mire, es un logro propio del mejor cine.

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Quentin Tarantino firma su octava película y el espectador ya sabe qué se va a encontrar antes incluso de que se apaguen las luces del cine: diálogos ingeniosos, violencia exacerbada, citas cinéfilas y sobre todo un recital de las filias y fobias del director más publicitado de la contemporaneidad. Los odiosos ocho es todo eso, pero también mucho más. El creador de Pulp Fiction sabe que con sus anteriores trabajos ha dejado nuestro umbral del dolor y de la sorpresa muy alto, y tal vez por ello su intrincada mente ha decidido contraatacar con una película más retorcida, claustrofóbica y desaforada.

Los odiosos ocho es una ópera plagada de boutards, soliloquios con pompa y pistolas humeantes que sabe a novela negra, a teatro clásico y a western masculino. Tarantino ha llegado a una cima tan alta en el arte de escribir y de hacer cine que es capaz de rellenar casi tres horas de metraje con sinsentidos mayúsculos que, paradójicamente, interesan más con el paso de los escenas, cual maraña putrefacta a la par que irresistible de tensión, frío y sangre. Por todo ello, Los odiosos ocho resulta más genuina y menos comercial que Django desencadenado. Y a la vez, estos malditos bastardos en tiempos de guerra, por su verborrea y testosterona, enlazan directamente con la peripecia inicial de Reservoir Dogs.

Sí, amigos: Tarantino ha vuelto a hacer de las suyas. Le volverán a caer chuzos de punta, sobre todo por lo que respecta a su sufrido y excelente personaje femenino. Pero no hay que olvidar que Tarantino rueda por diversión propia y para entretenimiento de una gran nómina de acólicos: eso explica que el propio director, en calidad de noveno odioso y a modo de narrador omnisciente, se cuele a mitad de película para cargar todavía más un ambiente que ya se antojaba la mar de irrespirable. Nada nuevo bajo el sol, o tal vez por ello todo lo contrario. El tiempo dictará sentencia, pero todo parece indicar que Los odiosos ocho será denostada y querida a partes iguales. Lo nuestro es absoluta rendición. Obra maestra.

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En todos sus cortometrajes, el cineasta Daniel Andrés Sánchez había hecho gala de un estilo amable, arrelado a los buenos sentimientos, a las historias con valores y a los personajes cándidos. Todo ello se amplía en la ópera prima del director, un largometraje financiado vía crowdfunding y rodado en tan sólo 6 días que pude verse en algunas salas comerciales y que ya está disponible en dvd.

Tres días en Pedro Bernardo es una historia de regresos y de cinefilias que tal vez, sólo tal vez, establece lazos autobiográficos con el propio Andrés Sánchez. Nancho Novo protagoniza con mucha convicción la base de esta trama de amistad, amor y paternidad reencontrada; fiel, como no podía ser de otra manera, a las señas costumbristas, nostálgicas y a la postre vitalistas de su firmante.

Pedro Bernardo, el pueblo al que el protagonista vuelve para recibir un particular homenaje de sus convecinos, cumple las funciones de espacio pero también de estado de ánimo: con la ayuda de una banda sonora clásica, da la sensación de que el tiempo y la acción narrativa se ralentiza, como si el protagonista ya no pudiera acogerse a las excusas o a los parapetos de siempre para dilatar más sus cuentas vitales pendientes.

En resumen, Tres días en Pedro Bernardo deja el regusto del cine hecho desde la verdad, con mimo hacia sus personajes y un respeto reverencial hacia el espectador. Le deseamos mucha suerte a Daniel Andrés Sánchez en el futuro.

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In the Crosswind trata uno de los pasajes más desconocidos del siglo pasado: el genocidio soviético que sufrieron más de medio millón de ciudadanos bálticos. Lejos de ser una crónica histórica al uso, la película entiende que la mejor manera de actualizar tal injusticia es apelando a las emociones del espectador. Allá donde otros títulos responden con una sucesión convencional de fechas y eventos, In the Crosswind propone veintiún planos secuencia rodados en blanco y negro, como si la cámara fuera un pintor o un poeta que escudriña las criaturas de su 'tableau vivant'. En paralelo, la voz en off de Erna, una de las víctimas de la purga que promovió Stalin, da cuenta del dolor latente, de las esperanzas contenidas y del largo via crucis que sufrieron las miles de personas que fueron deportadas sin motivo alguno al frío de Siberia. Todo ello configura una propuesta única, sensorial y experimental, capaz de expandir los horizontes del lenguaje cinematográfico con tropos y formas de otras disciplinas artísticas. Un mérito mayor si tenemos en cuenta que se trata de un film levantado por estudiantes de cine recién licenciados en un país que, a pesar de habernos regalado joyas como Klass, The Temptation of St. Tony o Mandarinas, cuenta con una industria más que reducida. Martti Helde consigue aquello que no lograron los libros de historia: que las atrocidades que tuvieron lugar en Estonia, Letonia y Lituania durante los años 40 queden grabadas a fuego en la memoria del espectador. Por su novedoso lenguaje y el aplomo de todo su equipo, In the Crosswind merece ser reconocido como uno de los hallazgos más interesantes de la temporada.

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