En mi opinión, estamos ante una película de terror fallida. Fallida porque en su mayor parte olvida uno de los elementos fundamentales del terror, la amenaza. Porque una amenaza que no supone peligro alguno no es una amenaza. Por muy pretendidamente enervantes que sean los ruidos que produce la casa o los cierres repentinos de puertas. De ahí la absoluta falta de suspense y tensión que hay a lo largo del film. A esto tampoco ayuda lo rápido que se resuelve el misterio que hay tras los sucesos paranormales que asolan la casa y el escaso encanto de éste. Sin embargo, si hay algo verdaderamente incomprensible es lo poco desarrollado que está el mayor impacto emocional del film y que se encuentra en la primera escena (SPOILER).

Es innegable la influencia que ha tenido esta película en lo estético y narrativo en muchas obras posteriores. Pero más allá de esto, estamos ante una cinta que ya no sólo palidece ante las grandes del género, sino con otras propuestas similares, igual o aún más humildes que ésta.

A día de hoy, hace ya 9 años que la trilogía original de Toy Story concluyó con la excelente tercera entrega. Aquella película no sólo supuso un brillante cierre para la saga, sino que también resultó ser la última gran película de Pixar, que jamás ha vuelto a alcanzar semejantes cotas de calidad en ninguna de sus producciones.
Toy Story 3 marcaría el inicio de la decadencia de la compañía de la lampara, que des de entonces no ha parado de estrenar películas cada vez más descafeinadas y numerosas e insípidas secuelas.
Toy Story 4 no es solamente una entrega innecesaria para una saga perfectamente cerrada, también es la demostración más clara del evidente deterioro que sufre Pixar des de hace casi una década.

A estas alturas de la película, decir que el trabajo de animación de Pixar está a años luz del de la competencia es una redundancia. Los efectos de partículas, texturas, reflejos… Todo luce excepcional. En especial en el prólogo. Sin embargo, creo que des de Blade Runner 2049 que no veía semejante despliegue técnico al servicio de un guión tan sumamente pobre.

Se ha dicho por ahí que esta entrega es la más adulta y reflexiva de la saga. La verdad, no lo creo. Más bien diría todo lo contrario. La película basa su principal conflicto en una nadería y, a partir de ahí, desarrolla una trama forzada y simple que va dando bandazos de un lado a otro hasta llegar a su conclusión. En este sentido, me recuerda a otra película de la compañía, Inside Out. En ella, el conflicto principal también era más que endeble, lo que acababa por lastrar todo el desarrollo posterior de la trama.
En Toy Story 4 todo se siente impostado e infantil. Y con infantil no me refiero a que vaya destinada a un público formado por niños, sino a la mirada de sus autores, que es plana y obvia. Se habla mucho de autoconsciencia por su parte, pero si los autores de verdad fueran conscientes de lo que se traían entre manos se darían cuenta de que todo lo que tratan de explicar ya fue expuesto, con mucho más talento y saber hacer, en la trilogía original, y sin necesidad de llamar la atención sobre ello con tal de aparentar una supuesta reflexividad. El sentimiento de pérdida y abandono, el verdadero sentido de la amistad, el verse substituido de tu entorno social más cercano por un nuevo miembro, el inexorable paso del tiempo como detonante de un cambio de ciclo en la vida y mucho más que me dejo en el tintero. El mayor problema del film no recae tanto en los elementos que aborda sino por la forma en la que lo hace.

A los guionistas de Toy Story 4 no les importa desvirtuar la personalidad de los personajes originales con tal de contar lo que a ellos les interesa, siendo Buzz Lightyear uno de los principales damnificados. Sólo hay que comparar como la segunda entrega y esta cuarta abordan dos situaciones prácticamente idénticas donde el papel de Buzz es clave para darse cuenta de esto.
A parte, llama poderosamente la atención como siendo esta la entrega que más peso da a los diálogos, también es donde menos inspirados están. Mientras que antes estos eran breves, ingeniosos y certeros, ahora son vagos, redundantes y alargados; mientras que antes la trama siempre iba al grano sin andarse por las ramas, ahora se pierde en divagaciones y conjeturas que no llevan a nada; mientras que antes los nuevos personajes que se nos presentaban en cada entrega tenían carisma y algo que decir, ahora no son más que sosos e insustanciales chistes con patas.

En definitiva, Toy Story 4 no es la peor película de Pixar, ese dudoso honor corresponde a Cars 2, pero des de luego sí es la que mejor ejemplifica la deriva de esta compañía des de hace casi una década. Es triste comprobar la situación en la que se encuentra, viviendo prácticamente de las rentas del pasado. Un pasado que parece que jamas va a volver para nuestra desgracia.

Aprovechando que Netlfix ha anunciado que producirá la versión en imagen real de la serie, dejo aquí este alegato, en parte innecesario, pues las bondades de esta obra son bien conocidas, con el que quiero reivindicar, aún más si es posible, su lugar dentro de la ficción televisiva.

Cowboy Bebop, anime dirigido por Shinichirô Watanabe y estrenado el 1998, destaca, no sólo como una de las mejores series de animación de la historia, sino como una de las mejores series de todos los tiempos, independientemente del menosprecio que pueda generar en algunos el hecho de que se trate de animación. Un estigma que todavía pervive hoy en día.

La premisa de la que parte la trama es ya de por sí atractiva. Un grupo de cazarrecompensas viaja por todo el sistema Solar en busca de nuevas capturas con tal de poder malvivir de las recompensas conseguidas. Sin embargo, los tripulantes de la Bebop, nombre de la nave en la que viajan nuestros cazarrecompensas, guardan secretos de un pasado turbio que aún resuena en sus cabezas y del cual son incapaces de escapar.
Fuera de ese envoltorio Retro-Sci fi, la serie es deudora principalmente del cine negro americano de los años 30 y del western en lo que a estilo y tono se refiere. Y, en menor medida, también se deja notar la influencia del subgénero de artes marciales y el de samuráis tan típico de Kurosawa.

De este popurrí de géneros y subgéneros Watanabe realiza una obra de gran complejidad emocional, valiéndose de una puesta en escena tan arrebatadora como espectacular. De Cowboy Bebop diré que es la serie con mejor dirección y montaje de la historia, así de buena es. Ni siquiera series tan admiradas en cuanto a estos aspectos, como Breaking Bad o True Detective, están a su altura. Algunos dirán que esta comparación es injusta, pues la animación utiliza metodologías distintas a la imagen real. Pero yo no lo veo así. Al final, tanto el uso de la cámara como el de la animación sirven como herramientas de las que se vale el director para llevar a cabo su obra, pues el lenguaje artístico empleado es el mismo, independientemente de la herramienta que se utilice. Y, en este sentido, la riqueza cinematográfica de Cowboy Bebop está fuera de toda duda.

Watanabe, valiéndose del también extraordinario guión de la serie, retrata a los personajes con una gracia y una sutileza asombrosa sin recurrir a efectismos y florituras. Algo que, por otro lado, invita al revisionado de la serie, ya que los matices y detalles son tantos que difícilmente los pillaremos en un primer visionado, pues esta es una obra donde todo tiene su eco. Sin embargo, la serie no es sólo excelente en cuanto a drama, también lo es en cuanto a acción, digna del mejor Tarantino, y comedia, especial atención al capítulo de las setas psicotrópicas. Y, como si lo anteriormente dicho fuese poco, la serie cuenta con uno de los mejores finales que se hayan visto nunca en la pequeña pantalla, de una emotividad y espectacularidad inalcanzable para casi ninguna otra serie.

Por último, destacar también la brillante e inolvidable banda sonora a cargo de los Seatbelts, dirigidos por Yoko Kanno.

En definitiva, una obra imprescindible para todo aquel que se considere cinéfilo y a la que siempre hay que reivindicar.

Antes de leer la crítica, recomiendo encarecidamente el visionado de la película.
“En realidad, nunca estuviste aquí”, película dirigida por Lynne Ramsay y estrenada en 2017, destaca como una de les más peculiares e interesantes propuestas cinematográficas de los últimos años. Joaquin Phoenix se pone en la piel de Joe, un violento exmilitar y ex-FBI que vive marcado por los fantasmas del pasado y que trabaja resolviendo turbios encargos.
El argumento, como se puede ver, es bastante típico y no es más que una excusa para que Ramsay realice, mediante el uso de la dirección y el montaje, una metáfora audiovisual sobre la percepción que se tiene del entorno a través de la mirada de una persona con desequilibrios mentales. Es decir, el interés del film no recae en la historia en sí, sino en cómo se explica.
Ramsay, consciente de los problemas que genera este condicionante, plantea una serie de decisiones formales tan arriesgadas como coherentes con su propuesta.
Para empezar, la película adopta un punto de vista completamente subjetivo, hecho que obliga al espectador a vivir todos los acontecimientos que ocurren a lo largo del film a través de la deformada percepción de la realidad que Joe tiene del entorno que le rodea.
Películas protagonizadas por desequilibrados mentales como Shutter Island o Taxi Driver también se valen de este recurso. El matiz diferenciador recae en que Ramsay aprovecha este recurso de tal modo que el espectador es incapaz de discernir del todo si lo que está viendo es real o forma parte de la imaginación de un demente, dejando que sea el espectador el que interprete libremente que es lo que está pasando. Algo que contrasta con los anteriores ejemplos u otras propuestas similares, donde, por muy deformada que esté la percepción de la realidad de los protagonistas, hay un mayor esfuerzo por diferenciar lo imaginario de lo real, dejando menos espacio a la interpretación del espectador.
Ramsay sabe que la mente humana tiene una gran facilidad para desconectar de la realidad inmediata, dejando volar nuestra imaginación y difuminando la percepción del entorno que nos rodea. Por tanto, configura el montaje de la película en base a esta idea, haciendo que recuerdos, pensamientos y elucubraciones de Joe se entremezclen y, además, estén condicionadas por su incapacidad de discernir entre lo real y lo imaginario.
Todo esto queda reforzado gracias a un inteligente uso del fuera de campo y un gran trabajo de sonido, destacando sobretodo en las escenas de mayor violencia, ejecutadas de una manera muy alejada de lo habitual hoy en día.
Quizá, la mayor pega que se le puede sacar a la cinta es que al estar Ramsay más interesada en la forma que en el fondo, al final se vale en exceso de las convenciones de un subgénero tan desgastado como el de los justicieros urbanos, haciendo que el relato pierda frescura pese a lo extraordinario de la puesta en escena. Sin embargo, estamos ante una película atrevida y arriesgada a partes iguales. Una muestra de que, en el cine, al final lo importante no es lo que se cuenta, sino cómo.

No tenía pensado escribir nada sobre la primera serie de Movistar+ en su apuesta por la ficción nacional televisiva, pero viendo las críticas vertidas en la web y las barbaridades que se dicen en ésta, creo que es hora de hablar sobre el espectador medio de este país y la visión que tiene de su propio cine y de la ficción audiovisual en general.

No miento si digo que el público español, o al menos gran parte de él, es uno especialmente acomplejado e hipócrita. Sólo hay que escuchar cómo se repiten una y otra vez las mismas palabras de siempre dentro de las ya también manidas y rancias frases sobre nuestro cine, como si de un dogma de fe se tratase. Españolada, tetas y guerra civil componen la santa trinidad del buen detractor de nuestra ficción. Este conglomerado se divide básicamente en dos grupos: El del españolito de a pie, con un bagaje cultural más bien pobre, pero sin ínfulas; y el de los supuestos entendidos, gente con un bagaje cultural superior al anterior, pero con una visión limitada del medio y extremadamente narcisista en sus opiniones. De estos dos grupos el peor es el segundo con diferencia, ya que el primero, al menos, no trata de dárselas de objetivo ni alecciona a nadie. Es ese tipo de persona que tiene a Nolan en un pedestal, que considera juego de tronos la mejor serie de la historia y que decir lo contrario es blasfemia o determinado tipo de usuario que suele pulular por filmaffinity. Ya sabéis, aquel que escribe en base a una anécdota que ha vivido y que poco o nada tiene que ver con lo que critica; aquel que puntúa con unos o dieces una serie sólo habiendo visto el primer episodio; aquel que deja aflorar sus prejuicios cuando se enfrenta a una película que trata temas espinosos o incomodos con mayor o menor fortuna, vomitando su indignación en la web al ver que la película no valida su opinión sobre determinado tema; aquel que crítica cualquier cosa que no se ajusta a los cánones narrativos y visuales que acostumbra a consumir, protestando como un niño mimado al que no le han dado lo que él pedía. En definitiva, gente con la capacidad analítica de un mendrugo de pan. De hecho, sólo hay que ver lo ingeniosos y desbordantes de imaginación que son algunos de los titulares de las críticas: El truño postnuclear, Mala y aburrida, AMAR EN TIEMPOS REVUELTOS RADIACTIVOS (ASÍ, EN MAYÚSCULA, POR SI ALGUIEN NO LO VE); Floja, lenta y sin sentido (éste es especialmente gracioso porque dice que sólo ha visto los dos primeros capítulos, tocotó). Y así está el patio. Nunca he entendido el por qué perder el tiempo en hacer una crítica de algo que te repugna tanto. ¿Para qué? Mejor sería que emplearas el tiempo libre en otras cosas más productivas y menos tóxicas.

Resulta penoso ver cómo esta apuesta de Movistar+ por un nuevo tipo de series en nuestro país, una que se libera de las restricciones que las cadenas generalistas imponen a sus series como el formato de 70 min o que sea para todo el público, es criticada con los mismos argumentos de chichinabo de siempre de gente que opina sin saber ni de lo que habla.
La zona no es sólo una serie bien escrita, gracias a un guión denso que sabe dosificar la información a cuentagotas y mantener el interés, además tiene una puesta en escena trabajada, está estupendamente interpretada por un buen reparto y cuenta con un trabajo de investigación apabullante que casi ha tardado un año en reunirse. Trabajo que por cierto se ve muy bien reflejado tanto en el guión como en la ambientación. Lo peor que se puede decir es que hay escenas en las que se recrea en exceso y el hecho de que le cuesta coger ritmo. Aunque esto se debe a que la serie está más interesada en mostrarnos de la forma más realista posible el día a día de unos personajes después de sobrevivir a un accidente nuclear que en trazar una trama maniqueísta.

En definitiva, la zona es una serie que difiere de otras producciones semejantes al darle un tratamiento lo más realista posible a un contexto proclive a los elementos más sobrenaturales y fantasiosos.