Naturalidad. Verdad. Tratamiento luminoso de un tema trascendental, como es el no querer ser madre.

Película sencilla pero una joya

Es una película luminosa, aunque tiene de trasfondo un tema trascendental, el no querer tener hijos por parte de una mujer, treintañera sana, con pareja estable y con amigas todas madres.

Hay unas escenas de sueños, de animación con collage, recortes. Era una idea muy “exportable” la de plasmarlos con una creación de collage animado, de la artista chilena Maria José Garcés, coloridos, con elementos mezclados de collage digital de otra artista catalana Mónica Rull.

El guión es potente: una mujer que tiene claro que no quiere ser madre y se encuentra con una situación inesperada. Su relación, muy interesante, con su pareja, con su madre, con sus amigas treintañeras que todas son o quieren ser madre e incluso su relación consigo misma y cómo puede cambiar con la situación.
Dentro del guión hay silencios, gestos, las expresiones, miradas, importantes, que marcan la emoción a través de lo visual en lugar de a través del texto, sin que transmitan una sensación de lentitud sino al contrario, aportan mucho.
Cada amiga tiene su propia historia, plasma verazmente las relaciones entre amigas de una determinada edad en la que, para una mujer, el tema de la maternidad es “el tema”.

María, la protagonista, tiene un trabajo vocacional, es artista, pero dentro de un estatus social bajo. El cliché más típico de una mujer que no quiere tener hijos es porque se dedica a salvar vidas en África o a grandes colaboraciones solidarias que hacen que se le perdone que no quiera tener hijos, no ser madre. Sin embargo, dentro del mundo del arte, el apartado del collage es considerado un “arte menor”.

Otra protagonista es una perra, con discapacidad, una perra ciega. Que supuso todo un reto en el rodaje, porque el animal no tenía miedo a nada, se chocaba con todo, con el cuidado del equipo y de una adiestradora. Se eligió a una perra adulta con una discapacidad con el sentido de quitar clichés en la protagonista: el hecho de ser una perra con discapacidad daba una imagen de Lola como una persona que sí cuida, que sí quiere cuidar (aunque no quiera tener hijos). Lola no es una egoísta empedernida. Además la parte de que es un perro adulto para quitar la idea de que si no eres madre tienes que sublimar tu maternidad en algo. El perro no podía ser un cachorro, para que Lola no fuera “una mami del cachorro”, sino una persona adulta que sabe qué quiere (no tener hijos) y que sí es responsable de otro ser.

El papel interpretado por Enric Auquer (Bruno) es un hombre con responsabilidad afectiva, con encanto, pero de igual a igual. Es una pareja sana. Que sin hacer nada excepcional, acompaña a su pareja. Sin embargo llama la atención que al ver su actuación somos conscientes de lo poco que abundan los hombres de esta manera. Es llamativo lo bajo que tenemos el listón de la pareja en cuanto cómo debe ser el comportamiento de la masculinidad en la pareja. Tenemos muy poca expectativa sobre los cuidados que un hombre también puede ejercer. Siendo una pareja sana, tiene la base de que ambos pueden ser padres conjuntamente, que podría funcionar. Es una pareja que se lleva bien, aunque son muy distintos en la parte que ella medita mucho sus convicciones y él no tiene tan pensado las decisiones. Pero es una buena relación.

Es una película luminosa, aunque tiene de trasfondo un tema trascendental, más oscuro, como es el no querer tener hijos e incluso, más allá, el aborto. Tiene un tono alegre, colorida que huye del tono oscuro y traumático relacionado con el aborto, hablando de él de una forma tranquilizadora. La película pretende que lo traumático del aborto se desprenda de la estigmatización social que hay alrededor de él, que el trauma no provenga de la sociedad más que por el hecho en sí.

En la documentación para la realización del guión, hay cuestiones en las que le ayudó para el guión el contacto con una asociación llamada “las mujeres sin hijos”.

La película tiene momentos muy emocionales, como la historia de una de las amigas (Judith), que quiere ser madre sin pareja y vive transiciones duras por todo el protocolo que supone llevarlo a cabo y que incide directamente en el sentimiento de la actriz (Ruth Llopis) que lo interpreta y que, por sus propias convicciones respecto a la maternidad, transmite emoción real exteriorizando su sentimiento interior que llega plenamente al espectador.

El título de Mamífera proviene de que todas las mujeres son completas tanto si son madres como si no, y son mamíferas tanto si emplean esa característica con hijos o no, siendo el lugar común de las hembras.

La película ha sido muy bien acogida en Festivales como el de Austin (Texas) donde ha recibido premios, a pesar de estar hablada en un idioma que no conocen en EEUU (catalán) pero que llega a transmitir todo el interés del tema, la emoción y la convicción que tienen los protagonistas de la historia, tanto la pareja principal como las amigas que rodean a Lola.

Curiosa película cuando aún hay países en el mundo en el que una mujer no vale para nada si no tiene hijos, si no tiene un hombre, no tiene identidad.
Es una película muy necesaria, que viene en el momento preciso, para verla tanto por parte de mujeres como de hombres. Muy buena propuesta.

Una animación con colores y dibujos preiosos y una canción preciosa!!!!

La historia es bonita, sencilla, íntima y la niña un portento interpretando, pero ese formato 3/4 y los planos tan cerca son mareantes y cansinos.
Un entorno tan maravilloso como Cabo Verde y no lo muestran, una lástima.

Canción MES YEUX DANS TON REGARD

NILDA FERNANDEZ

Quand tu veux tu m'appelles
Tu connais mon numéro
45 12 20 00
Quand tu veux tu m'entraînes
En face de toi dans un bar
Comme autrefois j'ai envie de voir
De voir, de voir
Mes yeux dans ton regard
Mais s'il faut pour te plaire
Devenir presque un idiot
Je ne suis pas celui qu'il te faut
Laisse tomber ce qui pèse
Oublie les adieux dans les gares
Laisse-moi seulement l'envie de revoir, revoir
Quand tu veux tu m'appelles
Tu connais mon numéro
45 12 20 00
Et quand les années qui viennent
Te feront casser les miroirs
Garderas-tu l'envie de revoir, revoir
Revoir, revoir
Mes yeux dans ton regard
Revoir, revoir
(bis. bis. bis...)

Los espaguetis se pasan de tanto cocerlos.

Película fallidamente aburrida.

Los primeros minutos de esta película son descriptivos de todo lo que viene después: un sonido casi inexistente, sólo el ruido de fondo, un plano secuencia larguísimo de un primer plano del personaje en la calle, andando, cruzando el semáforo, llegando a un portal, subiendo una escalera, pasos por aquí, pasos por allá… lenta, lentísima.

Al mismo tiempo, llama la atención la sobriedad de la puesta en escena: blanco y negro, sin música, sólo con sonido de fondo real, plano secuencia, sin adornos en el decorado… pero sin más.

Un diálogo entre los dos principales protagonistas que, sin tener sentido, se alarga tremendamente y se repite hasta tres veces a lo largo de la película. Esa conversación inicialmente causa algo de interés, porque se nota que no se conocen entre ellos y, sin embargo, fingen llevar años juntos. Es como una actuación entre ellos, tal y como describe el título, es una función, un teatro entre ellos, por el que la cámara a plano secuencia va dando vueltas y tumbos pero que ni el texto ni la imagen se centran lo suficiente para mantener un hilo interesante que te atrape como espectador.

Desde el primer corte del plano secuencia de la película, que se produce más allá de los 20’ del comienzo, todo se vuelve a repetir y si ya resultaba poco interesante al principio, esta segunda vez cansa.

Es una lástima, porque Blanca Parés, actriz protagonista, suele ser muy solvente, chica joven pero contundente en su interpretación al nivel de la profundidad de su voz.

Se supone que las personas que acceden a ese piso van a ver una actuación en la que la chica va hablando sin parar, para que el invitado-espectador disfrute de la función y vea en ella lo que se imagine. El texto que interpreta es infinito y no tiene ni interés ni sentido.
No sé qué he visto.
No sé qué quiere contar.

Película desasosegante, original, entre comedia de humor negro y género terror. Notable.

Es muy acertada en el guión, en la puesta en escena y, sobre todo, en la elección del actor protagonista, con esa cara de panoli, con sus mofletes y ojos caídos, boca permanentemente semiabierta, bobaliconcillo.
Su trama, como si de la antecesora de “Dream Scenario” se tratara o si estuvera rodada por Quentin Dupieux, parte del absurdo de que, de repente, a un ciudadano normal, vulgar y corriente, hay gente que le agrede o ataca de manera brusca y bestial, como si transformaran durante unos minutos en zombis o en poseídos cuyo fin es matar a nuestro pobre protagonista.

Llega a crear una atmósfera que, dentro del tono de comedia o humor negro, te resulta desasosegante. Lo pasas mal previendo que su tranquilo paseo o sus movimientos de vida normal, va a ser interrumpido por un brutal ataque de la persona menos pensada. Consigue transmitir al espectador ese terror que él mismo sufre cuando le ve cualquier persona, temiendo que un desconocido le ataque.
¡Qué tensión cuando aumenta ese “virus”!

Tiene una escena muy intensa y perturbadora, con ese sutil tono cómico, de un cartero y el protagonista, en pleno campo, al lado de una fosa séptica.

Muy original.

Ahora bien, te preguntas, ¿por qué en toda la película no sale nadie utilizando unas gafas muy oscuras de sol?
Disfrutable.

Como un capítulo de Benny Hill, trasnochado, casposo y no merecido para Polanski

Polanski ha hecho nueva película: The Palace
Horrorosa, casposa, comedia trasnochada, aburrida, con bromas estúpidas muy pasadas de época.
Es como un capítulo de Benny Hill.
Polanski no se merecía esto y no es necesario.
Abyecto por ser quien es.