Tras mudarse con su pareja a un nuevo hogar, Mila se da cuenta de que su pérdida de deseo se encuentra en sí misma.

Es con este comienzo que Elena Martín, directora y actriz en una interpretación genuina, explora el despertar y la frustación sexual de Mila en tres etapas de su vida, de la edad adulta a la infancia pasando por la adolescencia.

Con la urticaria como termómetro e hilo conductor de la somatización de sus problemas sexuales y el agua del mar, como purificadora y redentora de sus males y tabúes.

Mila tiene quince años y no disfruta de su primer amor. Mila es adulta y no es capaz de tener sexo sin imaginarse que tiene otra pareja. Mila tiene cinco años y solo quiere pasar tiempo con papá. Tres realidades, tres historias, encauzadas para explorar los orígenes de un trauma sexual.

Creatura es sorprendente, incómoda e intimista - una propuesta que explora y deshace de forma introspectiva los tabúes emocionales en las relaciones de pareja y de familia desde una perspectiva genuinamente femenina.

Desde un prisma masculino, es díficil conectar y empatizar con la película. A lo largo del film, la masculinidad está presentada como instintiva, cobarde, incapaz de lidiar con los váivenes emocionales de la protagonista.

En su búsqueda de la verdad, de comprenderse mejor a sí misma, Mila se encuentra con la incomprensión masculina. Un novio que se refugia en su falta de empatía y de sensibilidad. Un padre, que huye del conflicto relacional y que opta por respuestas evasivas, vacuas.

“Está bien hablar las cosas… Es muy propio de tu generación”, dice sin demasiada convicción el padre de Mila, la protagonista de Creatura, cuando ésta le pregunta si su proximidad física le incomoda.

Elena Martín nos presenta un nuevo horizonte, una nueva clave de lectura, un despertar femenino con una nueva narrativa del deseo sexual.

Dicho ésto, el film es lento con un largometraje demasiado extenso donde por momentos uno pierde el hilo.

Juzguen ustedes !

Estridente, compleja, intimista, Justine Triet propone una película audaz, penetrante y perspicaz. Un cine de autor acompañado de una narrativa potente para un desenlace sorprendente.

Una escena inicial aparentemente anodina abre el telón. Un chalet alpino en un pueblo remoto de la Saboya francesa nos presenta a dos mujeres, una escritora reputada y una joven estudiante conociéndose en torno a una copa de vino. En una tarde gélida de invierno. De repente, la versión instrumental, viril y misógina de P.i.m.p. de 50 Cent irrumpe de forma ensordecedora, atronadora en la conversación y el ambiente se incomoda, se tensa, se crispa. Como si de un hogar disfuncional se tratara.

Preludio de un desenlace inminente ? Tras un paseo matutino, Daniel encontrará con su border collie a su padre yaciendo en la nieve en un charco de sangre.

Desde ese momento, la muerte misteriosa de Samuel dará pie al inicio de un entramado judicial hiper mediatizado y sin freno para esclarecer las causas.

Anatomía de una caída nos revela la lenta y decadente caída en desgracia de una familia, el desplome de una relación en pareja y familiar resquebrajada por conflictos latentes insuperables. Fruto de un sentimiento de culpa por parte de Samuel (marido y padre) engendrados años atrás tras un accidente desafortunado donde el hijo Daniel pierde la vista. Y de un sentimiento de frustración colapsado por sus proprias elecciones de vida y el éxito literario de su mujer Sandra.

Viernes, 13 de Octubre 1972
Ninguno de los pasajeros aquella mañana era consciente de lo que iba a acontecer.
Toda la tripulación destellaba ilusión, inocencia, ambición y diversión a borbotones en el aeropuerto de Montevideo. Suspiros de un hasta luego. Adrenalina antes de la competición. Testosterona en vena.

Bayona arriesga con este remake de Viven para brindarnos una versión muy espectacular y a la vez intimista.

Tuma, uno de los personajes con más carisma, nos hace de narrador en off para contar esta historia de superacion colectiva.

No es un combate de hombre a hombre.
No es una guerra de trincheras.
El enemigo es otro.

Es una lucha de superación. Puro instinto de supervivencia. Minuto a minuto. Adaptación a la incertidumbre.

Cuál es la razón para continuar ante las inclemencias meteorológicas ? Qué mística para seguir creyendo ? A qué frontera moral atenerse en estas circumstancias ?

Bayona da con la tecla para transmitir esa sensación de claustrofobia, agorofobia, panico y empatizar en cada secuencia con el devenir de la sociedad de la Nieve.

Una epopeya mística, una oda a la amistad, un homenaje al esfuerzo colectivo, un recital de supervivencia.
La cordillera, infinita, sublime, escarpada y nevada, amenaza hasta el infinito.

72 días después, en un desafío al filo de lo imposible, 16 de los tripulantes son rescatados
Sobrevivir es existir.
Las montañas siguen ahí.
Nunca dejes de creer.

Así nos deleita uno de los personajes, Paul Hunham con una de las muchas excelsas citas de este ultimo film de Alex Payne, refrescante, virtuoso y entrañable, con la autenticidad ya de un clásico navideño.

Desde el inicio, el director nos sumerge en una verdadera ambientación setentera – desde los actores hasta el vestuario y el escenario, la puesta en escena de esta comedia dramática cobra mucha fuerza acompañada desde el inicio con una banda sonora bastante mítica, con grandes clásicos desde The Wailers a Cat Stevens.

The Holdovers es una comedia entrañable, sensible, con momentos bastante hilarantes, ácidos y un buen toque de drama que gira en torno a temas tan diversos como el duelo de un hijo, el abandono de una familia, las cuestiones sociales de la época (raza, clase y Vietnam) o incomprensión misma dentro de la sociedad de entonces.

Navidades 1970, internado de jóvenes pijos en Barton. Paul Giamatti -impresiona su actuación y sus monólogos repletos de satoris- interpreta a Paul Hunham, un profesor cascarrabias, irascible y fanático de las Meditaciones de Marco Aurelio. Angus, adolescente de familia burguesa, rebelde sin causa, solitario pero perspicaz. Y la gran Mary – muy creíble en su rol – la cocinera taciturna del establecimiento escolar, madre de todos sin quererlo, alcohólica desde el desayuno, y de luto por la pérdida reciente de su hijo en la guerra de Vietnam .

Estos tres personajes, bastante clichés pero imperfectos y nobles estereotipos para brindar los mejores momentos cómicos, se encontrarán fortuitamente durante las Navidades en el internado de Barton. Convertidos en cierto forma en parias marginados, reliquias de la sociedad, les une su pasado de tragedias personales, su soledad, su incomprensión, su abandono, su falta de fé.

Paul, gran orador y teórico, iniciara una suerte de viaje de redención hacia si mismo, estimulado por Mary, virtuosa de las gran verdades de la vida y Angus, discípulo sin quererlo, que le recordara sus oportunidades perdidas en la adolescencia.

Durante dos semanas, se convertirán en una suerte de familia de aventuras donde la convergencia de sus historias les llevara a explorar sus lugares comunes y una nueva tierra de oportunidades: un nuevo camino para Paul (fuera de Barton), un nuevo comienzo para Angus (para demostrar sus dotes académicas) y una nueva ilusión para Mary (para con su sobrina)

The Holdovers es un film cautivador, emotivo y muy real – un clásico navideño fiel a sus orígenes sin ser tramposo - te hace disfrutar, reflexionar y dentro del formato de comedia entrañable, es agridulce de principio a fin.

Como dice Paul a Angus en uno de los pasajes claves del film, “Si bien el estudio y comprension de la Historia es necesario, en la vida real, tu pasado, tu historia no dicta tu destino”

O como concluia Henley en su poema Invictus, “..Yo soy el maestro de mi destino, yo soy el capitán de mi alma”

Alea jacta es !

Christina Taubira estableció en 2014 en Francia la justicia restauradora. Una práctica histórica de uso en otros países occidentales que es complementaria a la justicia penal y que tiene como misión ser reparadora, conciliadora y terapéutica para las víctimas y los agresores. En definitiva, esta practica complementaria a la justicia penal tiene una vocación reconstructiva, de reparar los vínculos sociales y ahondar en los orígenes de las motivaciones de los crímenes, a la vez que en las consecuencias de los traumas psicológicos a las víctimas.

Este es la propuesta de la directora Jeanne Herry - un homenaje a la justicia restauradora con un elenco de actores franceses de primera categoría – Gilles Lellouche, Leila Bekhti, Miou-Miou,…el film es bello y preciosista, presenta a todos los personajes implicados en el proceso de la justicia restauradora – desde las victimas hasta los condenados y los trabajadores sociales. Nadie pone en tela de juicio el probablemente efecto duradero o conciliador que pueda tener esta práctica restauradora. Cierto es que la directora y los actores ofrecen momentos emotivos durante el film, con la fuerza de los diálogos, de algunos silencios,…

Pero la narrativa de fondo no convence – el film nada en la superficialidad de las historias de los personajes, y nos presenta un final demasiado feliz, no creíble, incoherente. Tampoco presenta una reflexión real en el impacto verdadero y la eficacia de la justicia restauradora. Parece mas un alegato idealista, en cierto modo ingenuo por parte de la directora que pretende vender una imagen demasiado buenista del sistema, ridiculizando incluso a las víctimas o los agresores.

Probablemente “Je verrai toujours vos visages” hubiera cobrado más fuerza y convicción si se hubiese presentado como un documental, con una reflexión crítica después de casi 10 años de instauración en Francia. Con historias reales de gente común, anónima y golpeada por la dureza de la existencia.

En definitiva, la película es entretenida, puede conmover en algunas escenas durante las reuniones del proceso de mediación, pero resulta tramposa, y peca de neutralidad y reflexión critica en cuanto al fondo del mensaje que pretende transmitir.