La gran virtud de esta película es el doble relato que presenta. En el primero, a medio camino entre la fábula y la sátira social, tiene un tono amable y simpático para retratar la idiosincrasia del pueblo en el que se desarrolla. El otro, que en realidad es el principal, es el drama interior de sus personajes, sobre el que nunca se detiene la narración pero que late con elocuencia en cada plano. Hay que aplaudir el mérito de saber contar en segundo plano, así como el de convertir a todo un pueblo en un elemento vivo más de la historia.

La cinta está dotada de una profundidad vital muy ligera, lo que suele ser difícil de conseguir. Se puede encontrar en ella las motivaciones de sus personajes, pesadas, pero con un poso de esperanza que late en cada escena. Todo en la película, hasta lo que no es creíble, es serio, lo que sólo puede atribuirse a una narración madura y estudiada.

La rebosante ironía, igual que la extensa simbología utilizada, no es denuncia, sino más bien homenaje. A Irlanda, a sus tradiciones, a sus costumbres. La crítica se centra en el lado humano de los conflictos y la relación con los mismos.

Como era de esperar, el contexto irlandés siempre ayuda a la construcción de ambientes y envolver de belleza cualquier relato. Sin embargo, Almas en pena de Inisherin no sería tan potente sin su dúo protagonista. Farrell sigue dando mejores papeles en su madurez que cuando alcanzó la fama, mientras que Brendan Gleeson actúa a su nivel, con un personaje muy complicado de mantener en el tono de la película. Ambos transmiten mucha química y están perfectamente respaldados por el resto del elenco, sobre todo una sólida Kerry Condon y un Barry Keoghan que es capaz de mostrar nuevos matices en un registro que se aleja de su rol habitual.

El trabajo presentado por McDonagh es rotundo. Este cuento en apariencia sencillo esconde una gran labor de observación y detrás de cada imagen hay una reflexión elaborada. Se trata de un conjunto inteligente presentado con toda la intención del mundo. Hay humor, inteligencia, dolor y esperanza. Hay belleza. Hay soledad y hay compañías. Hay una historia que contar. Si la música perdura, aunque puede que esta cinta no lo haga, sí lo hará su poso en los corazones de quienes la vean.

Esta película sobre el líder de la banda inglesa no es exactamente biográfica, sino más bien emocional. Rodada en blanco y negro, imagino que esta decisión tenga mucho que ver con la percepción del mundo que pudiera tener su protagonista. Se trata de un juego de contrastes que en anteriores ocasiones ya se ha utilizado como aproximación a la locura y que permite una fotografía bellísima al jugar de manera explícita con las luces y las sombras.

Corbijn ha creado una película muy empática en la que utiliza la cámara con maestría para acercarse a Ian Curtis, aunque nunca demasiado porque hay enigmas de su personalidad que permanecen insondables y no se pueden llegar a comprender. Ésa es la baza de Corbijn, mantener a Curtis siempre a una distancia adecuada: cerca para quererlo y lejos para abrazarlo.

A partir de una premisa tan básica, se construye un filme cuidado y meditado, de escenas planificadas con maestría y una belleza visual casi lírica que tampoco es casual. Cuenta con una música extraordinaria, como no podía ser de otra manera, y también destaca la ambientación conseguida con asombrosa naturalidad. Un guión bien estructurado y una narración serena terminan de elevar el nivel de la cinta.

Sin embargo, esta historia de mundos perdidos, de lidiar con la cotidianidad, de debatirse entre las expectativas o sueños y una realidad cuyo desenfoque acentúa las ausencias, habría sido imposible sin un Sam Riley magistral. El británico brilla en las escenas musicales y en las de soledad, está sublime y la producción lo sabe aprovechar.

Hoy en día está de moda la salud mental. No sé cuál es la forma adecuada de tratarla, pero es difícil hacer una aproximación mejor que el retrato de Ian Curtis en Control: una persona frágil, doliente y vulnerable cuyo alma atormentada ha sido capturada en esta película. Cómo no darle una oportunidad de recuperar el control a alguien que, incluso cuando gana, pierde.

Hay colillas, luego han fumado. Probablemente el cine sea así de sencillo. Hay que mirar para ver y tiene que haber para hallar. Más que unas vacaciones, Wells regala al espectador un viaje de emociones circular, justo el modo en el que funciona la memoria, y lo llena de detalles. Estoy convencido de que se podrán encontrar nuevos en ulteriores visionados, y seguro que ayudan a completar la historia, quizás transformarla.

No es demasiado importante, porque creo que el secreto y el fondo de la cinta es precisamente su forma. Se trata de una forma escurridiza, libre como la brisa de verano, que a veces corretea de la mano de la infancia y otras queda atrapada por las sombras rojizas del atardecer. Es difícil encontrar algo en la penumbra cuando antes había luz.

Pienso que el gran acierto de Wells es no contar. Personajes y escenarios, a veces hasta el tiempo, todo está desprovisto de contexto. Así consigue revisitar una y otra vez los recuerdos de Sophie, haciendo al espectador partícipe de una búsqueda de respuestas a preguntas que no han sido formuladas. Pero están ahí, flotan en el paso, en el salto de los días.

Aftersun tiene todo lo que una gran película necesita. Tiene algo de relato obsesivo y recurrente, a veces poético y casi siempre agridulce. Hay gravedad en sus misterios, que resulta evidente que transformaron las vidas de sus magníficamente interpretados protagonistas, tanto que uno apenas repara en ellos. Su directora utiliza la luz y el sonido con acierto, da el justo protagonismo a la música y presenta un trabajo plenamente consciente y evocador. Sabe convertir al espectador en testigo y la cinta, en un espejo de la memoria. Sólo los valientes se atreven a bucear tan profundo.

Dos mundos que chocan, contrastes, amistades improbables y el clásico viaje de autodescubrimiento tantas veces contado. Blicher ha creado un cuento moderno, lleno de colores y, al mismo tiempo, de nostalgia.

La cinta no se sirve de demasiados elementos, pero aquéllos con los que cuenta son utilizados con inteligencia para presentar un trabajo eficaz y entretenido. El guión es tan sencillo como inteligente y la directora sabe centrar el pulso de la narración en el punto exacto que la película necesita. Juega con la música y las emociones, utiliza una fotografía naive y cede el protagonismo a sus dos actrices.

Una de las virtudes de Miss Viborg es que presenta una historia en absoluto realista y eso en ningún momento aleja al espectador, que se sube al scooter de su protagonista sin dudarlo. Hay un halo de fantasía que subyace en el tono elegido por Blicher y un conjunto logrado para tratar de emocionar. No es sutil, no se le adivinan grandes ambiciones y tal vez sea una película a la que no se regrese en el futuro, pero que desde luego puede disfrutarse en el presente.

Elene Naveriani permite al espectador conocer a los habitantes un pequeño pueblo a través su paso por el Wet Sand, un humilde y desangelado bar a pie de playa siempre acogedor. Una vez que la cinta se pone en marcha ya no se detiene. Está lejos de ser trepidante en su ritmo, pero tampoco lo es un tiovivo y no por ello deja de ser hermoso y divertido.

A cada vuelta, quizás atrapado por la fuerza centrífuga del carrusel, el espectador descubrirá una nueva historia, un personaje secundario que dará sentido al resto, porque en la cinta se destaca y reafirma la individualidad silenciada por las dinámicas colectivas. El argumento gira alrededor de una muerte que desencadena la historia principal, mucho más vital que la melancólica mirada atrás a la que obliga su mcguffin.

Pese al drama que relata, Naveriani consigue mantener un tono alegre para su canto a la identidad y su denuncia de los roles y prejuicios perpetuados en una sociedad que persigue a toda costa eliminar cualquier diferencia que rompa la uniformidad de sus tradiciones. Esta película muestra el precio y cómo la mentira es capaz de crecer para abrirse camino hasta convertir un idílico y tranquilo pueblo en el mayor de los infiernos sin rastro de la cordialidad inicial que parecía reinar en la terraza del Wet Sand.

Cuenta con una música muy bien elegida y que le da fuerza e intensidad al mensaje de liberación que subyace, así como una fotografía que se adapta camaleónicamente a los estados interiores de los personajes, propiciando escenas casi poéticas. La he comparado con un tiovivo, ¿a quién lo le gustaba dar una vuelta?