Encomiable aunque poco logrado esfuerzo por hacer un film de aventuras en España. Las buenas intenciones se diluyen pronto por culpa de un guion excesivamente inconexo entre sus partes en el que ni las historias de amor, ni la de Alatriste con su ahijado, ni la amistad con sus amigos o su enemistad con Malatesta tienen fuerza. A eso se añade el hecho de que Yanes no está dotado especialmente para la acción, por lo que el ritmo del film no es el más acertado para el género elegido. Ni los excelentes trabajos de fotografía, vestuario o música logran aportar la espectacularidad ni el sentido de aventura que se le supone a la historia. El mayor problema viene en el último episodio. En la primera parte de la batalla, la pelea con las picas, es una sucesión de planos de las picas sin el más mínimo sentido y carente de espectáculo por completo. Es de las batallas más ridículas que he visto. No hay más que compararla con una película como Kingdom of Heaven de Ridley Scott, que no me gustó nada, pero que al menos transmitía la espectacularidad necesaria. De eso aquí no hay, solo palitos moviéndose. Sin comentarios. El resto de la escena, la última carga, es un momento que pedía a gritos una emoción de la que carece por completo, en el que para mejorar el asunto incluye un paso de Semana Santa (prescindiendo del magnífico tema compuesto por Baños) que queda ciertamente horroroso. La idea es acertada, por la referencia musical a la muerte y al sacrificio, pero el resultado no funciona en absoluto. Hacía tiempo que no veía una escena en la que la música hiciera tanto daño. No sabía si retorcerme de la risa o llorar ante el desastre. Porque también es justo destacar no solo la valentía del conjunto, sino el buen hacer de esos primeros tres cuartos, abordados con oficio, que no emocionan pero carentes de grandes defectos, luciendo una producción esplendida y dejando el amargo sabor de que cerca estuvo de lograrlo, pero se quedó a medias.

Lo sé. Lo primero que viene a la mente es: se tenía que llamar Future Groundhog Day (El día de la marmota del futuro). Lo que nos ha marcado esa maravillosa película. Pero más allá de la similitud de formato, Edge of Tomorrow ha sido para mí toda una sorpresa inesperada. Lo primero, por su director. No soy fan de Doug Liman, ni siquiera de su Bourne, que me parece bueno pero el más flojo de la saga. Aún menos de sus trabajos posteriores. Pero para esta película de Cruise, Liman ha conseguido un entretenimiento bien construido, mejor ejecutado, moderadamente divertido y que hasta te roba unas pocas sonrisas. No se olvida de ir cediendo protagonismo a la acción para ir elaborando mejor a sus personajes y que el factor emocional y humano vaya haciéndose un importante hueco en el resultado final. Es cierto que gran parte del mérito lo tiene la sorprendente capacidad de síntesis que demuestra al contar la misma acción repetidas veces sin hacerla excesivamente aburrida. Hay un par de momentos que parece que va a caer en la monotonía, pero demuestra una poco usual habilidad para sobreponerse a este problema y hacer que progrese con fluidez. Hace que me olvide incluso de lo descabellado del argumento o de sus posibles incoherencias argumentales, incluido ese sospechoso final o la larga escena de acción que la precede. Todo lo demás acompaña a la perfección. Espectaculares efectos especiales, buenas interpretaciones y un equipo técnico competente. En un año en el que hemos visto cine de entretenimiento más que aceptable (X-Men Days of Future Past, How to Train Your Dragon 2 o sobre todo Dawn of the Planet of the Apes), Edge of Tomorrow no llega a alcanzarlas pero da guerra. Yo lo agradezco. Aun así, y a pesar de mi simpatía, dudo que aguante bien el paso de los años.

En la línea de sus magistrales Accidente sin huella, Una mujer Infiel y El Carnicero, Chabrol cierra un ciclo extraordinario que marca un hito en la especialmente fértil cinematografía francesa de la época y en particular del director. En ese estudio incómodo sobre las partes más oscuras del ser humano que realiza en estas cuatro obras, Al Anochecer se centra en la culpa. De forma detallada y compleja, Chabrol va diseccionando la vida y entorno de un hombre consumido progresivamente por el remordimiento y la convicción de poseer una naturaleza esencialmente mala. Tanto el proceso interno del protagonista, como su relación tanto con su esposa como con su mejor amigo, están contadas de forma extraordinarias y sorprendentemente emotiva. La forma fría con las que rodaba Chabrol no puede ocultar la emoción que desprenden esas tres historias. La profunda descripción psicológica que realiza la coloca muy por encima de la trama criminal que sirve de base a la historia, que al final termina siendo lo que menos importa. Chabrol sabe crear una densa atmosfera para el relato, con pocos elementos, casi sin darnos cuenta, sacando mucho partido de unas conversaciones muy bien escritas y unas interpretaciones excelentes de Audran, Bouquet y Attal. Pocas veces he visto un análisis tan lúcido sobre la culpa. Por supuesto, no podía faltar su ataque a la clase burguesa y sus estratagemas para no perder su posición social. Pero no es lo que me queda grabado después de ver está película asombrosa. Es el hábil y conmovedor retrato de un hombre dividido por un brutal dilema moral y la ambigua relación que su amigo y esposa mantienen con él, entre interesada y sincera, lo que difícilmente podré olvidar.

The Last Airbender es posiblemente la película más decepcionante de este año para mí. Desde las primeras noticias que tuve sobre la intención del director de hacer una fantasía épica de grandes dimensiones pensé que no era el proyecto ideal para un director con su sensibilidad para lo ordinario y lo íntimo. Pero con un autor tan personal, capaz de dar la vuelta a géneros muy establecidos, con esa singular habilidad para contarlos desde dentro, y sobre todo un talento extraordinario para la puesta en escena, hacían no perder del todo la esperanza. Pero no hay rastro de la personalidad de Shyamalan en este entretenimiento que podía haberlo realizado cualquier otro director del montón y a los que ya estamos acostumbrados. Hay un intento de lograr dos personajes con cierto interés, el príncipe desterrado y su tío, pero están tan pobremente descritos en el guion que casi pasan desapercibidos. El resto de los personajes simplemente existen por inercia, lo que es una pena porque casi todos tenían potencial de haber tenido un buen guion detrás. Todos están tan desaprovechados que sin duda componen uno de los peores guiones del año, a lo que se suma una labor de actores muy pobre en general. Pero la diferencia con otros guiones con altibajos (que no malos) del director, como La Joven del agua (Lady in the Water, 2006) o El Incidente (The Happening, 2008), es que Shyamalan no aporta nada a una dirección de una exasperante corrección: no hay ritmo, carece de sutilezas, no emociona, no hay intensidad ni atmósfera en lo que cuenta ni sugiere como antaño hiciera de forma magistral en todos sus trabajos y el film se resiente de todo eso, en especial de ese anticlimático final que empeora aún más la sensación negativa del conjunto. Eso sí, los efectos especiales son excelentes, salvo algún pequeño detalle, como era de esperarse de una superproducción de este tipo. Y en medio de la decepción general se erige con un talento fuera de lo común la banda sonora de James Newton Howard, que sí está a la altura del resto de sus colaboraciones con Shyamalan y nos regala un trabajo elaborado, complejo, a ratos hermoso a ratos vibrante, que desprende profesionalidad por los cuatro costados y que aporta la emoción que le falta al conjunto, como en esa escena final (Flow the Water), a la que aporta todo lo que le falta. Un genial destello de talento dentro de un film que brilla por su ausencia. Espero que Shyamalan vuelva a su terreno, porque con un buen guion y sin la desgana aquí apreciada, se convierte en uno de los directores con mayor interés del panorama americano. Pero en este caso, se encuentra como pez fuera del agua.

Apasionante drama histórico que vuelve a dar un giro en la brillante carrera de Amenabar, que sorprende con cada nuevo proyecto y que consigue con Ágora uno de sus mayores logros profesionales. En primer lugar porque tanto él como Mateo Gil logran un guion que es, junto a Mar Adentro, su mejor trabajo hasta la fecha, con personajes complejos y perfectamente definidos que no se limitan solo al hipnótico personaje de Hipátia, que deja claro su postura (de absoluta actualidad) con respecto a los extremismos religiosos y con un notable gusto por lo íntimo y los dilemas éticos. Los personajes ganan en dimensión gracias a un reparto magnífico, con una maravillosa Rachel Weisz presidiéndolo en una de sus mejores interpretaciones para el personaje de Hipátia, un auténtico regalo para cualquier actor. Pero la atención vuelve a acapararla Amenabar pues, una vez más, realiza un trabajo tras la cámara ejemplar, algo que viene demostrando desde su misma ópera prima, desenvolviéndose con idéntica habilidad en lo grande y en lo pequeño, y que se vale de recursos visuales tan interesantes en su planteamiento como bien utilizados, como esas tomas espaciales tan significativas, sus juegos de círculos y elipses o esa terrible asociación de las hormigas y los parabolanos. Aunque opta por un ritmo pausado, la trama, personajes e imágenes te mantienen atrapado de principio a fin. Una obra inteligente, sensible y hermosa que el tiempo dará una posición privilegiada en el cine español de las últimas décadas y sin duda uno de las mejores películas del año.