Uno de los mejores trabajos del realizador de westerns Sam Peckinpah. El guión, del realizador y productor Walter Hill (“El hombre de Mackintosh”, Huston, 1973), se basa en la novela “The Getaway” (1959), de Jim Thompson, especialista en obras de género negro. Se rueda en escenarios naturales de Texas (El Paso, Fabens, Huntsville, San Antonio, San Marcos y New Braunfels). La banda sonora fue nominada a los Globos de oro. Producida por Mitchell Brower y David Foster ("La cosa", 1982) para Solar/First Artists, se estrena el 12-XII-1972 (EEUU).

La acción se inicia en la prisión de Hunstville y se desarrolla en otras localidades de Texas, hasta llegar a El Paso, junto a la frontera con Méjico. Narra la historia de Doc McCoy (McQueen), preso desde hace 4 años por atraco y robo. La vida en el penal le resulta insoportable, pese a construir maquetas, jugar al ajedrez, trabajar en la planta textil y participar en trabajos comunitarios. Su acreditada buena conducta no impide que se le deniegue la libertad condicional una y otra vez. Angustiado, explica a su mujer, Carol (MacGraw), la situación y le pide que haga una gestión ante Jack Beynon (Johnson), banquero, persona de grandes influencias. Al recuperar la libertad, conoce cuál es el precio que ha de pagar por ella.

El film suma acción, crimen, drama, romance, road movie y thriller. Desarrolla una trama romántica (entre Doc y Carol), que se va enfriando a medida que avanza la acción y él conoce los pormenores del acuerdo al que ella ha llegado para obtener su libertad. Incorpora elementos dramáticos, como infidelidades de pareja no consentidas, sometimiento a abusos de poder, exigencias inmorales, etc. Sobre esta trama básica se superpone un relato de acción y violencia, de sofocante intensidad, al mejor estilo de Peckinpah. Doc encarna a un antihéroe, eficaz en sus misiones, pero movido por intereses espúreos (egoísmo, codicia, deslealtad y traición), que no evita la violencia y el asesinato. Peckinpah está considerado como uno de los realizadores que mejor ha sabido retratar a antihéroes.

La narración es entretenida y cautiva la atención del espectador. Plantea cuestiones diversas como la posibilidad de la redención, la fuerza de la fatalidad, el imperio del destino que frustra las esperanzas, el sentido de las traiciones al amor para defenderlo o salvarlo. El film se divide en dos partes. La primera parte, espléndida, consta de pocos diálogos y presenta una violencia contenida. La segunda parte desarrolla una huida azarosa y sembrada de violencia bajo la amenaza permanente de un sicario.

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Sólido y fascinante melodrama del realizador William Wyler (1902-1981), es uno de sus trabajos más acreditados. Escribe el guión Lillian Hellman en colaboración con su exmarido Arthur Kober, su amiga Dorothy Parker y el marido de ésta, Alan Campbell. Adapta la obra de teatro “The Little Foxes” (1939), de la misma Lillian Hellman, estrenada (1939) con éxito en Broadway. Se rueda en el sur de California y en los platós de United Artists Studios (Hollywood). El film es nominado a 9 Oscar. Producido por Samuel Goldwyn para Samuel Goldwyn Company/RKO, se estrena el 21-VIII-1941 (NYC).

La acción dramática tiene lugar en una localidad profunda del Sur de EEUU, en 1900. Los hermanos Oscar Hubbard (Raid), Ben Hubbard (Dingle) y Regina Giddens (Davis) desean montar en la región, productora de algodón en rama, una fábrica de transformados del algodón, en colaboración con William Marshall, de Chicago. Para ello necesitan que Horace Giddens, enfermo del corazón, marido de Regina, banquero local, aporte una importante suma de dinero. Lidera el proyecto Regina, una mujer codiciosa, ambiciosa, vanidosa, sexualmente reprimida y malvada. Oscar y Ben representan a la emergente burguesía local.

El film desarrolla un intenso y potente drama, que brinda a Davis la oportunidad de crear una interpretación memorable de un personaje femenino egoísta, sin sentimientos, ambicioso y despiadado, uno de los más característicos de su carrera. Para satisfacer sus ansias de poder y riqueza no duda en manipular, presionar, acosar, corromper y chantajear, sin piedad y sin miramientos. La apoyan algunos familiares y amigos, mientras otros se sitúan en posiciones contrarias. De carácter autoritario, impositivo e irascible, para conseguir sus objetivos Regina no se sirve del halago, la sonrisa y la seducción. Plantea sus batallas frontalmente, haciendo uso de la fuerza, el verbo fácil e hiriente y la amenaza.

El negocio que proyectan puede ser altamente rentable porque se basa en la explotación de ñlos bajos salarios de la región, la falta de oportunidades de trabajo estable y la abundancia de mano de obra de escasa cualificación, modestas y nula conflictividad. El proyecto no cumple las condiciones que algunos consideran indispensables, como retribuciones justas, trato respetuoso a los asalariados de color, una adecuada proporción entre salarios y excedente. El film elogia la implantación de nuevas actividades productivas en la región, pero censura la contratación de intereses abusivos, la desatención de los derechos de la población de color y la pasividad de quienes, pudiendo hacerlo, callan y no denuncian los abusos e injusticias.

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Es el largometraje más famoso del realizador Edgar G. Ulmer (1904-72) (“The Black Cat”, 1934). El guión de Leon Goldsmith adapta su propia novela “Detour” (1939) con algunas modificaciones (suprime las escenas eróticas). Se rueda en 6 días en un pequeño estudio de la compañía PRC Inc., con proyecciones posteriores de paisajes y ciudades, de escasa calidad, y con el apoyo de un presupuesto ínfimo, de 20.000 USD. Producida por Leon Fromkess para Producers Releasing Corporation Inc. (PRC), se estrena el 30-XI-1945 (EEUU).

La acción dramática tiene lugar en NYC, L.A. y en el trayecto por carretera que separa ambas localidades. La historia, la relata en primera persona el protagonista, Al Roberts (Neal), mientras está sentado a la mesa de un bar de Reno (Nevada) en un alto de su viaje de regreso a NY. Los hechos se desarrollan durante varias semanas de la primavera de 1945. El viaje se hace en autostop. En el camino Al conoce a Vera (Savage), otra autostopista. Al es apagado, introvertido, pesimista, pasivo y débil de carácter. Vera es autoritaria, exigente, dominante, egoísta, ácida y agresiva.

El film suma crimen, drama, cine negro, misterio, suspense, thriller y road movie. Es uno de los mejores films de serie B y está considerado como un ejemplo emblemático e ilustrativo de los principios, reglas, usos y prácticas de este tipo de cine. Ulmer, formado en la escuela de Murnau, del que fue colaborador, realiza unas 40 películas entre 1929 y 1965. En el período 1942-46 trabaja para PRC Inc. como realizador de films de serie B. Nunca estrenada comercialmente en España, la cinta es una gran película sobre la fatalidad. El destino autónomo, ciego y caprichoso, puede torcer la suerte de cualquier persona hasta el punto de hundirla en un infierno de dolor y desesperación. El destino es una fuerza superior a la naturaleza, no se somete a leyes ni reglas, no admite componendas, es obstinado y puede llegar a ser extraordinariamente cruel.

De acuerdo con las concepciones básicas del film, el destino se sitúa al nivel de un Ser superior que sumaría en sí mismo las fuerzas del bien y del mal, o bien las distribuiría entre él y Satanás. El destino favorable o desfavorable, el que lleva al éxito o al fracaso, está dotado de una fuerza sobrenatural incontenible y no modificable. En la novela Goldsmith habla de Dios y del destino simultáneamente, emparejándolos siempre como dos iguales. En el guión suprime la referencia a Dios. Otras concepciones de interés son las referidas a la visión del mundo (“Una cárcel de la que todos desean escapar”) y de las personas humanas (“Marionetas del destino”). En coherencia con estas ideas, la película elabora una narración extraña, deprimente, opresiva y descorazonadora. Con el apoyo de múltiples recursos crea una atmósfera densa de desazón, agobio y pesimismo.

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Decimoséptimo largometraje de F. F. Coppola (51 años). Escrito por Mario Puzo y F. F. Coppola, se inspira en los personajes de la novela "The Godfather" (1969), de Mario Puzo. Se rueda en escenarios naturales y en exteriores de Sicilia, Roma, Vaticano, NYC y Atlantic City y en los estudios Cinecittà (Roma), con un presupuesto de 54 M dólares. Es nominado a 7 Oscar. Producido por F. F. Coppola para Paramount, se proyecta por primera vez en público el 20-XII-1990 (Beverly Hills, preestreno).

La acción principal se desarrolla en NYC y Sicilia y se desplaza ocasionalmente a Atlantic City (New Jersey), Roma y Vaticano. Michael Corleone (Al Pacino), jefe de la familia, próximo a los 60 años, envejecido prematuramente, cansado y enfermo, reside en NY, tras el abandono de la suntuosa mansión familiar de Lago Tahore. La acción tiene lugar entre 1979 y 1982, con final en un momento posterior no determinado, aunque no alejado temporalmente (1983-84).

El film suma acción, drama y thriller. El guión, escrito con meticulosidad, da continuidad a la historia de las dos entregas anteriores de la saga, no como una secuela, sino como una prolongación o extensión temporal de la historia de la familia al objeto de completar, ampliar y matizar observaciones, indicaciones y reflexiones. El relato es complejo, denso y contiene varias tramas secundarias, que dan profundidad al conjunto. Incorpora referencias inspiradas en hechos reales (muerte de Juan Pablo I) y personajes reales. El cardenal Gilday es un trasunto del cardenal Marcinkus, Lucio Luchhesi se asemeja a Roberto Calvi y Fredrick Keinzig recuerda a Licio Gelli, gran maestre de la logia masónica P2. Los ambientes, bien construidos, contrastan por su rica diversidad (sutilezas secretas y dobles juegos vaticanos, ambiciones de los mafiosos, anhelos de legalidad y redención de Michael). Los personajes están bien desarrollados, en especial los de Michael (frío, ambicioso y sin escrúpulos) y Vincent Mancini, hijo de Sonny (temperamental y expeditivo).

Incorpora una perspectiva explícita, en el marco de un mundo globalizado, de las conexiones internacionales entre delincuencia, negocios y política, a las que ya se refería en tono menor “El Padrino II”. Se añaden referencias a supuestas conexiones entre la delincuencia internacional y altas instancias de la Administración vaticana. En etapas anteriores sólo se había hablado de las conexiones de instancias vaticanas con altas esferas de la mafia italo-americana.

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Film de aventuras realizado por Richard Thorpe (“Ivanhoe”, 1952). El guión, de John L. Balderstone y Noel Langley, cuenta con la colaboración de Donald Orden Stewart (diálogos adicionales), Edward E. Ros (dramatización) y Wells Root, que adapta la novela “The Prisoner of Zenda” (1984), de Anthony Hope. Se rueda en MGM Studios con algunas tomas exteriores. Producido por Pandro S. Berman (“Ivanhoe”) para la MGM, se estrena el 4-XI-1952 (NYC).

La acción dramática tiene lugar en un país centroeuropeo imaginario, Ruritania, a lo largo de unos pocos días de un año situado en 1890-93. Rudolf Rassendyll (Granger), turista británico aficionado a la pesca fluvial furtiva, llega al país en el Orient Express. Tiene un gran parecido con el rey Rudolf V (Granger), que se explica por antepasados comunes. El secuestro de éste la noche anterior a su coronación hace que Rudolf Rassendyll se vea empujado por el coronel Zapt (Calhern) a suplantar al rey en la ceremonia de la coronación. El rey es aficionado a la bebida, indolente y caprichoso. Rassendyll es comprensivo, ayuda a quienes lo necesitan y es generoso. Según la princesa Flavia (Kerr), novia del rey, es igual que el rey, pero sin ninguno de sus defectos.

El film suma aventuras, acción y romance. Es el remake de la cinta del mismo título realizada por John Cronwell en 1937, tras varias versiones en cine mudo. Sigue sus planos uno a uno, sin conseguir ni la vibración ni el encanto del original, considerado un hito en la historia del cine de aventuras. Se sirve de la misma partitura de Alfred Newman para la confección de la banda sonora. Añade el atractivo del technicolor de los 50, que sobresale por su intensidad y esplendor. La pareja protagonista, que repite colaboración tras el rodaje de “Las minas del rey Salomón” (Marton y Bennett, 1950), no consigue trasmitir a los personajes la fuerza propia de su calidad interpretativa por diversas causas, entre las que posiblemente descuellan el esquematismo de los caracteres y una desangelada dirección de actores. El director Richard Thorpe es un artesano convencional y rutinario, poco creativo. Abundan los diálogos, se hacen elipsis en aras de ahorros presupuestarios y se abusa un tanto de la comicidad asociada a la suplantación de personalidad. La dirección artística, a cargo de Cedric Gibbons y Hans Peters, resulta adecuada y satisfactoria. Es destacable la escena del enfrentamiento a espadada entre el malvado Rupert de Hentzau (esbirro del pérfido hermanastro del rey) (Mason) y Rudolf Rassendyll, que genera momentos de suspense y de deleite visual.

El film hace la apología de valores como el sentido del deber, el sacrificio del amor verdadero por conveniencias de Estado, la defensa del honor y la exaltación del coraje y el dominio de la fuerza. Añade el elogio de la generosidad, al altruismo y la colaboración desinteresada en la solución de problemas de interés general.

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