Sin ser propiamente el creador del giallo, Dario Argento fue la punta de lanza de la modernización y popularización del género, entrando en una época dorada donde películas como El pájaro de las plumas de Cristal (1970) dieron el pistoletazo de salida a una nueva época que vendría repleta de grandes títulos como Profondo Rosso (1975) o Suspiria (1977)

Tras presenciar el brutal asesinato de su vecina y médium, un pianista y compositor inglés residente en Italia queda absolutamente obsesionado por descubrir quién es el responsable, lo que él no sabe es que cuanto más se acerque al asesino más grande será el charco de sangre que encuentre a su paso.

No son pocos los que se debaten entre este trabajo y Suspiria como sus obras predilectas del director italiano, pero lo que sin duda es palpable es la forma en que se modernizó el género con la llegada de esta obra, y aunque por supuesto seguía aportando todo aquello que nos gusta en el conocido subgénero, como sorprendentes ejecuciones ya sean en forma de asesinato o accidentales, una historia de intriga que no para de avanzar, en este caso, bastante más factible y depurada de lo que solía ser habitual en Dario Argento, haciendo de esta forma también que la película sea mucho más redonda. La gran variedad de planos que aportan amplitud y dejan desprotegido al protagonista en una ciudad que parece extraña para él, o los reconocidos planos subjetivos desde las propias carnes del asesino. Pero también la banda sonora de Giorgio Gaslini & Goblin no tan discordante como suele ser habitual en el giallo sino mucho más participativa o incluso intrusiva tratando de acelerar las escenas o dando ímpetu a los asesinatos y a la investigación, no se puede decir precisamente que sea una banda sonora que pase desapercibida, es un personaje más, tanto es así que incluso una misma pieza se detiene y arranca a merced de lo que va viviendo en el film el protagonista. Por otro lado, Dario Argento y Bernardino Zapponi sorprendentemente menciona el feminismo, casi dan lecciones de diversidad sexual y empoderan a la mujer dentro del género con mucho más protagonismo del que suele ser habitual, obvia el erotismo e incluso la paleta de colores deja respirar un poco al espectador. Como podéis ver, una reinterpretación muy personal de lo que el propio director venía haciendo, no es de justicia, no reconocer lo avanzada que fue la película en plenos setenta, respecto a lo que se podía ver en el cine.

Si es cierto que sigue sobrevolando en el ambiente la figura del maniaco tan característica de estas obras, y en este caso encontramos la propia voz del asesino en varias ocasiones, lo cual no deja de ser como poco curioso una vez sabemos quién es el responsable. Volviendo al protagonista, David Hemmings y en relación con lo que mencionaba anteriormente, resulta singular el abandono por parte de la policía que encuentra a la hora de investigar los asesinatos y la incomodidad con elementos tan hostiles e italianos a la vez en clave de humor que los guionistas habían preparado para el foráneo, como un vehículo clásico estropeado o una cafetera que exhala vapor apoderándose de todo lo que rodea al protagonista mientras trata de esclarecer el caso.

La obra cuenta con multitud de detalles que se aprecian al detalle con el revisionado de la cinta, está cargada de elementos, que parecen casuales en un primer vistazo, pero que revisado en profundidad no solo tienen una razón de ser para la historia, sino son una firma propia del director, escenas como el plano detalle de la gota de sudor en la sien del protagonista más cercana al western que tanto gusta y tanto ha escrito Dario Aergento que al giallo que le caracteriza, o el remate final para desentrañar la identidad del maniaco asesino en el pasillo con el juego del espejo y los cuadros de gran valor imaginativo que incluso hoy sigue funcionando a la perfección.

Como le ocurrió a tantas otras películas de la época, no tuvo el golpe de efecto esperado en su momento de estreno, pero unas cuantas décadas después, aquí estamos, hablando de una obra que se ha convertido en objeto de culto para fans, entendidos y amantes del terror italiano de asesinos en serie.

https://www.terrorweekend.com/2024/03/profondo-rosso-review.html

Aunque no se puede negar su carrera ascendente dentro de las producciones del terror, lo cierto es que los grandes pelotazos de la productora BlumHouse siempre han sido dentro de las franquicias cinematográficas, primero con la irregular saga Paranormal Activity, luego con la violenta y política The Purge y hace nada ha vuelto a reverdecer los laureles de Insidious.

Imaginary tiene aire a búsqueda de franquicia… ¿Lo conseguirá?

Tras muchos años viviendo fuera, Jessica regresa a su casa familiar junto con su novio Max y las hijas de este, la adolescente Taylor y la niña Alice. Esta es la que, por casualidad, encuentra un adorable oso de peluche al que llama Chauncey, con el que pasará todos los días e iniciará una “caza del tesoro”.

No pasará mucho tiempo hasta que Jessica descubra que Chauncey puede ser un oso de peluche y el mejor amigo de Alice, pero también oculta una oscura leyenda con muchos años y terror a sus espaldas.

Ha llegado el momento de la batalla… ¿Contra un adorable osito?

Mejor empezar por el elemento más débil de esta nueva propuesta: la fórmula BlumHouse (casa, pocos escenarios, personajes y localizaciones) a veces acota demasiado las historias y aunque Imaginary es capaz de desenvolverse con lo que tiene, de nuevo es una trama con dos adultos y dos niños, lo mismo que encontramos en la reciente La Piscina o posiblemente la mayor referencia para esta película: Sinister. Es cierto que hay búsqueda de sustos que se sientan novedosos, el giro que pega la historia en su último tercio está muy bien construido e incluso alguna set piece resulta francamente inspirada por parte de los cuatro guionistas - Greg Erb, Jason Oremland, Jeff Wadlow, Bryqce McGuire – habiendo trabajados los dos primeros en películas infantiles y siendo el último una incorporación al universo BH gracias a su ópera prima La Piscina… pero asimismo queda la sensación de estar en la punta del iceberg de una historia mucho mayor y repleta de posibilidades, desaprovechada por cerrar el foco alrededor de un mal que, como se ha dicho antes, remite demasiado al Sinister de Scott Derrickson.

Aunque el director Jeff Wadlow no es Scott Derrickson ni consigue los ambientes enfermizos de este, lo cierto es que Imaginary es su película más conseguida hasta la fecha, no solo a nivel de dirección sino también a nivel interpretativo, ya que el dueto DeWanda Wise como la dibujante y la jovencísima Pyper Braum interpretando a la hijastra, logra interesar y crea empatía en el espectador respecto a lo que está ocurriendo; el secundario adolescente Matthew Sato hubiera necesitado mayor desarrollo gracias a su frescura mientras da pena que la clásica Becky Buckley aparezca tan poco teniendo una presencia tan potente. La voz de Chauncey está interpretada por Dane DiLiegro y resulta más que acertada.

Imaginary queda como una película entretenida con un background interesante si sus creadores, o los que tomen el relevo, saben desarrollar el lore y crear tramas que tengan interés por sí mismas. Si BlumHouse ya lo consiguió con una piedra de película como la primera Paranormal Activity, fijo que será capaz de hacerlo con este universo de amigos imaginarios.

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"Ay de aquella que el sendero deja.
No os fieis de ningún forastero
si queréis elegir vuestro derrotero.
Sed bellas pero sagaces,
Un lobo se esconde tras mil disfraces
Ahora como antes es una verdad evidente
Cuanto más dulce la lengua, más afilado el diente."

Las historias que nos explicaban nuestras abuelas han perdurado a través de los años y son fruto de una ancestral transmisión oral. Pero claro en alguna ocasión había que plasmarlas en papel, sobre todo para dejar un legado que perdurara en el tiempo. La Caperucita Roja se publicó en 1697 en un volumen de cuentos para niños titulado Cuentos de Antaño por Charles Perrault que, por decirlo de alguna manera y con el máximo respeto, era el rival de los Hermanos Grimm. En Compañía de Lobos se basa libremente en ese cuento con un Neil Jodan sobrado de fantasía y que no se olvida de enfatizar la moraleja que aparece en el original que no es otra que prevenir a las niñas de los encuentros con desconocidos. Han pasado más de trescientos años y esa máxima resta vigente. No todos los lobos aúllan y van a cuatro patas.

Rosaleen es una muchacha que vive al lado de un frondoso bosque. Al quedarse dormida tiene un inquietante sueño en el que los lobos merodean por el bosque secuestrando a su hermana mayor. De repente se ve viviendo en una época pasada, siendo sus padres unos humildes campesinos.

Angela Carter es la coautora del guion. En él, aparte del cuento central, nos va explicando diferentes historias de hombres lobo que aparecen en su libro La Cámara Sangrienta, a cual más perturbador y terrorífico. El director irlandés Neil Jordan los hace suyos añadiendo ese plus de fantasía, con bastante humor negro por cierto, que hace de esta obra una mezcla entre el fantástico y el terror terriblemente divertida valga la redundancia.

Al estar compuesta de diferentes relatos los hay para todos los gustos, sobresaliendo de entre todos ellos y según mi opinión el de la metamorfosis de los invitados a una boda. Sencillamente magistral, con algún que otro mensaje escondido como en cada uno de ellos.

Cinematográficamente hablando destacar el gran ritmo de la producción que unido a sus escasos noventa y cinco minutos de duración, hacen que se te pase volando. Tenemos que destacar también los excelentes efectos especiales a cargo de Dave Crownshaw, que sin ser excesivamente novedosos cumplen perfectamente su misión.

¿Qué decir de Neil Jordan? En Compañía de Lobos es su segunda obra como director dando ya muestras de su particular manera de hacer cine. Del resto de su obra destacaríamos, por meterse de lleno en el género, Entrevista con el Vampiro (Interview with the Vampire: The Vampire Chronicles, 1994).

En las interpretaciones destacar la aparición de Angela Lansbury (serie de TV Se ha Escrito un Crimen) como la inefable abuela que no puede faltar en toda obra basada en La Caperucita Roja. El resto están correctos pero no quería dejar pasar la oportunidad de nombrar a uno de los grandes aunque en una pequeñísima performance: Terence Stamp (Toby Dammit, Last Night in Soho), en el papel de un elegante Diablo.

Vamos terminando que los lobos están al acecho. En Compañía de Lobos es una película que todo hombre de bien tendría que ver al menos una vez en su vida. Lo que explica sigue estando plenamente vigente. Imprescindible.

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“Otra de zombies” sería una manera muy fácil de empezar a escribir sobre We Are Zombies. Tratándose del trío que forman RKSS (Roadkill Superstars) la cosa va tomando tintes de despiporre y diversión. Ya tenemos otra premisa más, estamos hablando de una zomedia con todas sus letras. A los amantes del subgénero de los no vivos en la variante más terrorífica, esto les puede echar algo para atrás aunque les recomendamos que se esperen al final. A los que buscan pasárselo bien, con zombies o sin ellos, We Are Zombies es una oportunidad para pasar un buen rato con alguna que otra carcajada. No voy a disertar si el tipo de humor sea más o menos adecuado, esto ya es cuestión de cada uno.

La historia, en principio, se aparta bastante de lo que estamos acostumbrados a ver en un film de este tipo. Como queriendo contentar a todo el mundo, al final todo vuelve a su cauce y los monstruitos vuelven a hacer de las suyas, como tiene que ser.

Estamos en una ciudad infestada de zombies no caníbales, pacíficos o como los queráis llamar. Tres espabilados suplantan a una empresa que se dedica al retiro de esos ciudadanos que vagan entre la vida y la muerte, vendiendo sus cuerpos a una oscura organización plena de codicia. Al final todo consiste en salvar a su abuela secuestrada.

Otra locura de los RKSS que ya nos deleitaron con sus productos ochenteros, con los cuales adquirieron una gran fama que arrastró a un público ávido de historias sencillas que solo perseguían la diversión. Estoy hablando del bombazo Turbo Kid (2015) en su estreno en el largometraje, Summer of 84 (2018) quizás la más madura de todas sus producciones hasta ahora y Wake Up (2023) rodada el mismo año que We Are Zombies.

¿Qué hace diferente a esta última al resto de sus obras? Pues que, sin apartarse demasiado de ese mundo creado por ellos, vemos una obra que a diferencia de Wake Up, está muy elaborada. Es como si hubieran alcanzado con esta cinta una velocidad de crucero que cuenta con un guion muy elaborado, con sus bromas más o menos graciosas, y una realización muy profesional con unos efectos especiales de altura, sin nada que envidiar a producciones equivalentes y, creemos, con más presupuesto. Van abandonando ese toque amateur que vosotros me diréis que os encanta, pero ya no se trata solo de eso. Da la impresión de que We Are Zombies sea su última incursión en ese special world que crearon en sus inicios. Han pasado casi diez años, puede que sea el momento de poner una marcha más. Que conste que solo estoy dando mi opinión, la realidad puede que sea otra.

En las interpretaciones nos topamos con un gran trío. Empezamos por la televisiva Megan Peta Hill que interpreta a Maggie, la fémina que intenta poner algo de cordura. Seguimos con Derek Johns (The Sacrifice Game) que da vida a Freddy Mercks y acabamos con Alexandre Nachi en el papel de Karl.

We Are Zombies es una película para pasar un gran rato. No busquéis mucho más, tampoco creo que haga falta. Diversión con zombies como pretexto.

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La carrera del director italiano Dario Argento es dilatada pero convendremos en que su época dorada se condensa de principios de los setenta a finales de los ochenta. Todo lo que el maestro del giallo lanzó en esos años fue obra maestra tras otra. Tenebre (1982) está en un puesto destacado de este peculiar olimpo con una historia a priori sencilla pero con todos los elementos de Argento colocadas por aquí y allá. Historia oscura y turbia, muchas mujeres desnudas, un enigma, auténticas carnicerías y sangre a borbotones.

Peter Neal es un célebre escritor de misterio y terror. En una gira promocional de su último libro en Roma alguien empieza a perpetrar asesinatos recreando los de la novela de Neal. Cuando las muertes empiezan a acercarse al círculo de Peter no tendrá más remedio que descubrir él mismo al causante de tanta muerte.

Es difícil hablar de una película así tantos años después de su lanzamiento. El cine ha cambiado, el cine de terror ha cambiado, los gustos y la percepción del espectador son distintos y la manera de contar historias ha ido variando, y no por ello estoy diciendo que a mejor. Digo todo esto porque para ver una película como Tenebre en nuestros días y saber disfrutarla hay que poner la cabeza en el estado correcto. No la podemos ver con los criterios de una película actual y mucho menos si hablamos de una película clásica giallo. Tiene su propio lenguaje, su estructura y mecanismos, y son unos bastante distintos a lo que impera en nuestros días. El ritmo es mucho más pausado en la mayoría de la cinta, la lógica argumental es tan fina que hay que poner mucho de parte del espectador para que funcione y algunas interpretaciones (y remarco lo de algunas) son directamente amateurs. Y sí, te estoy mirando a ti Christian Borromeo. No obstante si sabemos a lo que estamos jugando Tenebre se torna, pasados unos treinta minutos iniciales bastante duros, en un thriller slasher muy disfrutable y divertido.

Una película que claramente va de menos a más, tanto en ritmo de historia como en el interés que despierta. Las escenas violentas también juegan con este in crescendo hasta llegar a cotas muy pero que muy altas. Otro tema sería lo que comentaba antes, la lógica argumental llega hasta un punto el cual es correcto, para después hacer un extraño tirabuzón y cambiar totalmente las reglas del juego, y con mucho cuidado de no hacer spoilers pero... ¡ahí estaba el argumento correcto! Lo que parece ser un extraño epílogo en esta historia se me torna mucho más interesante como pieza central de la misma y viendo el nulo desarrollo que tiene me parece más un recurso mal aprovechado para terminar la película de cualquier manera. No soy demasiado defensor de los remakes, pero cuando son para profundizar mejor en la historia me pueden llegar a parecer bien, y pienso que Tenebre necesitaría una nueva revisión implementando en la trama y desde el principio esa extraña conclusión que deja a la original irónicamente inacabada.

Protagonizada por Anthony Franciosa (La casa de la muerte, La horrible noche del baile de los muertos) en su única colaboración con Dario Argento, interpreta a Peter Neal de manera solvente hasta el tramo final en el que todo se vuelve extraño incluyendo su interpretación. Por supuesto la presencia de Daria Nicolodi es obligatoria, la auténtica musa del director, quien también fue su pareja y madre de Asia Argento. En el plano técnico hay que destacar la presencia de la banda Goblin que repitieron con el director tras Suspiria (1977), en esta vuelven a traer sus composiciones oscuras y juguetonas en la que destacan sobretodo en las oníricas escenas de flashback.

Tenebre es uno de los máximos exponentes del giallo. Si quieres adentrarte en este subgénero no es una mala opción para empezar. Personalmente pongo por delante a Suspiria y Rojo Oscuro pero Tenebre a su vez me parece mejor que Inferno y Phenomena. Pero preferencias personales aparte tenemos que celebrar la tremenda carrera del señor Argento, que por trabajos como este se convirtió en la leyenda viva que es.

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