La serie es una más de la moda actual de serie natural, costumbrista con un puntito macarra (rollo Los Javis o Cardo).
Sin ser gran cosa ni inventar absolutamente nada, pero al menos se deja ver, y son pocos episodios y cortitos.

Ahora bien, el tema actrices es reseñable. Natalia de Molina y Anna del Castillo hacen unas actuaciones que provocan sonrojo y vergüencilla ajena, sobre todo la primera. Qué decepción me he llevado, con lo que me gustaban ambas, y ahora siempre que las vea me saldrá una carcajada ahogada recordando sus bochornosas actuaciones aquí. El resto del plantel mucho mejor, tanto las otras 2 compañeras de piso, como las cuidadoras sociales y la tía lagarta.

Disfruté muchísimo durante toda la proyección, pero a pesar de ello, la impresión final fue que “Dolor y gloria” no puede situarse en el Olimpo del universo Almodóvar, junto con “Volver”, “Todo sobre mi madre” y alguna otra privilegiada.

La película es una radiografía del propio director, por mucho que él se empeñe en negarlo. Dicha negación ya la utilizó en “La mala educación”, y si bien en aquella podía creerse que los tintes de suspense estaban alejados de la realidad, en este caso es evidente que la fuente original es la vida y milagros del propio director. Banderas viste y calza a imagen del propio director (pelo asalvajado incluido), hasta se adueña de parte de sus dejes y maneras; al set de su casa se llevaron muebles y cuadros del propio director, incluso se ven fotos reales de sus padres. Las dolencias del director, así como algunas anécdotas que suceden en la película, ya las ha contado en varias entrevistas previas: cómo su madre y él escribían cartas a los catetos del pueblo, cartas que adornaban y mejoraban con inventadas cosechas propias (recursos muy utilizados cinematográficamente, sin ir más lejos en la reciente “Green Book”); o cómo la madre de Pedro le insistía en vida con cómo quería que la amortajaran cuando llegase su hora final.

Es tal la sensación de biografía que transmite, que me hace pensar en quién puede estar basado el personaje de Asier Etxeandía. Mi intuición me hace pensar en Eusebio Poncela. Menos aventurero parece asociar a Nora Novas el papel de Lola García (más que nada, porque lo ha reconocido el propio Almodóvar). Pero son sólo conjeturas a modo de juego.

El tema de las drogas me parece demasiado remarcado. Puede valer su inclusión como subrayado de ese dolor incontenible que las drogas legales (bien machacaditas y mezcladas con yogur líquido) no pueden aplacar, pero creo que se incide demasiado en este tema y no aporta nada especialmente relevante a la trama. Además, para lo adelantado a su tiempo que suele ser Almodóvar, me parece que el tema racial peca de estereotipado con su asistenta del hogar latinoamericana, y los vendedores de droga de raza negra, el barrio al que acude el director para conseguir estupefacientes parece más propio del Bronx, con un episodio ultraviolento que ocurre casualmente durante su visita. Como visita al “top manta” de las drogas me parece mucho más conseguida aquella que realiza Candela Peña en “Todo sobre mi madre”, o la de “Átame” con una rabiosa Rossy de Palma como camella odiosa y adorable a partes iguales (por cierto, en la estantería que hay detrás de la mesa de despacho del director en la que Asier Etxeandía lee el relato de “La adicción”, hay una taza que juraría que lleva inscrito los rasgos faciales de la actriz picassiana).

El carácter reivindicativo de Almodóvar no podía quedar fuera de la película, como ilustra un “YO SÍ TE CREO” tatuado en uno de los muros, en clara alusión a la víctima de la manada, o la no velada acusación de egoísmo hacia los seminaristas católicos, capaces de analfabetizar a un crío con tal de obtener banales beneficios propios (de cosas peores ya fueron acusados en “La mala educación”).

En alguien con la presunta fama de egocéntrico y arrogante de Almodóvar, cabría esperarse un autorretrato más favorecedor y descompensado hacia las luces. En cambio, “Dolor y gloria” se inclina por mostrarnos a un ser humano débil y equivocado, herido en lo físico y en lo moral, y con glorias a las que reserva poca importancia, o en todo caso, recluidas en tiempos pasados. Hubiera sido un detalle curioso, a la par que valiente, haber introducido un pequeño apunte (bien de carácter autocrítico, bien justificativo) referente a los papeles de Panamá, que tanto revuelo causó coincidiendo con su anterior estreno.

La Filmoteca Española juega un papel importante en la película. Es evidente que están viviendo un romance mutuo en los últimos tiempos: hace poco se proyectó una retrospectiva con los 20 títulos dirigidos por el manchego; entre otras actividades, recientemente también se realizó la presentación de un libro que ilustraba la relación de Madrid con la filmografía Almodóvar. En la Filmoteca se proyecta una copia restaurada de “Sabor”, y como no podía ser de otra forma, es en la Filmoteca donde se realizó uno de los (al menos, 3) preestrenos de “Dolor y gloria”.

Las actuaciones, sobresalientes. Banderas se reinventa. Penélope recicla a la ya inmortal Raimunda, desnudándola de glamour pero quedándose con todo lo demás, exudando fotogenia incluso entre una ristra de chorizos. Julieta nos enamora con esa viejecita con los remos averiados pero la cabeza lucidísima. Todos de correctos para arriba. Pero son actores de los que no te esperas menos porque ya han demostrado todo lo demostrable en el pasado. En cambio, el que de veras me ha sorprendido, ha sido Leonardo Sbaraglia, actor al que había visto en pocas películas, y que pensaba tenía un registro más limitado, y que aquí se muestra como el súmmum de dulzura y humanidad. En la otra cara de la moneda, a Asier Etxeandía no llego a verle despegar, y aunque he leído en reiteradas opiniones que su monólogo es de lo mejor de la película, lo cierto es que me desvirtúa un poco la excelencia actoral del film, además de verle demasiado joven para el papel.

Los actores noveles resultan sorprendentes. El niño emana una frescura que ya quisieran los críos de “La mala educación” (además de hacer mucho mejor el playback en los cánticos del coro), y el albañil cateto se desenvuelve con gracejo y tiene un atractivo inconsciente que provoca admiración y desmayos en toda la platea.
(continúa en spoiler)

Yo normalmente visiono las películas tumbado en el sofá, con las piernas tan enredadas que parezco un cubo de Rubik. Pero esta vez, ya que es mi película favorita, para preparar la crítica, me senté frente al portátil para ir haciendo anotaciones. Hasta me puse las gafas para no perder ningún detalle. Sólo me faltaba un cigarro para dar el pego como un tertulian de Garci, pero mi casa entera es un espacio sin humo, así que ese último requisito me lo salté.

La historia básica es sencilla, pero encantadora: el patito feo que cuando llega a ser cisne, se da cuenta que quiere volver a ser el patito feo (y más feliz) de antaño.

A mí me parece que la película tiene dos grandes bazas a su favor: un guión inteligentísimo y un reparto increíble en permanente estado de gracia.

Todo el metraje tiene unos diálogos inspiradísimos, pero por comentar algo en concreto, hablaré sobre la primera parte. Básicamente, se puede reducir dicha historia al enfrentamiento entre el bando de las guapas por fuera y feas por dentro, y el bando de las feas por fuera y guapas por dentro. He de decir que según vas conociendo a los personajes mejor, esta definición va cambiando: las feas no lo son tanto, y empiezas a verlas más atractivas según avanza el metraje; por el contrario, las supuestamente guapas, dejan de serlo, su estupidez las convierte en repelentes troles.

A lo que iba, el enfrentamiento entre ambos bandos. El guionista (y a la par director) podría haberse conformado con una secuencia en la que se viera esto, pero por el contrario, hace que la gran batalla se desarrolle con varios combates simultáneamente:

-El rechazo de Rhonda (la amiga) a unirse con las petardas, prefiriendo quedarse con Muriel.
-A la vez Rhonda les descubre la 'traición' de un miembro dentro de su propio grupo.
-El concurso musical en la isla de Hibiscus, en la que el grupo de las petardas hace un show soso y sin gracia, mientras que Muriel y Rhonda, hacen una coreografía de ABBA, para quitarse el sombrero. De hecho, son las ganadoras del certamen.
-En dicha actuación, incluso los chicos que acompañan a las petardas las ovacionan y se ponen en pie.
-Cuando el grupo de las petardas echa a Muriel del grupo, ésta se pone a llorar desconsolada. Entonces las petardas se avergüenzan porque la gente del pub les está mirando. Pues bien, después, en la actuación de la canción de ABBA, dos de ellas se ponen a pelear, incluso tiran la mesa al suelo, y ahí sí que montan un espectáculo lamentable, digno de las desaparecidas Crónicas Marcianas.
-Por si esto fuera poco, todavía queda una referencia bélica más: de entre el amplio catálogo de canciones del grupo ABBA, ¿cuál es la que elige el director para que bailen nuestras chicas? Cómo no… Waterloo, no podía ser otra.

Reconozco que es una película que me llegó al alma, no sólo por méritos propios, sino por dos factores personales:
-Por un lado, me pilló en un momento de mi vida, en el que tenía que decidir mi círculo de amistades entre un gran abanico de posibilidades, decisión que me parece de gran trascendencia. Y esta película me ayudó a valorar lo importante de las personas, no lo banal.
-Por otro lado, os confesaré que mi madre, o sea, la Mamma Mia, tiene un enorme parecido físico con la actriz que hace de madre de Muriel. Es por eso, que cuando ésta se suicida, al verse ninguneada por su marido, los flojos de sus hijos e incluso de su querida Muriel, se me parte el alma, es algo que no puedo evitar. O al ver lo insulso de su existencia, como cuando se queda medio lela mirando el vaso girar dentro del microondas.

Al ser tan forofo de la peli, llevo años indagando por internet, y he de deciros que la frase que le espeta la hermana en varias ocasiones: Eres mala Muriel (You´re terrible, Muriel, en el original) es todo un hito en Australia y otros países anglosajones. Me figuro que algo así como el “Cuñaaaoooo!!!” en nuestro castizo país. Como anécdota, también os diré que el hecho de poner la canción de ABBA “I do, I do, I do…” (algo así como decir “sí quiero” varias veces) se ha repetido en multitud de ceremonias nupciales. En contrapartida, la bellísima canción Bridal Dancing Queen (versión instrumental del Dancing queen) es usada en multitud de actos funerarios (de hecho a mí me encantaría que cuando me llegue la hora dicha canción me acompañara en mi último viaje.

El chico nadador, guapísimo, pero opino que debería haberse quedado con el otro chico del videoclub, que le fue siempre leal, e incluso sufrió asistiendo a la boda de la mujer que amaba y que se casaba con otro.

No creo que se le pueda reprochar a Muriel sus ansias por encontrar un hombre. Yo creo que su fanatismo por las bodas, es más en plan romántico, más afán por casarse, por la ceremonia y todo lo que conlleva, más que por el novio en sí. Esto lo confirma la secuencia en la que se ve desgastando los cabezales del video de tanto rebobinar la boda de Lady Di (a la que Toni Collette años después representaría en otra peli), o al ver su habitación empapelada con fotos de trajes de novia, más que de chicos.

Lo mejor: las actuaciones, en especial las de Rhonda, Muriel y la madre, y en ese orden. Toda la banda sonora, destacando el ya comentado Bridal Dancing Queen (aunque todavía me están escociendo las 7000 pesetas que me valió el cd de importación, el único que me he comprado en mi vida (de importación me refiero), y ahora está disponible en la red y GRATIS (aysss Dios mío, ¿por qué no me otorgaste la virtud de la paciencia?), pero no me arrepiento, de tanto escucharlo lo tengo requeteamortizado).

Lo peor: que el año en que se estrenó en los cines yo no tuviera todavía muy desarrollado el instinto del buen gusto cinematográfico, es por ello que no la vi en salas sino en tv;
Que no provoque en la mayoría de la gente la explosión de sentimientos que provoca en mí.

Sensaciones agridulces. Soy un fanático de los musicales teatrales amén de sus versiones cinematográficas, así que tenía muchas ganas de verla. Pero no me ha terminado de convencer.

Puntos negativos:
- Los números musicales me han parecido de bajo nivel, muy del estilo de El otro lado de la cama.
- Las interpretaciones de las 2 monjas: la adulta me parece demasiado manida, muy vista ya. Y la joven lela no me la he creído ni me ha arrancado ninguna sonrisa, la veo muy artificial.
- Pero el fallo más acuciante de la película, está expuesto abajo en el spoiler.



Puntos positivos:

- Es una película muy fresca y diferente a lo que estamos acostumbrados a ver.
- Las interpretaciones (salvo la de las 2 monjas) son muy naturales y espontáneas (especialmente la de Anna Castillo).
- La mirada de Macarena te enamora quieras o no. ¡¡¡Pero qué tipa más guapa!!! El bodrio más insufrible merecería ser visto sólo por verla a ella.
- La música me ha gustado, tanto las versiones, como las canciones originales.



En resumen, el balance es positivo, pero me deja una sensación rara. Me ha recordado a las impresiones que sentí con Yo soy la Juani, donde la belleza y el desparpajo de una Verónica Echegui guapa a rabiar, junto con una BSO espléndida, me hicieron valorar la película por encima de sus virtudes objetivas.

Maravillosa película animada, repleta de bellos paisajes, una música encantadora, y una historia con miga. Adecuada para niños, pero muy "disfrutable" también por adultos.

A destacar la escena en la que uno de los protagonistas se arroja al rio. Nunca un suicidio fue presentado de una forma tan evocadora y sin crear ningún trauma infantil.

Eso sí, la sinopsis de Filmaffinity no es del todo correcta acerca del tema de la grulla y la sirena.