Transgresora, inteligente y profunda, "Watchmen" va camino de convertirse en una obra de culto a la que sólo el tiempo situará en su justo lugar (al igual que le ocurrió al cómic, considerado ahora la obra cumbre del género). Su estreno dejó desconcertado a un público que quería ver una película de aventuras y se encontró con todo un catálogo filosófico donde las miserias humanas son mostradas desde la perspectiva de unos superhéroes, con sus mismos deseos y tentaciones. Las escenas de acción y lucha quedan reducidas, en total, a cinco minutos donde se muestra que en el fondo son sólo unos pegahostias, salvo uno (“dios existe y es americano”) cuya mentalidad y capacidad de análisis escapa a la comprensión humana (sólo el hombre más listo del mundo es capaz de adentrarse en su psique). Como entusiastas mamporreros resuelven las situaciones violentas de forma seca y contundente (sin explayarse en el típico ahora le da el bueno y luego el malo y cuando parece que va a ganar uno el otro se recobra, etc, etc…).

Si lo que uno espera es la emoción de persecuciones y luchas, la coreografía de la batalla, ya puede esperar sentado los 163 m. que dura (en la mejorada versión "ultimate cut" son 218 m.) pues estamos ante un film de tramas, de diálogos, en el que las situaciones van explicando la complejidad de sus protagonistas, a los que sitúa en una realidad paralela que acentúa la decadencia de una sociedad condenada a la autodestrucción.

Zack Snyder ha conseguido lo que parecía imposible, mostrar todo el potencial turbador del cómic, dejándonos al finalizar con la misma necesidad de reiniciar su visionado para comprobar lo elaborado del conjunto y lo bien perfilado de cada una de las perspectivas de sus personajes.

Hablar de Ernst Lubitsch (Berlín 1892, Los Angeles, 1947) es hablar de uno de los grandes creadores de la historia del cine. El genio mayor de Ernst Lutbitsch siempre fue reconocido por Billy Wilder, Joseph L. Mankiewicz, Woody Allen y tantos otros. Fue un cineasta tan singular, que la definición de su estilo necesitó una nueva expresión “el toque Lubitsch” por su inimitable modo de hacer reír de la forma más elegante e inteligente. Ernst Lubitsch alcanzó el prestigio de "maestro de cineastas" con títulos como “Una mujer para dos” o la fabulosa “Ninotchka”, pero “To be or not to be” supone la cumbre de su carrera. El ingenioso guión de E. J. Mayer, partiendo de una idea original del propio Lubitsch, permitió al cineasta plasmar la tremenda situación que se estaba viviendo en Europa y crear una divertida crítica sobre la política imperialista de la Alemania nazi, convirtiéndose en una de las 2 grandes comedias sociales sobre el conflicto (la otra fue “El gran dictador” de Charles Chaplin).

La historia tiene su desarrollo en el seno de una compañía teatral que se encuentra en Varsovia durante el verano de 1939. Los actores pretenden representar la obra "Gestapo", claramente antinazi, pero las presiones políticas obligarán a que finalmente se lleve a escena Hamlet. El estallido de la guerra obliga a suspender todas las funciones teatrales, mientras el grupo de actores queda bajo control alemán.

Fue el último trabajo de Carole Lombard, antes de su muerte en accidente de aviación. Junto a Jack Benny, en su mejor papel, y el resto de actores, formaron uno de los repartos de química más contagiosa que ha dado el cine. Curiosamente la crítica de la época no supo valorar su humor negro tachándolo de banal e insensible.

Nota: aconsejo verla en Versión Original Subtitulada pues el doblaje al castellano mató gran parte de la gracia y tono de los diálogos.

Basada en un best seller de Eric Scholsser, “Fast food: el lado oscuro de la comida rápida”, en el que se denuncia este sistema de producción alimentaria, el último trabajo de Richard Linklater (“Antes del amanecer”, “Antes del atardecer”, “Escuela de Rock”…) ahonda en esta crítica usando una narración tranquila, sin tremendismos ni sensacionalismos, pero sin dejar de tocar sus distintos aspectos sociales: el mercado de inmigrantes mexicanos guiados como ganado, la destrucción del tejido y modo de vida de las poblaciones, la demolición de las perspectivas de progreso social de una buena parte de una población juvenil que sólo puede aspirar a sub-empleos, las condiciones laborales de las plantas cárnicas, las mentiras del marketing, el uso de productos tóxicos en la elaboración, el maltrato animal... Bueno, lo que ha todo el mundo se le queda después de su visión es que “las hamburguesas tienen mierda”, pero mierda de vedad (la necesidad de procesar hasta cuatrocientas reses por hora provoca que sea imposible hacerlo en las condiciones necesarias para evitar que el contenido fecal de sus intestinos se mezcle con la carne y la grasa añadida).

Para hilvanar todas estas premisas Linklater construye su historia a partir de tres narraciones cruzadas, no mezcladas, que en su visión general se complementan: un ejecutivo de una exitosa cadena investiga los rumores de filtración de estiércol en la carne de sus hamburguesas, una cajera de un restaurante de la cadena ve despertar su ímpetu revolucionario y decide luchar contra el sistema, y un grupo de desventurados inmigrantes ilegales son llevados por un coyote a trabajar en el matadero.

El resultado es una película entretenida y crítica, con sus buenos momentos, aparte de resultar tremendamente educativa y convincente. Una constante toma de conciencia bañada de imágenes escalofriantes sobre el proceso de producción de la carne.

Alejándose de lo que hubiera podido ser si Jean Claude Carrière (guionista) la hubiera articulado únicamente alrededor de la figura del pintor, o si Milos Forman (guionista y director) se hubiera conformado con el relato documental de los hechos (tras leer, hace ya 50 años, un libro sobre la Inquisición que le hizo concebir la idea inicial), estamos ante una combinación de talentos unidos en una historia que huye del convencionalismo sin descuidar el drama, el debate y la crítica político-social. “Los fantasmas de Goya” toma como referencia dos obras anteriores de Forman: "Amadeus" (1984), en cuanto ambientación y cine biográfico, y “Alguien voló sobre el nido del cuco” (1975), en la exposición crítica, situando su acción en la villa de Madrid del año 1792, donde la Iglesia (la que aún rezuma) se encontraba en la cúspide de su imposición de dogmas y persecución de herejes.

De ningún modo son las intrigas palaciegas o las grandes batallas lo que Forman pretende retratar, sino el aterrador y fanático sentir religioso y populista que en determinados momentos dominan la sociedad. Se podría decir que la película es el desarrollo de su grabado "El sueño de la razón produce monstruos". Ese es el espíritu que recoge esta subestimada película. Al parecer hay quien esperaba un biopic de exaltación al genio, de amoríos con "la Maja" y posicionamiento aventurero ante la invasión francesa. A los que alardean de ese Goya patriotero (por ser pintor de la corte, por su cuadro de los fusilamientos del 2 de Mayo, etc…) habría que recordarles que, al final de su vida, abatido por la decepción, Goya se exilió en Francia.

Donnie Darko es un adolescente "problemático". Vive en un típico barrio residencial de California en época de elecciones. Tiene una especie de amigo imaginario, un siniestro conejo de gran tamaño, que sólo él puede ver, y que en una de sus apariciones le vaticina que el mundo se acabará en pocos días. Así comienza una historia que transcurrirá entre lo fantástico y la comedia más negra y amarga, deambulando por una atmósfera enrarecida y oscura, entre personajes grotescos sumergidos en un ambiente que se intuye perturbador.

Tomando como base el cine de adolescentes de los ochenta (el instituto, los "gallitos" de clase, los marginados, el peculiar profesorado…) construye una extraña fábula que satiriza un mundo rematadamente loco. Estamos ante una crítica social mordaz, al estilo de Solondz en "Happiness", o la algo más edulcorada "American Beauty" de Mendes, contada en forma de psicothriller de terror.

“Donnie Darko” fue uno de los títulos sorpresas del 2.001, una incursión en el género fantástico que reflejó una sabia y crítica mirada sobre los valores que sustentan a la sociedad estadounidense. Un film que merece verse por segunda vez para ir desentrañando el significado de su final a partir de las pistas dadas por el director.

Producido por la compañía de Drew Barrymore (la niña de "ET") supuso el debut de Richard Kelly como director y lanzó al estrellato a su protagonista, Jake Gyllenhaal ("Zodiac", "Brokeback Mountain"…), aunque en el momento de su estreno, por diversas casualidades (sobre todo su coincidencia con el 11 de septiembre), fue un tremendo fracaso de taquilla a pesar de la muy buena recepción de la crítica. Redescubierta cuando salió en video, pasó rápidamente al status de culto, compensando sus costos de producción.

Por desgracia el paso del tiempo no ha confirmado las expectativas que teníamos en su autor.