No parece casualidad el momento en que Sarah Gavron, que se dio a conocer para el gran público con su anterior trabajo Sufragistas, ha lanzado su último largometraje: Rocks. Y es que si por algo ha estado pasando el Reino Unido en estos últimos cuatro años es por una extraña y autoinfligida crisis de identidad. El país se mueve actualmente entre unos deseos y ambiciones identitarios movidos fundamentalmente por la población blanca (o al menos de una parte de ella) y una realidad muchísimo más compleja a nivel social y cultural. Y es justamente en ese fértil terreno donde la directora pone la mirada: en un Londres en el que jóvenes de todos los orígenes entremezclan sus vidas en centros educativos. Lo hace con un equipo eminentemente femenino tanto frente como detrás de las cámaras.

Rocks pone el objetivo en la vida de una joven y su hermano pequeño, hijos de una emigrante nigeriana y de padre jamaicano que ya falleció años atrás. Esa joven, cuyo apodo es Rocks, es la fuerza motora del film cuando su madre abandona el hogar para no volver y les deja solos con poco menos que dinero para las compras de una semana y nada más. Es en ese momento cuando, empujada por el miedo a que los servicios sociales puedan separarla de su hermano, Rocks comienza una huida hacia delante en que lo intentará todo para evitar ese destino. No estarán solos en esta aventura, ya que el grupo de amigas del colegio de Rocks tendrán tanto de manera individual como colectiva un fuerte peso en el desarrollo de la trama.

Aunque escuchando el argumento pueda parecer que lo que se nos viene por delante es un drama puro y duro, lo cierto es que Rocks brilla precisamente por saber retratar simultáneamente las alegrías y las penas de todas las chicas que rodean a Rocks en este camino. Rivalidades, alianzas, el yo digital, las dudas… todo esto queda retratado por la cámara de Gavron con una fluidez envidiable y que evita el tono tremendista que suele reinar en las películas del gran director de lo social británico: Ken Loach. No quiero entrar en comparaciones, pero cuesta pensar que este director hubiese sido capaz de esta aproximación al universo femenino tan fidedigna. Y es que, si de algo nos estamos dando cuenta en estos últimos años, es que es necesaria una mayor cantidad de mujeres en el mundo audiovisual para poder realizar aproximaciones sinceras al universo femenino.

Un reparto coral estupendo, unas interpretaciones que exudan madurez y vulnerabilidad y un Londres multicultural y alejado de la postal que le gustaría ver a Boris Johnson son las armas que hacen de Rocks una película alejada de tópicos y que la convierten en un viaje duro, sí, pero también disfrutable gracias al ejercicio radical de empatía que nos propone Sarah Gavron.

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Parece mentira que estemos a punto de dejar 2020, supongo que para todos los que me leéis habrá sido como mínimo uno de los años más raros de vuestras vidas. En lo cinematográfico también ha sido un año irregular, marcado fuertemente por la ausencia de grandes estrenos por parte de las majors o por situaciones dantescas como la que se vivió con el estreno de la nueva Mulan. Pero no todo han sido malas noticias en lo que respecta al cine, este año han brillado con especial fuerza las propuestas del cine de autor mundial y, precisamente esa ausencia de grandes estrenos, ha permitido que vivamos como grandes acontecimientos incluso el estreno en salas de un corto de Almodóvar. Y en una tesitura parecida se ha visto Corpus Christi, una película polaca que probablemente en otra temporada hubiese tenido que vérselas con grandes estrenos pero a la que esta temporada más tranquila le ha permitido brillar y, seguramente, llegar a más espectadores.

Y precisamente que Corpus Christi nos llegue desde un país como Polonia es un dato que influye y mucho en la percepción de la película. Por si no estáis mucho al día con la situación del país, ahora mismo está gobernado por la ultraderecha católica que ha intentado (de momento sin éxito) sacar adelante una de las leyes antiaborto más restrictivas de occidente. La Iglesia manda mucho en el país y eso ha sido así desde hace décadas. Para los que no estéis familiarizados con la trama, Corpus Christi nos cuenta la historia de Daniel, un chaval de 20 años bastante perdido en la vida que vive en un centro de detención de menores en el que experimenta una transformación espiritual. Un día, es enviado a un pueblo cercano a trabajar como carpintero y allí se hace pasar por sacerdote.

Lo que se podría haber quedado como una película paródica y poco más en la línea de, por poner un ejemplo un poco desbocado, Sister Act, aquí adquiere tonos más oscuros cuando la trama de un accidente de coche entre uno de los vecinos adultos del pueblo y seis chavales acabó con la muerte de los siete. Las tres fuerzas motoras del film son la historia de redención (o no) de Daniel, la investigación sobre el accidente y el desarrollo de una creciente tensión sexual entre él y la hija de la asistenta de la parroquia. Cabe destacar que cuesta imaginarse a esta película funcionando del modo que lo hace sin la fascinante interpretación de Bartosz Bielenia que despliega una acertada mezcla de descaro, ternura y nervio para dar vida a un Daniel que no dejamos de creernos ni un solo instante pese a lo estrambótico de su personalidad. Otro de los puntos fuertes de Corpus Christi es su excelente fotografía. Planos inundados de tonalidades azules y brumosas, haciendo que la gran mayoría de los planos de interiores parezcan un sueño.

No deja de ser irónico que la manera en que Corpus Christi mejor desmonta la hipocresía de la religión católica es haciendo que Daniel, a priori un personaje de lo más alejado de una figura religiosa dogmática, encarne con fervor valores a los que el mismísimo Jesús daría su visto bueno. ¿Y quién se queda al otro lado entonces? Una institución que ha sido incapaz de adaptarse a la modernidad y dar un carpetazo a sus instintos más retrógrados e intolerantes. Esa contradicción constante queda expuesta con claridad cristalina a lo largo del metraje. Corpus Christi se erige como una película sorprendente en su desarrollo y que no deja de dar motivos para seguir a Daniel en su particular camino de redención (o no).

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En los últimos años, hemos asistido al crecimiento exponencial de las propuestas audiovisuales no solo centradas en personajes LGTBIQ+, sino también películas y series en que hay personajes LGTBIQ+ creíbles y que no se limitan a ser el diversity token de turno. Si nos centramos en el colectivo trans, me vienen a la mente películas tan potentes como Tangerine o la serie de HBO Euphoria que ha sido uno de los éxitos más rotundos de la temporada pasada. Aún queda camino por andar, pero la representación del colectivo tiene una importancia profunda para normalizar a las hombres y mujeres trans del mundo así como acercar al resto de la población a sus desafíos, miedos y esperanzas. El cine, como herramienta sublime de empatía, parece el medio ideal para sumergir al público en sus historias.

Si lo que digo aquí arriba ha sido música para vuestros oídos, Lingua Franca de Isabel Sandoval son dos tazas de empatía. La directora nos cuenta la historia de Olivia, una inmigrante trans filipina en la América de Trump. La acción se sitúa en la comunidad neoyorquina de Brighton Beach, que tiene la particularidad de que acoge mayoritariamente a ciudadanos de origen ruso. El trabajo que Olivia desempeña es el de cuidar a una anciana rusa. Es así como conoce a su nieto, Alex, que sacudirá su pacífica existencia.

La elección de una protagonista filipina tiene poco de casual en ‘Lingua Franca’. Por todos es sabido que desde la llegada al poder de Duterte, Filipinas y todas las herramientas del estado han pasado a estar en una guerra abierta contra todas las minorías del país. La huída de Olivia es triple: primero huyendo de su pasado, después huyendo de su país y ahora huyendo de las autoridades migratorias (ICE) de Estados Unidos. Olivia es un personaje en una constante fuga que recuerda a otras mujeres de clase obrera como la brillantemente construida Wanda de Barbara Loden.

El desarrollo de la película tiene sus altibajos y, tal vez motivada por las propias contradicciones de los personajes, es por momentos algo inconsistente. Nada demasiado pronunciado que un personaje del calibre de Olivia no pueda salvar. Resilencia pura y vulnerabilidad en contados momentos son las herramientas con que Isabel Sandoval crea un personaje trans alejada de tópicos y que decide tomar las riendas de su propia vida hasta niveles insospechados. Esa independencia y esas ganas de luchar por sí misma quedan especialmente subrayadas por un final (que no os voy a spoilear) que separa a Lingua Franca de cualquier intento de ser una feel good movie.

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Las incursiones en el cine de político de Varda no son su seña principal de identidad y, sin embargo, este mediometraje documental demuestra que no le temblaba la mano a la hora de recoger una realidad tan dura como la del racismo en Estados Unidos. Insertándose de lleno en la atmósfera de este grupo político en Oakland, momento en el que Demy y ella vivían en California, Black Panthers es un pedazo de historia que, visto a día de hoy, sigue impactando por lo vigente que sigue el discurso de todos estos ciudadanos afroamericanos. Varda no se pierde en medio de la maraña de historias y logra imprimir su sello personal en el metraje. Posando su cámara sobre pequeños detalles, fijándose en cosas que seguramente otros pasarían por alto. Ver a la mismísima Angela Davis explicando a la cámara que todas las mujeres del movimiento llevaban el pelo afro porque formaba parte del proceso en que se habían reeducado y que ahora sabían que “lo negro es bello” (black is beautiful) ya merece todo su visionado.

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The Times Of Harvey Milk comienza con la lectura de una carta por parte del propio Milk en la que, meses antes de su asesinato, anticipaba que éste era una posibilidad. De esta manera tan contundente inicia Epstein la andadura que nos lleva desde la infancia del político americano hasta su asesinato a manos del concejal conservador Dan White. Y de paso, Epstein nos habla del surgimiento del movimiento por los derechos de gays y lesbianas en San Francisco, de cómo tomó forma el barrio de Castro en San Francisco como centro neurálgico de la vida gay en los Estados Unidos y de la unión de todo un colectivo para conquistar derechos básicos que les estaban siendo negados de manera sistemática. El interés de The Times Of Harvey Milk consigue ir más allá de su magnético e histórico protagonista, ya que es un documental que consigue reflejar el cambio social y la conquista de un espacio propio para el colectivo LGTB de San Francisco que, como ya todos sabemos a día de hoy, sería la avanzadilla para leyes que han equiparado a los ciudadanos LGTB con el resto en todo el país.

El arsenal que emplea Epstein es el típico de películas documentales sobre grandes figuras: una mezcla de material de archivo y entrevistas con personas relacionadas con Milk y con el momento histórico. El cine americano siempre ha tenido una querencia especial por las historias de hombres hechos a sí mismos y Harvey Milk fue uno que, además, utilizó su popularidad para luchar por causas justas. Es por ello que este documental documenta en detalle su ascenso de activista local con una tienda de vídeo a uno de los políticos más queridos de la historia estadounidense pese a su trágicamente corta carrera. Uno de los grandes aciertos del documental es alejarse de lo escabroso para centrarse en unas intervenciones públicas brillantes, en una personalidad arrolladora y que todos sus aliados no dudan en mencionar que, pese a su genio, era un tipo carismático y que desbordaba humanidad. Son precisamente esos aliados y personas relacionadas con Milk las que consiguen dar dimensión al relato y enmarcar la historia de Milk en la historia de San Francisco. Duele ver a personas destrozadas por el fatal destino que corrió Milk pero, a la vez, es inevitable no sentir orgullo de esos hombres y mujeres que lucharon por unos derechos que hoy la sociedad entera disfruta.

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