Les Chambres Rouges es un inusual thriller psicológico bastante inquietante y turbador, escrito y dirigido por el canadiense Pascal Plante el cual se revela como un director a tener en cuenta en sus próximos trabajos.

La película cuenta la historia de algunas jóvenes obsesionadas y fascinadas, al estilo groupie, con un despiadado asesino en serie, llamado Ludovic Chevalier, que está siendo juzgado por secuestrar, violar, torturar y desmembrar a tres adolescentes, grabándolo todo en video para comerciar las snuff movies en la dark web.

Este planteamiento sirve a Pascal Plante para realizar una interesante, sugestiva y aterradora mirada sobre la fascinación que provoca la maldad en la sociedad y la relación entre la tecnología, el anonimato y la violencia. Una sociedad en muchos casos obsesionada con lo truculento y malsano que emparenta directamente a los consumidores de la pequeña pantalla de un ordenador con psicópatas salvajes, creando una sugestiva simbiosis de retroalimentación. Siendo capaces muchas “buenas” personas de descender al averno más abyecto con tal de saciar su deseo de morbo enfermizo.

Pascal Plante se nutre fundamentalmente del cine de Michael Haneke y de referentes como Tesis de Alejandro Amenabar o The Killing of a Sacred Deer de Yorgos Lanthimos, para a través de una realización fría, aséptica y austera a la par que hipnótica, junto a un excelente uso del sonido y la banda sonora, y de un reparto que esta fenomenal, sobresaliendo enormemente las dos protagonistas, Juliette Gariépy y Laurie Babin Fortin, quienes llevan todo el peso de la cinta, brindarnos un singular, potente e incómodo thriller psicológico.

A pesar de todo lo bueno mencionado, la película no alcanza las cotas de grandeza y conmoción por dos detalles (no menores). Un montaje en algunos pasajes moroso que desequilibra el ritmo de la película, y un final, que se desmarca de lo visto a lo largo del metraje, que se vuelve convencional (y poco creíble) e improcedente para la turbiedad e insania contada.

Cuando Acecha La Maldad es una de las películas de terror más potentes, "malrrolleras" e impactantes de los últimos años. Sin duda, el gran título del género del 2023.

Demián Rugna, su director, se había puesto el listón muy alto con su anterior largometraje, la interesantísima y por momentos muy sobrecogedora Aterrados, pero lo ha superado con creces con esta nueva propuesta repleta de tensión, sangre y locura.

Historia de pocos personajes, ambientada en un lugar remoto y solitario de la Argentina rural en momentos pre-apocalípticos, pero con connotaciones sutiles de situación global, que trata de forma novedosa el manido concepto de los poseídos (aquí llamados embichados). Rugna plantea un universo repleto de reglas y misterios que se revelan parcialmente pero que no impide el interés y que las escalofriantes imágenes te atrapen desde el minuto inicial y no dejen de machacarte la retina hasta que te han convertido en un amasijo de vísceras y huesos.

Una factura técnica descomunal, magistrales los efectos de maquillaje, una dirección y puesta en escena que demuestran que Rugna conoce a la perfección todos los resortes del género y una banda sonora que ayuda a potenciar la sensación de locura salvaje que deambula por la historia, nos brinda una propuesta que sin ser perfecta deleitará a los fans del terror más exigentes.

Tal vez como elementos menos destacados podríamos citar: unos personajes (en general) repelentes y antipáticos que difícilmente hacen que se pueda empatizar con ellos, amén de estar continuamente tomando las decisiones más descerebradas (e incomprensibles), y un final que no está a la altura impactante del salvajismo e insania que se estaba anticipando. Lástima de ese coitus interruptus porque podríamos estar hablando de una cinta absolutamente gloriosa.

En definitiva, una propuesta sorprendente, brutal y sangrienta que muy seguramente se convertirá en un clásico moderno al cual volver una y otra vez, pues está repleta de detalles y matices que difícilmente se agotan en un único visionado y que muestra la sabiduría de Demián Rugna de coger elementos ya conocidos (Evil Dead, ¿Quién Puede Matar a un Niño?, Hellraiser o The Texas Chain Saw Massacre, entre otras) y los presenta baja un nuevo prisma tremendamente malsano, adictivo e hiperrealista.

P.D. Esto sí es una gran propuesta de cine de terror con mayúsculas y no lo que otros proponen (entiéndase David Gordon Green) prostituyendo y lacerando mitos del género con remakes/secuelas innecesarias (y pésimas).

Infinity Pool es Cronenberg al 110%, y es que Brandon Cronenberg no puede negar ser hijo de quien es y estar influenciado tanto por su padre, aunque muestra maneras propias, como de autores como J.G. Ballar, Bret Easton Ellis, William S. Burroughs o Chuck Palahniuk.

Infinity Pool es la historia de una pareja que viaja a un resort de lujo, ubicado en una isla remota, para encontrar la inspiración tanto profesional como marital que intuimos hace mucho desapareció. Un día conocen a una pareja de turistas que los invita a cenar y pasar un día fuera del recinto acotado del resort. Lo que empieza siendo una agradable velada en una playa paradisiaca va transformándose en una espiral de acontecimientos que van volviéndose más extraños, decadentes, lisérgicos, sexuales y perturbadores, hasta llevarlo todo al punto de no retorno.

Estéticamente, Brandon sigue evolucionando y se marca su película hasta la fecha más compleja, arriesgada, y que más me ha interesado. Está repleta de primeros planos y planos detalle, junto a muchas imágenes distorsionadas y gran uso de los colores para enfatizar cuanto acontece (fabulosa la fotografía de Karim Hussain). La música de Tim Hecker acompaña magistralmente la locura esquizoide que va invadiendo el relato y tanto la dirección artística como el montaje enfatizan aún más lo bizarro del mismo.

Puede que muchos espectadores no comulguen con las diatribas y filias demenciales del autor canadiense y se fatiguen de sus imágenes grotescas e idas de olla aparentemente gratuitas, pero, además de atraparnos en una maraña de potentes y estilizadas imágenes turbadoras, hay un trasfondo de crítica a la impunidad de las clases o élites sociales privilegiadas y a los impulsos ocultos del ciudadano medio atrapado en la mediocridad de su existencia que anhela y codicia sus sueños (pesadillas más insanas) incluso a costa de su bienestar, que hará reflexionar, incluso horas después de su finalización, a los que aguanten su visionado completo.

Un elemento destacadísimo de la película y que consigue mantenernos intrigados y con la retina fija en la pantalla es la entrega con la que todo el reparto se lanzan en carne viva a la osada y provocadora piscina propuesta por Cronenberg Jr. Destacaría dos actuaciones francamente impactantes y superlativas para lo que suele estilarse dentro del cine de género, como son las realizadas por Alexander Skarsgard y Mia Goth. Esta última brilla con luz propia, cada vez que está en pantalla lo eclipsa absolutamente todo.

En definitiva, Infinity Pool es una propuesta interesante, radical, compleja y alucinógena, que, pese a no ser perfecta, sí merece la pena zambullirse y hundirse en ella.

Aceptable regreso, sin más, del infierno cenobita y sus placeres prohibidos pero muy lejos de las expectativas creadas y de lo que un entusiasta de la Configuración del Lamento desea ver.

Desde que descubrí a Clive Baker a mediados de los 80 mi mundo cambio completamente, su debut cinematográfico y sus Libros Sangrientos me volaron la cabeza y me sumergieron en un universo perverso, sicalíptico, delirante, sangriento, doloroso y tremendamente placentero que nunca he abandonado.

La saga Hellraiser, lamentablemente solo cuenta en mi opinión con una película verdaderamente reseñable más allá de la original, que fue su continuación, Hellbound: Hellraiser II, donde Tony Randel junto al resto del equipo técnico y parte del reparto de la original daban una nueva vuelta de tuerca y expandían el imaginario planteado por Baker un año antes. Lamentablemente la falta de presupuesto y diversos contratiempos hicieron que no alcanzara las cotas de grandeza a las que apuntaba.

Después de aquello el páramo más absoluto, y con cada nueva entrega producciones más bajas y equipos técnicos y artísticos más amateur. Parecía que la saga no podía descender más profundamente en el infierno (olvido).

Afortunadamente, David Bruckner, fue el elegido de traernos nuevamente el averno y esta nueva entrega vuelve a contar con un presupuesto aceptable y un equipo técnico y artístico competente. El resultado: la mejor entrega desde la secuela de 1988, lamentablemente dados los precedentes eso no es decir gran cosa.

Bruckner vuelve a demostrar su valía y buen hacer tras la cámara e imprime dinamismo y agilidad a la narración, la factura técnica: fotografía, montaje, sonido, banda sonora y los efectos, tanto de maquillaje como visuales, son más que aceptables (aunque en algunos pasajes habría preferido menos CGI), lamentablemente el guion no deja de ser un montón de lugares comunes (a veces sin sentido), algunos personajes carecen de carisma (fundamentalmente la protagonista Riley), el reparto cumple con su cometido, y en cuanto a la irrupción del dolor, la sangre y las vísceras, que todos ansiamos, ofrecen los mínimos exigibles. La sensación es que no han pisado el acelerador del gore (y el relato lo demanda a gritos).

En definitiva, una propuesta aceptable, que no aburre ni traiciona el espíritu de la obra de Baker, que trae nuevamente el infierno y a Pinhead a nuestras vidas, mejorando enormemente los productos infectos en los que había degenerado la saga, pero por desgracia no brinda las dosis de dolor, salvajismo y demencia que los acólitos de los cenobitas deseamos. Esperemos que la próxima vez que alguien juegue con la Caja de Lemarchand destape el verdadero infierno en la Tierra.

Una recomendación, a los que os deleitasteis con las dos primeras entregas de los cenobitas, devorad la publicación en castellano del libro: Los Evangelios Escarlata de Clive Barker, editado en ingles en 2015, y que es continuación de su novela corta The Hellbound Heart del año 1986 y que dio como fruto: nuestra idolatrada Hellraiser.

Crimes of the Future es el regreso de David Cronenberg a sus obsesiones orgánicas, las mutaciones y las conspiraciones más perturbadoras y enfermizas. Después de casi 20 años transitando por derroteros narrativos y artísticos tangenciales, aunque sin perder nunca sus señas de identidad, el cineasta canadiense vuelve por los fueros de la Nueva Carne (y en plena forma pese a contar con 79 años).

Crimes of the Future nos cuenta como en un futuro distópico y cuasi-apocalíptico, donde la especie humana está empezando a metamorfosear su estructura biológica, dos artistas de performance, Saul Tenser (Viggo Mortensen) y Caprice (Lea Seydoux), ofrecen espectáculos vanguardistas clandestinos de “transhumanismo” a espectadores adictos y deseosos de ver cómo algunas personas tienen la capacidad de generar cambios corporales. Todo ello en una situación paranoide donde confluyen grupos gubernamentales que tratan de detener estas manifestaciones meta-humanas y grupos subversivos al poder que tratan de revelar el verdadero “Nuevo Orden Cárnico” mundial. Puro regocijo estilo Cronenberg aderezado de pinceladas de J.G. Ballard, Chuck Palahniuk o Hubert Selby, Jr.

El delirio argumental, con cierta estructura narrativa que puede recordar al cine negro en algunos pasajes, es la gran excusa de Cronenberg para hablar de forma metafórica de la sociedad actual (como siempre ha hecho). Del impacto de los desastres ecológicos en el planeta, del imparable avance tecnológico y sus posibles consecuencias en la mente humana, de la pérdida de valores éticos y morales de la sociedad, del vacío existencial de nuestras vidas y de la banalidad y estulticia en la que algunos convierten el arte. Una amalgama de ideas que se yuxtaponen y entrelazan en diferentes capas cual nervios, órganos, sangre y pus. Una cinta compleja y oscura que requerirá de varios visionados para disfrutarla en su plenitud.

Deleitará sobremanera a los fans de la primera etapa del director y dejará frío o repelerá a quien no comulgue con estas propuestas más radicales y transgresoras. De lo que no hay duda es de la calidad técnica y artística del film. La dirección artística es minimalista e inquietante representando un mundo decadente y en descomposición a la par que ultra tecnológico, la fotografía es asombrosa y le confiere un halo de ensoñación lisérgica a la historia y el montaje es de una precisión quirúrgica absoluta que no te permite parpadear, y todo ello envuelto en una de las mejores partituras compuestas por Howard Shore. En cuanto a los actores, se nota que están entregados al proyecto y no dudan en lanzarse al vacío y seguir las indicaciones del demiurgo canadiense. Estando todos intérpretes soberbios, destacaría al trio protagonista: Viggo Mortensen, Lea Seydoux y Kristen Steward.

En definitiva, Crimes of the Future es una joya adictiva, hipnótica, oscura, transgresora y perversa que nos atrapa en sus 107 minutos de duración y nos acompañará mucho tiempo después de finalizada su proyección. Tal vez no sea todo lo extrema que a muchos nos habría gustado pero este regreso a la Nueva Carne es un plato exquisito que nos regala un puñado de escenas siniestras e inquietantes que se grabarán en nuestra mente como si de un tatuaje se tratara. Por desgracia, no es apta ni recomendable para todos los paladares.