Fui a ver con mucha expectativa la primera película escrita y dirigida por uno de mis actores favoritos del momento gracias a la mano de Christopher Nolan: Joseph Gordon-Levitt. Además venía acompañado de la infartante Scarlett Johansson y la historia trataba de un adicto al porno por Internet que es pillado por su novia con las manos en la masa. ¿Qué podía fallar? Lamentablemente mucho.

Para empezar, la mayor parte de la cinta está dedicada a mostrar, hasta la saturación, pechos, culos y el torso desnudo de Jon –el personaje de Gordon-Levitt-. La pregunta que uno se hace mientras discurre la trama es si se trata del fresco estilismo del director o de un simple gancho para capturar a un público juvenil. Hasta el papel de la maciza Scarlett Johansson, la novia de Jon, llega a cargarse de tanto morritos y poses sensualonas.

La edición busca transmitir las distintas emociones de Jon con una mezcla de cortes de vídeo clip, cámaras subjetivas y planos tipo documental. Sin embargo el resultado final es confuso, dando la impresión que se utilizan recursos efectistas para decorar un argumento que decae luego de la primera media hora.

Los mejor son las actuaciones secundarias de los padres de Jon sobresaliendo Tony Danza con su caricatura del padre cachas de camiseta sin mangas. También destaca la actuación de Julianne Moore, mas no su papel, como la mujer cuarentona que irrumpe con calzador en la vida de Jon -otro fallo del guión- para tratar de hacerle consciente de su adicción. Las escenas en el confesionario de iglesia son de las más divertidas y el “Good Vibrations” de Marky Mark (antes de convertirse en Mark Wahlberg) suena oportuno en la voz del protagonista.

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Si Avatar fue un hito para el cine en tres dimensiones, cuatro años después Alfonso Cuarón pone el listón mucho más alto. El efecto es impecable. La industria del cine debería estar agradecida por filmes como Gravity, una película para verse exclusivamente en salas 3D. Te transporta, te marea, te da vueltas. Y no le ves el truco. El resultado de la filmación y de post-producción es perfecto para el ojo común. Uno sale reconfortado de la sala a pesar de ser una película entregada a la imagen y a los efectos especiales en detrimento del argumento.

Porque quizás lo más bajo sea el guión escrito por Cuarón y su hijo Jonás. Una historia sencilla con el típico suspense en tres tiempos –o alguno más-: la explosión de un satélite produce una metralla de basura espacial que viaja a gran velocidad e impacta a la misión del transbordador espacial sobreviviendo sólo el veterano comandante Kowalski (un cansino George Clooney haciendo de George Clooney) y la Dra. Ryan Stone (una atlética y convincente Sandra Bullock). A partir de ese momento ambos astronautas tratarán de volver a la tierra cuanto antes en medio de silencio y la soledad del espacio.

Pero en este caso da lo mismo la liviandad de la historia porque ello le da protagonismo al lento movimiento de los planos –asemejando la gravedad cero del escenario-, la brillante fotografía de Emmanuel Lubezki –aunque la mayor parte de ella sea digital- y los excelentes efectos sonoros y las composiciones de Steven Price que marcan con efectividad los momentos dramáticos y de tensión.

Advertencia final: si te mareas viendo películas 3D aquí el efecto será peor. Si eres claustrofóbico y sufriste con la escena de la novia del Kill Bill en el ataúd o con Buried, olvídalo a menos que seas masoquista. Y si de verdad amas el cine, relájate, disfruta y siente como nunca lo que una pantalla puede llegar a trasmitir a tus sentidos.

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Es innegable que la segunda gira en conjunto de Sabina y Serrat tuvo más éxito en Latinoamérica que en España. Mientras que por aquí las expectativas fueron menores al anterior tour “Dos pájaros de un tiro”, del otro lado del Atlántico la gente acudió en masa y abarrotó las más de ochenta funciones de “Dos pájaros contraatacan”.

Como quizás sea la última oportunidad de ver juntos a dos de los mejores cantautores de nuestro tiempo, la inversión debe rentabilizarse al máximo: disco con nuevas canciones compuestas al alimón, DVD con conciertos en el Luna Park de Buenos Aires, diccionario de Luis García Gil explicando el universo de ambos artistas y ahora este documental de Francesc Relea, presentado en el último Festival de San Sebastián, que busca inmortalizar en el cine el paso del “símbolo” (Serrat) y el “cuate” (Sabina) por territorios americanos.

Menos mal que el guión, del propio Relea, se enfoca más en la relación especial que tanto Sabina como Serrat tienen con México, Argentina, Perú, Uruguay y Chile antes que en la vivencia de la propia gira. Los kilómetros recorridos sirven como base para explicar su participación y relevancia en la vida política y social de esos países en los últimos cuarenta y cinco años.

Luego de un falso y forzado travelling inicial que intenta mostrar el proceso de composición de los nuevos temas, el documental muestra imágenes de archivo y entrevistas con periodistas, artistas e intelectuales acerca de sucesos tan trascendentales como las manifestaciones sociales, las dictaduras militares y la vuelta a la democracia. Todo ello salpicado de imágenes y canciones que marcaron la vida de una generación y que ahora se interpretan en auditorios colmados de gente de todas las edades.

La edición transmite emoción y un ritmo narrativo que en general no decae, a pesar de un par de secuencias: hay alguna inexactitud cuando se dice que Serrat estuvo prohibido, aunque no manera manifiesta, por la dictadura de Fujimori en al Perú con la intención de presentar similitudes a lo que sí está registrado en países como Argentina y Chile. Y en segundo lugar, las escenas del hospital de Buenos Aires, en las que se intenta conseguir la consternación de los espectadores, es un recurso innecesario para quienes somos de lágrima fácil de sólo escuchar las canciones que forman parte de nuestra propia historia.

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A pesar de su repulsivo título, la cuarta película de Daniel Sanchez Arévalo presenta una situación llamativa: la celebración de una boda el mismo día de la final del mundial de futbol del 2010. El partido de España contra Holanda se convierte en el hilo conductor de un film en donde los conflictos de cinco hermanos ponen en peligro el casamiento del benjamín de la familia.

La historia es lineal aunque con algunos flashback que sirven para explicar uno de los triángulos amorosos, el formado por los jóvenes novios y la hermana de ella. Las escenas en donde se mezclan imágenes actuales con la de su niñez son de las mejores. El otro triangulo incluye a dos de los hermanos, Quim Gutiérrez y Miquel Fernandez, quienes comparten el amor de una indecisa Verónica Echegui. Alrededor de ellos un impecable pero desaprovechado Antonio de la Torre hace del hijo mayor que sufre depresión y Roberto Álamo personifica al hermano retrasado del chiste fácil que está mucho mejor cuando se tiene que poner serio. Y otro habitual del cine de Sanchez Arévalo, el graciosísimo Raúl Arévalo, hace un cameo con el que se roba las mayores carcajadas de la cinta.

Los minutos transcurren entre cándidas sonrisas y revelaciones del pasado que pueden afectar el presente de los personajes. A pesar de un par de buenos recursos estilísticos, se percibe monótona y con poca capacidad de asombro. Hasta que llega el gol de Iniesta. Es imposible no sentir la misma emoción de cuando lo viste por primera vez. Pero es que además ese momento se convierte en el punto de giro de una trama que crece y culmina con mejores sensaciones.

La banda sonora, muy country, está compuesta por el cantautor americano de folk-pop Josh Rouse y el éxito del DJ escocés Calvin Harris, “Feel so close”, calza perfecto como música de fondo para el sorprendente y divertido arranque de la ceremonia nupcial. Más que una comedia, se trata de un drama con muchos toques de humor. Inteligente guión que ilustra de manera simpática la vertiente buenrollista del nuevo cine español.

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Luke, un estupendo Ryan Gosling, es un extraordinario motociclista que se gana la vida en el globo de la muerte de un itinerante circo de pueblo. Luego de una función se reencuentra con Robina, una antigua pareja protagonizada por la aceptable Eva Mendez, y descubre que es el padre de su hijo de pocos meses. Luke abandona el circo y busca instalarse en la misma ciudad para estar cerca de ellos y ejercer su labor de padre aunque para ello tenga que delinquir.

Esta historia es la mejor de las tres que el director y guionista Derek Cianfrance filma en un ambiente sombrío, haciendo uso de unos primeros planos, donde los gestos dicen más que las palabras, y rápidas escenas de velocidad que mantiene la tensión del drama. El final de la primera trama es el inicio de la segunda donde un correcto Bradley Cooper toma el protagonismo encarnando a Avery Cross, un policía novato que se ve envuelto en una red de corrupción en su propia comisaría.

En esta segunda parte se lleva las palmas Ray Liotta, el enviciado agente que con su sola presencia infunde terror a Avery y a los espectadores. El último acto sucede quince años después y tiene como personajes principales a los hijos de Luke y Avery. Los problemas de los adolescentes sirven para encolar los tres episodios y reforzar el leitmotiv de la película: las consecuencias que produce una deficiente relación padre-hijo.

Dos horas y veinte minutos que se hacen largos. La ultima parte es la menos lograda y podría haberse obviado o transformado en un pequeño colofón. Sin embargo la actuación coral y el argumento de las dos primeras te dejan con un buen sabor de boca. Destacable también la actuación del australiano Ben Mendelsohn, el mecánico amigo de Luke que mantiene ese registro yonqui que ya demostró en Killing them softly. Las ochenteras “Dancing in the Dark” de Bruce Springsteen y “Maneater” de Hall & Oates forman parte de la banda sonora.

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