Parece mentira que con un material tan aprovechable en estos tiempos que corren como el que posibilita el concepto del cómic de El Juez Dredd se haya realizado una película tan abominable.

Y es que el futuro apocalíptico caótico -cada vez menos futuro y más presente por desgracia- donde transcurre la acción, una sociedad corrompida y decadente donde sólo un equipo de jueces/policía fascistas y carente de contraste colectivo a la hora administran la justicia arbitrariamente, no deja de ser un tema de candente actualidad: esto es, el abuso de poder por parte de la autoridad unido, por otro lado, al preocupante estado de las cosas que produce delitos cada vez de forma más continua y desmesurada, lo que provoca un peligroso auge del fascismo inconsciente entre los miembros de la sociedad.

Pues bien, todo este polémico planteamiento que daría para una película inteligente queda en lo más burdo. Un guión absolutamente inexistente, memo, que parece más el de una fase de videojuego de dos jugadores pegando tiros encerrados en un edificio.

Ningún planteamiento ocurrente, ninguna pregunta al aire, ninguna forma de empatizar con unos personajes planos, sin alma, que nos dan completamente igual. Todo eso es lo que trascurre ante nuestros ojos en noventa minutos interminables.

Y ya si hablamos visualmente, el patinazo es de órdago: la más desfasada estética colorista histriónica mezclada con rancias bases electrónicas post-noventeras añadiendo pinceladas hi-tec como el uso absurdo y "porque sí" de la cámara superlenta.

Otra oportunidad tirada a la basura de hacer buen cine basado en cómic.

Una de las cosas que más aprecio en la vida es ir desarrollando las capacidades emocionales e intelectuales a la hora de valorar el arte. En concreto, la sencillez -lo más alejado de la simpleza- es un valor al alza cuando una va adquiriendo experiencias como espectador.

El verano de Coo acierta en eso: es una película sencilla que bajo un envoltorio presuntamente amable e infantil es capaz de aportar trazos de crudeza, crueldad, crítica al humano moderno y sensibilidad certeros y que consiguen calor hondo. Ese es su mayor acierto, lograr emocionar valientemente partiendo de la típica historia del extraño, del apartado en busca de un lugar que le permita adaptarse.

En ese sentido entroncaría con clásicos como E.T. El Extraterrestre o King Kong, y paralelo a este intento de encontrar un lugar en el mundo, está el de buscar las raíces, los orígenes que permitan comprender el rol de adaptación. En este otro sentido se asociaría curiosamente con otro verano de mi predilectos: El verano de Kikujiro, hermosa película de Takeshi Kitano, en la búsqueda de los ancestros apoyada en un compañero de fatigas sobre el que cargar los vacíos.

Técnicamente el dibujo y la animación resultan mejorables e impiden una mayor implicación del receptor a mi juicio, si bien la banda sonora es inapelable y completa con meridiana efectividad las escenas más intensas inteligentemente estructuradas a lo largo del film.

Otra handicap que impide mi rendición total a sus virtudes es el hecho de que en ocasiones tiene visos de parecer una serie capitulada más que una película en sí misma, lastrada en parte también por su excesiva duración que sobrepasa los 140 minutos. El epílogo me sobra por completo y haber terminado justo en la escena anterior hubiera dotado a la cinta de un final más evocador, imaginable y sentido.

Antes que nada, señalar que me dispongo a escribir la crítica justo tras ver la película, sin verme influido en absoluto por cualquier texto al respecto sobre ella. Considero que este es un hecho fundamental a tener en cuenta ante un film que se presta tanto a las interpretaciones propias, cosa por otro lado siempre fascinante.

Holy Motors pudiera parecer una película perturbadora, experimental, inquietante o desconcertante, pero eso sería quedarse en la vacuidad de los adjetivos. Holy Motors es mucho más, es una poderosa metáfora que cobra todo su sentido al darse por concluida. Hablaría de una doble metáfora:

La metáfora real: cómo ansiamos constantemente día a día en nuestra vida encontrar otras posibilidades de ser y de actuar, de vivir otras vidas, vaya, por quiméricas, antagónicas o dolientes que fueran para nosotros. Esa es la forma en que ficción y realidad se funden. El deseo, el anhelo por ser otro frente a la obviedad demoledora de ser siempre el mismo.

La metáfora metalingüística: Y ahí es donde radica el concepto del cine dentro del cine. Carax emplea el cine para hablarnos del propio cine, de un hipotético cine no tan alejado de la cruel realidad decadente. retrata un ácido futuro incierto donde la precariedad a la que llevan las instituciones, gobiernos y público en cierta forma, pero con menor responsabilidad, convierten el cine en un carrusel delirante donde los recursos y el alma del séptimo arte se han desvanecido para convertirse en el retrato tremendista en que lo convierte Holy Motors.

The Square no termina de funcionar en su unidad, pero sí lo hace como una sucesión de sketches que radiografían la enfermedad intrínseca de un estrato social muy concreto. Una suerte de "comedia" disfuncional deslucida por su repliegue final.