Especie de homenaje/masaje/promoción/autobombo/reportaje de la revista Hola perpetrado por el director Orlando Jiménez Leal (al que nadie conoce una obra mínimamente decente), a modo de pseudo-documental, para mayor gloria del cantautor español Julio Iglesias, que entonces ya era más cantante que autor y triunfaba por todo el mundo, con éxitos tales como el propio título de la cinta o con la canción que abre el film "Pregúntale").

El caso es que éste es el segundo (y por suerte, el último) intento del hijo de Papuchi (el inefable ginecólogo Dr. Iglesias Puga) de abrirse camino (si es que le hacía falta) en el mundo cinematográfico, después de la más que digna "La vida sigue igual" (1969), en la que se nos contaba, convenientemente adulcorado, cómo fueron, supuestamente, los inicios de nuestro cantante patrio más famoso a nivel mundial. Ésta segunda "Me olvidé de vivir" (¡qué buen título para una canción!) nada tiene que ver con aquella primera, y pretende contarnos lo que es el día a día del cantante, pero desde un punto de vista casi de documental, como pretendiendo dar un realismo que no casa con el estilo cinematográfico de la época. Significativo es, en este sentido, que en los países latinoamericanos la cinta se conociera con el título de "Todos los días, un día". En fin, que la cosa no acaba de funcionar y la película, en realidad, no tiene un pase. Afortunadamente para el espectador, después de ésta, Julito dejó ya definitivamente los caminos de la interpretación para centrarse en lo que mejor sabe hacer: cantar (aunque tenga poca voz, es cierto) y alardear de su eterno bronceado y de sus más de mil quinientos escarceos amorosos en las revistas del corazón.

La película en sí misma es muy floja. Como aspectos positivos, sólo puedo destacar:
- La presencia (que no la actuación) de la bella Isa Lorenz, como el ligue serio del cantante.
- El doblaje de Julio a través de la voz del sr. Juan Carlos Ordóñez. Éste, con su voz, logra hacernos creer que quien habla es Julito. Un buen imitador, aunque nunca he entendido el porqué del doblaje en este caso.
- La aparición del gran Tony Martin, cantando a dúo con Julito "As times goes bye", lo que evidencia lo bueno que es uno y lo mediocre que es el otro (ustedes elijan). Como se suele decir, las comparaciones son odiosas, y no sé si la aparición en esta película del primero deja en buen lugar al segundo.
- El valor de pseudo-documental de revista del corazón de la vida de Julio que para algunos pueda tener (no para mí, que considero el guión súmamente artificial).
- El paseo de Julio por la playa con el quad se ha convertido en una escena mítica, pero más propia de un videoclip que de una película que se precie.

En el haber negativo (que es mucho) de la cinta mencionaría:
- El resto del doblaje es pésimo.
- El guión (?) es infumable.
- Algunos diálogos son de vergüenza ajena (la referencia a King Kong y las torres gemelas no puede ser menos inspirada y más desafortunada).
- La realización y la planificación de algunas escenas es de becario del "Chiringuito de jugones".
- Los personajes son muy superficiales y están poco desarrollados (especialmente los interpretados por Antonio Gamero y Emilio Gutiérrez Caba, que pretenden ser graciosos y, no sólo no aportan nada, sino que consiguen el efecto contrario).
- La trama es muy lenta y previsible.
- Está rodada como a través de un filtro nebuloso que tiñe la película de videoclip ochentero.
- La película, en sí misma, se hace larga y aburrida. Ni las canciones la salvan.

En definitiva, una nueva película para fans muy incondicionales del cantante, claramente inferior a la primera "La vida sigue igual", y a otras cintas interpretadas en aquellos tiempos por otros famosos cantantes patrios como Serrat (véase "Paraules d'amor" o "La larga agonía de los peces fuera del agua") o Raphael ("El golfo"). Eran todos muy hábiles entonces para aprovechar el tirón de nuestros cantantes y llenar las salas de cine.

Le pongo un 2. No aprueba ni por las canciones. No consigue nada de lo que pretende. No pierdan el tiempo.

Obra maestra total y absoluta y, para quien suscribe, la mejor película judicial de Hitchcock y una de las mejores del género, injustamente subestimada y tratada por los críticos y el público en general, por no ser de las más comerciales del orondo director británico y, en cambio, sí ser un film muy personal, lleno de complejos personales y sobervias interpretaciones. Estamos ante un puro Hitchcock, y su visionado es absolutamente recomendable, por los siguientes motivos (a cual más noble):

- Para empezar, es una película americana (de eso no hay duda), pero muy inglesa a la vez. Hitchcock no se despega de sus raíces, a pesar de haber triunfado ya al otro lado del Atlántico, y todo (guión, trama, personajes, situaciones, puesta en escena, atrezzo, historia, humor, etc, es muy inglés, y recuerda sobremanera la etapa británica del maestro).
- Se trata de una de las grandes historias de amor (no correspondido) del séptimo arte. Pero como buena película de Hitchcock, aunque trate del amor, es un amor diferente, un amor, como decimos, no correspondido del protagonista, que le arrastrará a una degradación por amor en lo personal y profesional progresiva hasta llegar al final que no cuento para no hacer un spoiler. Y es en esa degradación por amor en donde el abogado protagonista renuncia a sus principios y códigos éticos y deontológicos más básicos, enamorándose de su cliente y negándose a creer que ella pueda ser una asesina. Tiene tan idealizada a su cliente que no puede siquiera aceptar la posibilidad del crimen que se le imputa ¿Entienden ahora por qué digo que es una película muy "personal" del genial director británico?
- La interpretación de Gregory Peck es brillante (del nivel alcanzado en "Matar a un ruiseñor"), como el abogado casado que se enamora de su cliente hasta perder los papeles y el juicio (literalmente), a la que acusan de un crimen y él pretende creer y hacer creer que no lo ha cometido. Está perfecto, tanto en su declamación como en su modo de afrontar la problemática de su enamoramiento. Algunos dicen quec Peck no era una buena opción por ser demasiado "guapo" (fue una imposición del productor Selznick). Sin embargo, a mí no se me ocurre nadie mejor para el papel (si acaso, sólo el bueno de James Stewart).
- La interpretación de Alida Valli. No es la típica rubia protagonista de las películas de Hitchcock, pero no nos importa, porque está de cine y, además, somos capaces de odiarla en su interpretación, cosa que denota lo buena actriz que es y lo malicioso que es Hitchcock, al provocarnos sentimientos encontrados contínuamente.
- La interpretación del gran (en todos los sentidos) sir Charles Laughton encarnado al juez corrupto que tira los cejos a la mujer de Peck. Está muy divertido y sarcástico, aunque en algunas escenas se pase acosando a Ann Todd (casi es un "alter ego" de Hitchcock con alguna de sus actrices) y, al mismo tiempo, Hitchcock aprovecha para criticar con ello la justicia y la judicatura, y la manera cómo utilizan el poder que tienen. Por fin Laughton y Hitchcock se redimen del fiasco de la anterior "Posada Jamaica", en la que la difícil relación entre estos dos monstruos se trasladó a la pantalla, y ninguno de los dos dio lo mejor de sí. En cambio en esta, los dos gallos comparten gallinero y hacen de éste el mejor plató posible.
- La extraordinaria Ann Todd, en el papel secundario de su vida, como la mujer de nuestro protagonista, quien sufre en silencio el ciego enamoramiento de su esposo hacia su cliente.
- La puesta en escena y la dirección de actores.
- La planificación, la maquetación y todo el decorado de la Corte donde transcurre la parte final de la película. Nos remite, inevitablemente, a otra gran película como es "Testigo de cargo" (interpretada también por Charles Laughton), pues en ambas la reconstrucción de una sala de vistas britántica es asombrosa por su realismo, de tal manera que consigue que el espectador sienta el pánico del acusado.
- La combinación de humor (en Hitchcock siempre hay un humor inglés latente), tragedia, crimen, guión e interpretación.
- El guión es intachable. No hay una sola frase o secuencia que sobre.
- Me gusta mucho el plano que realiza Hitchcock sobre el hombro desnudo de Ann Todd, es un ejemplo del talento y expresividad visual del genio. Con ese plano define un personaje.
- También disfruté con el brillante travelling circular que muestra la entrada de Louis Jourdan en el juicio, manteniendo en primer plano a Alida Valli, para que pueda apreciarse los gestos en el rostro de ésta quien, sin decir palabra, lo dice todo. Hitchcock era un experto en cine mudo, y sabía que una imagen (o un plano) vale más que mil palabras. Así se lo recordaba al espectador en cada una de sus películas.
- Contiene unos diálogos y unas frases que son parte de la antología del cine de juicios.
- Aunque es de estructura lenta y avanza con pasmosa parsimonia, no puedes dejar de prestarle atención en todo momento, y esto es algo muy difícil de conseguir.
Por todo ello, y por mucho más, no puedo sino ponerle un merecido 10.
Sólo una crítica: El cartel original del estreno en España del año 1967 realizado por Jano no me gustó: ¿a qué viene el inmenso interrogante en rojo pintado sobre los rostros de los dos protagonistas?

Los inicios de las carreras cinematográficas de Richard Gere y Tom Cruise son muy parecidos: ambos tienen una película que, contra todo pronóstico y con el sexo de leit motiv, les hace triunfar y llegar al gran público ("American Gigoló" de 1980 y "Risky Business" de 1983, respectivamente), y otra posterior que supone su consagración definitiva como el hombre más sexy del planeta, encarnando en ambas a cadetes de la marina norteamericana formándose para pilotar cazas de combate, que son rebeldes, inconformistas, solitarios, un tanto machistas y sabelotodo, pero que en el fondo, tienen un gran corazón ("Oficial y caballero" de 1982 y "Top Gun" de 1986). Diríase que el parecido en el comienzo de las carreras cinematográficas de ambas estrellas es más que razonable.

Esta "American Gigoló" supuso el descubrimiento internacional de Richard Gere como estrella sin parangón, convirtiendo al hijo de un vendedor de seguros y una ama de casa en el aspirante a hombre más sexy del planeta, por distintas razones, a saber:
- El personaje que encarna Gere en la película: un tipo culto (habla cinco idiomas, además del idioma universal), guapo, elegante, fino, metrosexual, preocupado por su cuerpo, y que sabe perfectamente qué necesitan las mujeres (especialmente las que son mayores que él). Se sabe un conquistador, y se aprovecha de ello.
- La forma chulesca que tiene de andar, como dando pequeños saltitos con las piernas entreabiertas y los brazos en movimiento. Es la manera de andar de Gere, ahí sí que no interpreta. Él es así.
- La ropa de Giorgio Armani con la que desfila durante toda la película. El diseñador italiano no era entonces conocido al otro lado del Atlántico, y con este film su despegue fue fulgurante.
- El Mercedes descapotable que conduce en la película. No puede ser más fardón.
- La mirada entre tierna y desvalida que exhibe en el film, capaz de enamorar abuelas, madres y nietas.
- El modo entre perdonavidas y "soy más chulo que nadie" con el que trata a Lauren Hutton en el film
- El desnudo integral con que obsequia a sus fans femeninas, después de una noche de sexo con la Hutton, y del que destaca, sin duda, la virilidad de su miembro, expuesto por la cámara de Paul Schrader sin ningún pudor. Se trataba del primer desnudo frontal de un varón en Hollywood. Hay que decir que Gere repetiría desnudo en la posterior "Sin aliento" (1983), pero entonces ya no tenía la originalidad y sorpresa de esta "American Gigoló".
- Y por qué no decirlo: Robert Redford y Paul Newman estaban ya un poco mayores, y Hollywood necesitaba de nuevas caras para sustituir a sus dos grandes sex symbol. Así que, Gere primero y Cruise después, se convertirían en dignos sucesores de los dos hombres y un destino.

La película no es nada desdeñable, es interesante y me gusta, entre otras cosas, por:
- Las interpretaciones de Lauren Hutton (bellísima y enigmática) y Héctor Elizondo (qué gran secundario es este actor!).
- La química entre Gere y Hutton: es lo mejor del film, a pesar de que las escenas de sexo entre ellos se intuyen más que se describen.
- La manera con la que Paul Schrader rueda el film, como a través de un permanente filtro de cámara.
- El punto de vista desde el que está rodada la película: es un film de, por y para el personaje que interpreta Richard Gere.
- Al final, la historia de si Julian (Gere) es culpable o no del asesinato, nos importa muy poco. Schrader lo ha convertido en el mcguffin del film, en donde lo importante son las formas, no el fondo.

Lo mejor: El descubrimiento de un más que digno actor y el comienzo de una carrera con altos y bajos, pero plagada de éxitos comerciales.
Lo peor: Es lenta por momentos y dura demasiado (lo que nos cuenta se acaba al cabo de los primeros 30 minutos).

Casualidades de la vida, o bien aquello de que la suerte significa estar en el momento justo en el lugar adecuado: Richard Gere tuvo la gran suerte de que John Travolta no quiso protagonizar la película (al italoamericano le preocupaba el trasfondo gay del personaje y que el gran público pudiera identificarlo demasiado con él).

"Casino Royale" (2006) levantó grandes expectativas: Bond había vuelto, y lo había hecho por todo lo alto y con la que, sin duda, es, junto a "James Bond contra Goldfinger", la mejor cinta de 007 hasta el momento. Así que todos esperábamos impacientes la siguiente, "Quantum of Solace", sobre todo porque Craig se mostraba implacable en el papel del agente del MI6 y porque prometía desvelar la trama no conclusa de la anterior. Por fin una película de 007 tenía una secuela! Sin embargo, la cinta decepcionó por completo, hizo aguas en todos los sentidos y supuso un claro fracaso y retroceso en la franquicia. Afortunadamente, la siguiente "Skyfall" recuperó la clase y la calidad de "Casino Royale", haciéndonos pensar que "Quantum of Solace" había sido un accidente aislado. La decepción volvió a llegar con "Spectre", en donde sólo está bien Daniel Craig. Así que, esta última, la que cierra el ciclo de Craig como 007 había levantado grandes expectativas, entre otras cosas porque se sabía de antemano que era la última de Craig como 007, y era de esperar que concluyera su etapa por todo lo alto.

Y el resultado de esta "Sin tiempo para morir" es contradictorio. Hay cosas buenas (algunas), y malas (otras tantas). De entre las primeras, destacaría:
- La segunda parte del teaser inicial (no la primera, que se hace un tanto pesada y recuerda a films de terror de serie B): tanto por su localización en Italia, como por su fotografía, como por sus increíbles escenas en coche y moto.
- La interpretación de Craig, que es lo que da nivel a la cinta cinta. Hay que reconocer que con esta película demuestra (si es que hacía falta hacerlo) que es un gran actor, y que tiene muchos registros (al contrario que Roger Moore o Pierce Brosnan, por poner dos ejemplos de precedentes 007). Craig ha sabido hacer evolucionar al personaje con cada nuevo título y ha rayado siempre a gran altura. Sin duda, lo mejor de las películas de Craig como Bond es la interpretación de éste, a pesar de que en todas hay un cierto halo de fatalismo.
- La interpretación de Ana de Armas: además de estar guapísima con un vestido cuyo escote quita el hipo, sabe aprovechar perfectamente sus 10 minutos de gloria en la cinta, y para mí es la mejor chica Bond del film. Es como la suma de lo mejor de Michelle Yeoh en "El mañana nunca muere" y de Halle Berry en "Muere otro día". Y ojo a sus chistes.
- El saber adaptar el personaje de 007 a los nuevos tiempos y la salud con que goza la serie, gracias a ello.
- El guión es bueno, aunque no para una película de 007. Aquí está el principal fallo del film: es una cinta con 007 (que no de 007).
- El guiño a otras películas de la serie, en especial a la incomprendida "Al servicio secreto de su majestad", con su "tenemos todo el tiempo del mundo".
- Nos queda el consuelo de que no es la peor de Craig como 007 (este honor se lo lleva "Quantum of Solace"), contraviniendo la norma no escrita en la franquicia de que la última de cada actor que interpreta a 007 es la peor de su serie (véase "Diamantes para la eternidad", "Panorama para matar" o "Muere otro día").

En su haber negativo, destacaría:
- El ritmo es muy lento. No diré que la cinta se hace larga, pero por momentos no parece un film de 007 por su lentitud, parsimonia y prolongación de determinadas escenas. Esto beneficia la interpretación de Craig, y permite mostrar el lado más humano del personaje. Sin embargo, lo que sería una virtud en cualquier otra película, es un lastre para un film de James Bond.
- Hay demasiados altibajos y cambios de ritmo.
- La banda sonora no pasará a la historia. Hecho en falta, además, los acordes de la bso de James Bond.
- Los actores principales escogidos son un error de casting: Christoph Waltz ni está ni se le espera, y su papel de Bloefeld es tan breve como ridículo (por no hablar del plagio a "El silencio de los corderos"). Rami Malek es un malo de pena, y esto es grave, teniendo en cuenta que es el malo de la cinta, y en las películas de Bond, cuanto mejor es el malo, mejor es la película. Ni tiene clase, ni carisma, ni imprime suficiente miedo, ni está a la altura de 007, ni tiene diálogos para recordar. Su interpretación, exenta de gracia, es insulsa, apática y no está al nivel exigible. Definitivamente de los 5 Bonds de Craig sólo en el primero (Casino Royal) y en el tercero (Skyfall) el malo está a la altura. Naomie Harris pasa por allí y ni se entera de qué va la película. Es absolutamente prescindible. Lashana Lynch es una broma de 007 (¿Humor negro? ¿Humor británico? Espero que no siga en este papel en futuras entregas de la serie). Ben Whishaw casi aparece sólo para decirnos que le gustan los chicos, como le sucede en la vida real. Y finalmente, Léa Seydoux (con ese rostro de cocainómana) no tiene las medidas mínimas de una chica Bond (véase todas las que le precedieron). Igual los productores pensaron que no podían poner al lado de Craig (1,78 cm) a una mujer demasiado alta. Tampoco es tan espectacular para que todo un James Bond lo deje todo por ella (como sí era la Vesper de Eva Green. Y si no me creen, vean la película "Soñadores" y luego me contestan si la Green tenía o no medidas de chica Bond).
- Hay muchas escenas de disparos. Algunas sin sentido. A veces parece más un mal remake de "Commando", de Arnold Schwarzenegger, que una buena película de James Bond.
- El final es muy flojo espectacularmente hablando, y carente del ritmo y suspense necesarios.

Lo mejor: La segunda parte del teaser inicial, la interpretación de Craig y la fotografía.
Lo peor: Que no parece una cinta de 007. Los actores principales (exceptuando a Craig), toda la parte final, un guión que se queda a medias y la sensación de que podía habérsele sacado mucho más partido, tanto al guión como al desarrollo de la película.

Le pongo un 7 por la impresionante interpretación de Craig y porque éste no puede merecerse menos, pero espero que la siguiente sea mucho mejor, se mantenga fiel al original y se encuentre a un 007 a la altura.

La mejor película de su controvertido director, seguida de cerca por "Manhattan Sur" (1985) y "La puerta del cielo" (1980), constituye una especie de tributo a la amistad, enmarcado en un grupo de amigos de un pequeño pueblo de Pensilvania, los cuales verán irremediablemente truncadas sus vidas por la participación de tres de ellos en la guerra del Vietnam.

No es una película sobre el Vietnam, como pudiera ser "Apocalypse Now", "Plattoon" o "Los boinas verdes". Es un film sobre la incondicionalidad de la amistad, puesta a prueba en el contexto de la guerra y en sus consecuencias. El Vietnam es sólo el Mcguffin, la excusa argumental para que avance una película en la que se ensalza tanto la amistad como se critica la absurdidad y brutalidad de una guerra, acentuando para ello, quizás en exceso, el papel de los soldados-torturadores del Vietcong.

Como aspectos positivos de la cinta (que tiene muchos), destacaría:

- La originalidad del guión (a pesar de la invención histórica de la ruleta rusa) y una fotografía sublime (especialmente en los parajes de alta montaña donde el grupo de amigos se dedican a cazar ciervos).

- Todos los actores están en estado de gracia. Esta es, sin duda, una película para el lucimiento de sus intérpretes. Aunque Christopher Walken está muy bien y seguramente se merecía Óscar que obtuvo al mejor secundario (especialmente en la escena de la ruleta rusa hacia el final de la película), creo que De Niro se merecía el Óscar principal. Es una película pensada, escrita y dirigida para Bob de Niro, en la cual él es el protagonista absoluto (además, es quien mejor define el título del film), y a día de hoy, todavía no logro entender porqué no le dieron su merecido premio por tan majestuosa interpretación. Es imposible pensar en otro para el papel de Michael. Él lleva todo el peso y la carga del film, tanto física como psicológicamente. Además, a nadie le quedaría mejor el uniforme y la gabardina que a de Niro cuando vuelve de la guerra. La película, en definitiva, narra el auténtico descenso del personaje de de Niro a los infiernos. John Savage está muy frágil, como requiere su papel, y nos pone la piel de gallina cuando está encerrado en las aguas del río de Vietnam. John Cazale (ojo a este actor, que murió con sólo 42 años pero que las cinco películas que interpretó fueron nominadas con el Óscar a la mejor película) está tan deprimido y triste como requiere su papel. Parece que no actúe, pero cada declamación suya es una pequeña lección de interpretación. George Dzundza, antes de "Instinto básico", ya había demostrado lo buen secundario que podía ser con esta película. Está inmenso en la escena final. Y de Meryl Streep sólo se puede decir una cosa: es la mejor actriz de su generación y, aunque con esta película prácticamente empezaba en serio su carrera, su interpretación y los momentos de intimidad con de Niro me parecen soberbios.

- Los temas musicales elegidos son míticos, especialmente la canción "Can't take my eyes off of you" (momento sublime jugando al billar en el bar antes de la boda y que define perfectamente el carácter de los personajes) y "God bless America" (jamás una canción compuesta para exaltar el patriotismo ha estado interpretada con tan triste pesimismo en una película), símbolo, clausura y resumen perfecto de lo que su director pretendía con el film.

- El perfecto equilibrio con que está rodado la oscuridad de los interiores (la fundición donde trabajan los protagonistas, la casa de Meryl Streep, el bar donde se reúnen los amigos, los tugurios de Saigon donde se realizaban las apuestas en el macabro juego de la ruleta rusa, el motel donde encaman por primera vez de Niro y Streep, etc), y la luminosidad de los exteriores (las nevadas montañas donde los protagonistas se reúnen para cazar, los paisajes verdes del Vietnam, el pueblo de Pensilvania, etc). Esto sólo lo puede hacer un maestro.

- El hallazgo del juego de la ruleta rusa que, aunque no hay prueba de que se realizara en el Vietnam, da fuerza visual y psicológica a la película. Además, muchos la recuerdan hoy precisamente como esa película de la ruleta rusa.

En el haber negativo de la cinta mencionaría:

- La trama es muy lenta (sobre todo durante la primera hora), cosa que provoca que puedas desconectar por momentos. en cambio, en Vietnam (la segunda hora) todo pasa muy deprisa. Aquí creo que debería haberse equilibrado mejor la cinta.

- Es una película en la que, sorprendentemente, apenas tiene frases memorables, a pesar de su extensa duración. Los silencios ganan por goleada a las palabras. En la película, cuando hay que decir algo importante, una mirada o una canción vale más que mil palabras.

- La forma que tiene de Niro de jugar al billar: le da con tanta fuerza a la bola, y retira el palo con tanta rapidez, que no es creíble que le está ganando al bueno de Walken quien, por qué no decirlo, está muy gracioso en esa escena con su bailecito.

En fin, le pongo un 9 porque, a pesar de contener momentos sublimes, y a pesar de que de Niro pocas veces ha estado tan inspirado, no es todo lo redonda que podría haber sido. God bless America!