La obra fílmica de Nick Parsons se circunscribe a este solitario largo dentro de un conjunto de trabajos para televisión y algún que otro cortometraje en un lapso de tiempo de treinta años, donde principalmente se dedicó a la escritura. Precisamente no es el desarrollo de la narración, por más que sea más que correcta, lo que llama la atención en esta sensual y telúrica película, sino como su puesta en imágenes la potencia. Lo cual hace aun más sorprendente que su autor no repitiera, al margen de un episodio para televisión en la serie de 2006 Two twisted. Buena parte del film se desarrolla en la mixtura entre la tradición y la modernidad, lo fantástico y la realidad social, entre lo que vemos y lo que percibimos. La convivencia que se desarrolla en esa apartada aldea no deja de ser un microcosmos de difícil equilibrio que pese a su apariencia no encubre sino una nueva forma de colonización. De la resistencia a esa injerencia de la que emanaran todos los conflictos (religiosos, sociales, sentimentales, políticos, informativos) se escapan los dos personajes principales, en lo que no es sino un espejismo o autoengaño, que intentan como pueden poner orden en el caos. Película de singular belleza con un magnífico uso de los elementos naturales como el agua, o el viento, la película alcanza su climax en un paradisiaco paisaje donde premonición y realidad se conjugan. Quienes disfrutaron de los primeros trabajos de Peter Weir como Picnic en Hanging Rock o La última ola, en esta película podrán encontrar otro jalón imprescindible para conocer la influencia del fantástico en el cine australiano y degustar uno de los films más sugerentes de los años 90

Actualmente el nombre de Henri Fescourt poco dirá incluso a los cinéfilos más impenitentes. Tampoco ayudará su relativo pronto abandono de la creación cinematográfica, producida durante la ocupación alemana de Francia. Sin embargo este antiguo colaborador de Louis Feuillade, nacido en Beziers allá por 1880, es el responsable de dos de los mejores films rodadas en el periodo mudo en el país vecino. El que ahora nos ocupa es uno de ellos. El otro, igualmente dividido en dos partes es Monte Cristo (1929).
La adaptación de la obra de Hugo es prolija en aciertos visuales que ayudan a la asimilación del continuo devenir de acontecimientos que transcurren en pantalla. Bien interpretada por Gabriel Gabrio (el futuro Cesar Borgia del film de Abel Gance sobre la meritada familia) la película sorprende por la fuerza de sus imágenes y la integración del paisaje, sea rural o urbano con los personajes, resultando un magnífico antecedente de la que para mí es la mejor adaptación de la obra de Hugo, la hecha por Raymond Bernard en 1934. Una buena oportunidad para conocer los orígenes del cine galo, a través de la adaptación de una de las novelas más veces llevadas a la pantalla, que sorprenderá a más de uno.

Para mí el periodo del cine francés que se desarrolla durante la Ocupación alemana, es fuente de continuas sorpresas satisfactorias. Quizás se deba lo denostado que durante muchos tiempos fue precisamente por las circunstancias en que se gestaron los proyectos, y por la censura que el sistema de producción impuesto por los alemanes exigía. Pero ahí están títulos como El cuervo y El asesino vive en el 21 (H G Clouzot), Les inconus dans la maison (Henri Decoin), Viaje sin esperanza (Christian –Jaque), Volpone, Mam’zelle Bonaparte, le val d’enfer, la mano del diablo y Cecil est morte (Maurice Tourneur) que sirven como botón de muestra y reivindicación del cine realizado durante tan exiguo periodo de tiempo. Cabe dejar constancia que la para muchos mejor película del cine francés (nada objetaría yo a tal afirmación) se rodó en este periodo, Los niños del paraíso (Marcel Carné, 1945).
Jacques de Baroncelli, autor poco conocido en su día, y nada en la actualidad (uno de los grandes pioneros del cine francés más conocido por realizar una de las primeras adaptaciones de La mujer y el pelele con Conchita Montenegro ) realizó durante este periodo 6 películas. De ellas cuatro eran basadas en piezas literarias previas, lo cual era una constante en el cine de la época, ya que para evitar imposiciones por los ocupantes, qué mejor salida que las adaptaciones de clásicos literarios.
La duquesa de Langeis (1942) se sitúa a la mitad del periodo, siendo su tercer film dentro del mismo. Es una adaptación del clásico de Balzac del mismo título, que ya había sido llevado previamente varias veces al cine. (Que se tenga constancia al menos en 1910 por André Calmettes en Francia, por Frank Lloyd en Estados Unidos en 1922 con el título The eternal flame e incluso por los alemanes en 1926 con el título Liebe por Paul Czinner)
Desconozco las versiones anteriores, y dudo que pueda algún día poder verlas, pero desde luego la versión de Baroncelli es infinitamente más satisfactoria que la rígida entrega que de la misma historia nos legó Jacques Rivette en el 2007 (Ne touchez pas l’ache).
Apoyado en una magnifica reconstrucción del París de la Restauración de las altas esferas que se resarcían de los años sombríos del Periodo revolucionario, el film se beneficia de la magnética y vibrante presencia de Edwige Feuillère y de la ajustada contención de Pierre Richard-Willm para desarrollar un aparente juego de banal significado cortés que esconde una pasión irrefrenable, hipocresía social que condenara a los participantes en aquél a un amargo destino.
Dotada de un apreciable ritmo favorecido por elegantes movimientos de cámara que se deslizan por el decorado (salvo contados planos, el film está totalmente rodado en interiores) la película es un ejemplo de un cine narrativo novelesco, donde la importancia de la historia y los diálogos se impone sobre las imágenes, que en buena parte se supeditan a aquélla. Nada que oponer a ello si la historia es buena como sucede en este caso.

Trenker fue esencialmente un hombre apegado a la Tierra, por más que se le sitúe en general suspendido de una cuerda. Este nacido austrohúngaro, arquitecto de titulación, cineasta por afición ,y montañero por vocación, resultó siempre apasionado tanto en sus ficciones cuanto en sus documentales. No es de extrañar que una película como la que nos ocupa le generase ulteriores problemas atendiendo el año de su producción y su no simulado nacionalismo, al término de la segunda guerra mundial. A los que nos interesa el cine como manifestación expresiva, ésta si no me equivoco, su tercera película como director, retoma la fuerza paisajistica de Berge in Flammen, el vigor de unos personajes concienciados de su papel en la Historia, y el lirismo que impregna la relación del ser humano con la naturaleza y la tierra que le ha visto nacer. No en vano su siguiente film, la también reivindicable Der verlorene Sohn puede servir tanto como estandarte nacionalsocialista como precedente del neorrealismo crítico social italiano. Partiendo de una premisa histórica, las Guerras Napoleónicas y los conflictos entre Francia y Austria con motivo de la Quinta y sexta Coalición, Trenker monta una película que mezcla con brío las secuencias bélicas, las persecuciones propias del más espectacular film de aventuras, los lances de capa y espada, y el romance propia de cualquier folletín de prestigio. Por supuesto que hay soflamas políticas, pero poco importa a estas alturas la extrapolación mesiánica que del personaje principal pudiera extraerse respecto del entonces Canciller del Reich, como poco importa la de Alexander Nevsky respecto al apodado "Hombre de acero". en el excelso film de Einsenstein. Importa la fuerza de las imágenes y la bien aprendida técnica del montaje auspiciada por los maestros soviéticos. Una estupenda película que conviene ver dejándose llevar.

Debería hacer un estudio realmente concienzudo de porqué todas las películas que me gustan de Christian-JAque, algunas de ellas que incluso puedo catalogar de excelentes como la que nos ocupa, están datadas en el periodo comprendido entre los años 1938 y 1949, cuando ello sólo supone un tercio de su carrera. Nada de su cine me interesa posteriormente a esta fecha, si bien cabe exponer a su favor que en ocasiones al menos le acompañó el éxito comercial de la propuesta.
Un revenant se ve favorecida inicialmente de la participación de para mí, uno de los mejores interpretes del cine francés de todos los tiempos, Louis Jouvet, y de uno de sus mejores guionistas, Jacques Prevert. Ambos perfilan uno de los personajes más complejos del cine de Christian Jaque. Un hombre que vuelve tras veinte años a su ciudad natal y que el destino le da la oportunidad de realizar una venganza folletinesca a un previo episodio de su vida no menos folletinesco.
Christian-Jaque se deja seducir por el texto, por la magia de la representación, tanto dentro del escenario del teatro como fuera de él, por la seducción que ejerce el personaje principal, por la pobreza espiritual de los burgueses de provincias rivales, y nos regala su mejor obra, conjuntamente con El prisionero de Parma. Juego de apariencias y manipulación de acontecimientos, la trama avanza con inusitada fluidez acompañando unos diálogos maestros, a veces hirientes otras veces surrealistas, pero siempre dotados de un profundo humanismo. Poco importa el resultado final vindicado, y más allá del juego de piezas dispuesto, es el tiempo y la imposibilidad de su recuperación, lo que de verdad acongoja a los personajes que transitan en esta historia.
Película a disfrutar como otras del periodo reseñado de su autor, tales como Bola de sebo, Los desaparecidos de Saint Agil, Sortilegios o El prisionero de Parma.