*Exploración profunda de la maternidad y la libertad de elección

Mamífera, dirigida por Liliana Torres, es una exploración profunda y reflexiva de la maternidad y la libertad de elección. La dirección de Torres merece un reconocimiento especial por su enfoque serio y auténtico. Torres logra evitar los convencionalismos, permitiendo que el espectador se sumerja completamente en la complejidad emocional del personaje principal, Lola. Su narrativa invita a la reflexión y a la empatía, abordando un tema delicado con gracia y profundidad.

*Actuaciones convincentes y apoyo emocional del elenco

Es esencial destacar las interpretaciones de los actores principales, particularmente la de María Rodríguez Soto como Lola. Rodríguez Soto logra transmitir con éxito la vulnerabilidad y determinación de su personaje, lo que añade una capa adicional de autenticidad a Mamífera. Además, el resto del elenco ofrece un sólido apoyo emocional a la trama, lo que contribuye a enriquecer la experiencia cinematográfica.

*Atmósfera íntima y realismo técnico

Se centra en los aspectos técnicos de la película, como la cinematografía íntima y la banda sonora sutil. Estos elementos se combinan para sumergir al espectador en la experiencia emocional de los personajes, creando una atmósfera realista y envolvente. La dirección de fotografía y el diseño de producción también merecen elogios por contribuir a la creación de este ambiente auténtico.

*Conclusión

Mamífera ofrece una mirada conmovedora y honesta a los desafíos de tomar decisiones sobre la vida y la identidad personal. Con una dirección sensible, actuaciones destacadas y un enfoque técnico cuidadoso, la película logra abordar de manera reflexiva y sincera temas tan complejos como la maternidad y la libre elección de no ser madre. Es una obra que invita a la reflexión y que deja una impresión duradera en el espectador. En resumen, Mamífera es una película que no solo entretiene, sino que también desafía y enriquece la perspectiva del espectador sobre temas universales y humanos.

Escrito por Pablo Veiga Carpintero

*Sumergidos en el Misterio de Littlehampton

En Pequeñas Cartas Indiscretas, nos adentramos en la pintoresca ciudad costera de Littlehampton durante los años 20, donde un escándalo desata una serie de eventos intrigantes. El guion, potente y bien construido, mantiene al espectador enganchado hasta el último momento, mientras la agente de policía Gladys Moss se enfrenta al desafío de resolver el misterio detrás de las cartas obscenas. La trama, divertida e interesante, promete una experiencia cinematográfica emocionante.

*Efectividad en la Simplicidad

Bajo la dirección de Thea Sharrock, Pequeñas Cartas Indiscretas logra capturar a la perfección la atmósfera de la época y el ambiente de la ciudad costera. Aunque no se destaca por su innovación, la dirección de Sharrock es simple pero efectiva, contribuyendo al desarrollo fluido de la trama y al éxito general de la película. La capacidad de sumergir al espectador en el misterio y la intriga es notable, lo que añade un valor significativo a la experiencia cinematográfica.

*Colman y Buckley Brillan

El punto culminante de Pequeñas Cartas Indiscretas son las actuaciones de Olivia Colman y Jessie Buckley, quienes entregan interpretaciones convincentes y cautivadoras. Su química en pantalla y su habilidad para transmitir emociones hacen que los personajes cobren vida de manera brillante, lo que permite al espectador involucrarse aún más en la historia. El talento actoral de Colman y Buckley añade una capa adicional de profundidad y autenticidad a la película.

*Solidez en Montaje y Fotografía

En cuanto al aspecto técnico, Pequeñas Cartas Indiscretas ofrece un trabajo sólido en términos de montaje y fotografía. La edición hábil y la cinematografía cuidadosamente diseñada contribuyen a crear una atmósfera envolvente y visualmente atractiva. Estos elementos técnicos complementan eficazmente la narrativa y las actuaciones, enriqueciendo la experiencia cinematográfica en su conjunto.

*Conclusión

En resumen, Pequeñas Cartas Indiscretas es un misterio excéntrico de los años 20 que combina una trama divertida e interesante, una dirección efectiva, actuaciones destacadas y un aspecto técnico sólido. Con una mezcla de intriga, humor y drama, la película ofrece una experiencia cinematográfica satisfactoria para el espectador, asegurando un lugar entre las historias memorables del cine contemporáneo.

Escrito por Pablo Veiga Carpintero

*Recordar es volver a vivir

Las dos estrellas interpretan a Willa y Bill, amantes cuando eran estudiantes hace 25 años, antes que se reencuentren en el aeropuerto cuando sus vuelos se retrasan. Sus intercambios inicialmente incómodos insinúan que la pareja no terminó feliz. Atrapados juntos en el futuro previsible, Bill comenta que sufre de “ansiedad anticipatoria” y Willa se describe como una “practicante del bienestar en las artes curativas”. En la espera, ambos repiten los aspectos más dolorosos de su relación anterior, que incluyen que Willa se acostaba con otros hombres y el aborto espontáneo de su bebé.

*Anuncios molestosos

Mientras tanto, el aeropuerto está cada vez más desierto y aparentemente uno de cada dos pasajeros logra abordar un vuelo. El lugar en sí parece estar guiando sus destinos, la megafonía haciendo anuncios cursis y a menudo respondiendo directamente a sus comentarios, y los carteles electrónicos que transmiten mensajes como “El tiempo lo hará” o “Solo conectar”. El último mensaje resulta instructivo: la pareja reaviva cálidamente su afecto mutuo y finalmente bailan juntos por el aeropuerto vacío.

*Un escenario, pocos recursos

Lo que podría haber resultado eficaz teatralmente resulta totalmente artificial y esquemático en la pantalla, a pesar de los considerables esfuerzos de Meg Ryan como directora e intérprete. Ella proporciona ideas reiterativas al escenario único, una vertical que separa a los personajes y con tomas exteriores repetidas del aeropuerto, por lo que el proceso resulta más un telefilme. Si bien el abundante encanto de Ryan es tan evidente como siempre, su personaje desafortunadamente parece un arquetipo torpe.

*Conclusión

Sin embargo, Lo que sucede después resulta atractivo a veces, gracias a la química entre Meg Ryan y David Duchovny, este último emplea sus dotes cómicos inexpresivos y perfeccionados con excelentes resultados. De ese modo, si se está buscando una película para pasar el fin de semana, esta comedia romántica es la alternativa para recordar a una actriz/directora que está haciendo catarsis de su propia vida, al igual que todos nosotros.

Escrito por Renzo Bill

*Incómodamente tediosa

Con un argumento poco más que insípido comienza el metraje de La vida soñada de Miss Fran: Después de la marcha de una antigua compañera, un joven integrante (Dave Merheje) llegará a la misma oficina en la que trabaja Fran (Daisy Ridley), una introvertida y apática mujer. Los protagonistas comienzan una especie de comedia romántica donde la incomodidad supera a la comedia y la desgana al romanticismo. Con cada interacción de estos, el espectador siente una vergüenza ajena provocada por las forzadas conversaciones y situaciones a las que son sometidos durante la obra. Es difícil de ver por el poco trasfondo que se nos da de absolutamente nada, creando un desapego entre la audiencia y la historia, que se mueve de forma irregular y muy lenta mientras su relación va tomando forma.

La apatía vital que siente el personaje al que da vida RIdley no tiene nada que aportar más que eso mismo, que no puede disfrutar nada en la vida. No es causa ni causante, no es un medio para movilizar al personaje, es un fin en sí mismo sobre el que se da vueltas noventa minutos de manera forzada y pesada. El personaje que viene a intentar socavar esa soledad es un hombre divorciado escrito única y exclusivamente para crear situaciones extremadamente incómodas. La culpa no reside en ningún lugar más allá de un guión que imita una sensibilidad contemplativa sobre la soledad a la que ni siquiera se acerca. Se intenta hacer poesía de la nada absoluta y como es de esperar, aparecen unos versos completamente vacíos.

*Ni transmite ni parece preocuparse por ello

En su faceta más filosófica, Rachel Lambert nos viene a hablar de la dificultad de entablar relaciones sociales, de la falta de comunicación y de los inadaptados sociales. ¿Aquellos que viven en los márgenes, aman, sufren y sienten igual que los que no lo están? Pues es un buen planteamiento que queda sin resolver, ya que la narrativa se empeña en hacer brillar lo menos interesante de cualquier elemento, hecho que acaba por aportar una lentitud soporífera al film que sumado a un desconocimiento general, nos hacen ver algo completamente sin pulir, una especie de borrador llevado a producción.

Y no se confundan, con esto no se hace referencia a que haya una falta de mensaje, si no que nos se nos deja ver absolutamente nada hasta que finalmente, se nos lanza de manera violenta. Una historia hecha para su formato original (el de cortometraje), que hace que este largo se sienta estirado al máximo sin aportar nada nuevo ni original.

Una de las únicas cosas que resaltaría positivamente en La vida soñada de Miss Fran es el depresivo ambiente conseguido, que envuelve la cinta y da cobijo a los personajes. Un ambiente general bien cuidado, que aunque no resalte especialmente, hace que los personajes tengan un espacio (que aunque desconocido completamente para el espectador) seguro en el que moverse, así como coherente y armónico con estos. Su desaprovechamiento es ciertamente frustrante, pues no se nos muestra de mala manera ni de forma obvia, sino que se siente por los escenarios, las conversaciones y los comportamientos más que por el contemplativismo tan común en cintas de corte independiente. Podría haber funcionado bastante bien con otro tipo de guion más satisfactorio en lo narrativo y no tan centrado en sus tristes personajes.

*Conclusión

Una trama prácticamente inexistente es poblada con un grupo de insípidos y cargantes inadaptados sociales con complicaciones para sentir nada más que una tristeza y tedio vital que impregna cada una de las lentas escenas que conforman el largo. Es por eso que sus aspiraciones poéticas se quedan tristemente en poco más que eso, aspiraciones. Una frustrante decepción.

Escrito por Mario Peña Pérez

*Guadagnino lo vuelve a hacer con Rivales

Rivales es una película excelentemente ejecutada, como un buen revés de tenis. Luca Guadagnino, después de dejarnos boquiabiertos con películas como Call Me by Your Name o Hasta los Huesos, que tienen un aire más indie, se deja lucir con este drama deportivo que demuestra sus grandes capacidades para dirigir un largometraje con un generoso presupuesto detrás. Es curioso como todas las películas de Guadagnino son muy diferentes entre ellas, pero siempre consigues ver su huella propia. Y es que el amor parece ser su temática estrella, y si una nos dio un amor caníbal y un amor homosexual, Rivales nos brinda un amor de tres. El objetivo de Luca Guadagnino es hacernos ver una nueva manera de amar. Aunque, eso sí, mostrando las cosas buenas y malas de una relación de tres personas con mucha ambición.

*La elegancia en el vestir

El tenis es una mera excusa, pero la rivalidad entre estos tres deportistas se palpa en los pequeños detalles. Y es que es importante recrear bien los escenarios sin que parezcan paródicos, y Rivales lo consigue sin duda. La estética deportiva, el cuidado por el material y el equipamiento, además del vestuario, dan un gran acabado al film. Además, celebro el gran trabajo estético que han hecho con Zendaya, que luce en todas las escenas como una divinidad (a pesar de que ella ya es una diosa siempre). Pueden parecer cosas poco destacables a primera vista, pero es algo que hace que la película tenga credibilidad.

*Una experiencia discotequera

La música de Rivales le da mucha personalidad a la película y es de sus cosas más destacables. Me recuerda un poco a esos míticos juegos de las primeras consolas donde podías jugar a tenis. Es además una música que sube la tensión de las escenas, y que taladra en la cabeza como lo hacen las discusiones y tensiones (en el buen sentido). También lo combina con unos cantos infantiles casi religiosos, que le dan un toque más humano a lo que pasa, relajando la tensión y viendo la cara pura de los personajes. Son elecciones sin duda creativas por parte de Trent Reznor y Atticus Ross, pero los riesgos musicales funcionan perfectamente en Rivales.

*La cámara es la protagonista del partido

Una de las cosas más destacables de todo el film es el juego de cámara, la creatividad en los planos y los movimientos que hacen. Especialmente durante los partidos, se juega con la velocidad y las perspectivas de manera ingeniosa, haciendo que estemos cada vez más dentro del partido. Cámara de seguimiento, perspectiva desde debajo de los pies, puntos de vista en primera persona… Guadagnino no se ha cortado ni un poco a la hora de jugar con los recursos en Rivales. Hace algo que pocos cineastas hacen en Hollywood actualmente.

*Un trío protagonista formidable

Sin duda, una de las mejores cosas de Rivales son los actores principales. Zendaya se vuelve a proclamar como una de las grandes estrellas juveniles de Hollywood, haciendo un papelazo como conquistadora de torneos y de corazones. Su presencia en cada escena es magistral, y es que no puedes evitar dejar que tus ojos la admiren en cada momento. Mike Faist y Josh O’Connor hacen de esta película una redonda completa, haciendo que el trío protagonista sea cerrado y de lo más interesante actoralmente este año en Hollywood.

*Un gran futuro para 'Rivales'

Es evidente que esto promete para los Oscars. Hemos visto a Zendaya presente en dos películas estelares este año. Si la academia reconoce su gran trabajo, quedará consagrada como una de las actrices que mejor trayectoria le espera para los próximos años.

*Conclusión

En resumen, Rivales logra crear una atmósfera de juego perfecta, con unos actores que consiguen relacionarse emocionalmente de gran manera, además de dar una tensión de vértigo al partido con una cinematografía más que formidable.

Escrito por Núria Molina Insa