El nuevo proyecto de Zerocalcare no deja indiferente. Con una apuesta atrevida por la trama, la miniserie compone una crítica social constante. El autor ya demostraba ambición en su previo trabajo, “Cortar por la línea de puntos”, y regresa de nuevo a la pantalla con esos míticos personajes tan pintorescos y cercanos al mismo tiempo.

Tiene un ritmo incansable, personajes frescos e historias desgarradoras, todo lo que una buena serie necesita. La música, la animación, el humor, todo está medido al detalle en dosis perfectas de drama y comedia.

En definitiva, el talento del creador reside en su facilidad para ordenar todos los pensamientos caóticos que se nos pasan por la cabeza y darle forma a una historia que resulta conmovedora a la vez que controvertida.

El nuevo proyecto de Mia Hansen-Love deja un sabor de boca agridulce. La propuesta de Hansen parte de una ambiciosa premisa humanista, mostrándonos a un antiguo profesor de filosofía con una enfermedad neurodegenerativa y a su hija, Sandra, una Léa Seydoux que a ratos parece cargar con todo el peso de la película.

Tristemente, la grandeza del largometraje se reduce a una sola frase que dice el personaje de Léa a su hija de ocho años: “Me siento más cerca de mi padre cuando veo estos libros que cuando lo veo a él. Lo veo más en esta biblioteca que en la persona que hay en la Ehpad”. En los libros “está su alma”, como dice Sandra, y es realmente lo único que queda de él cuando pierde su memoria. Así, cuando su hija le pone un disco de su pasado, el padre queda abrumado por el peso de memorias que ha olvidado. “Demasiados recuerdos”, dice antes de que Sandra quite la canción.

Hansen adorna todo esto con un idilio adúltero entre Sandra y un amigo de su pasado, pero, más allá de eso, la película carece de ningún tipo de giro argumental (si a esta trama amorosa se le puede llamar así). La protagonista intenta llenar el vacío que deja su padre (que solo está presente físicamente) refugiándose en los brazos de un hombre casado y con hijos. Un intento por abordar temas como el desamor, el deseo y la soledad que se queda en una distracción de la trama principal. La propuesta es buena, pero le falta profundidad.

En definitiva, “Una bonita mañana” es la sombra del gran largometraje que podríamos haber presenciado. Con un planteamiento pausado e introspectivo, su brillantez queda eclipsada por un guión plano y sin despuntes. El resultado es una cinta insípida, monótona, que llega incluso a generar compasión por la obra que podría haber sido.

La última película de Joachim Trier es un vivo retrato de la "modernidad líquida" que teoriza Bauman en su obra. El filósofo decía que “el arte de romper relaciones y salir ileso de ellas supera ampliamente el arte de componer relaciones”, y es que, como una relación que se ha roto, es imposible salir ileso de la sala de cine tras ver esta película.

Es innegable la habilidad de Trier para enaltecer lo mundano, para enfatizar la rutina en una antinomia magistral. La protagonista de la película lucha, de manera inconsciente, contra esa rutina en la que acaba cayendo por el impulso de la "sociedad líquida" que define Bauman. Vemos cómo Julie, nada más comenzar el filme, está completamente perdida. Prueba una cosa detrás de otra, sin lograr encontrar algo que la llene plenamente. Comienza a estudiar medicina simplemente porque tiene buenas notas y puede entrar en la carrera, pero se da cuenta de que no es lo suyo y decide probar con la psicología, para luego decantarse por la fotografía, sin que nada de eso llegue a contentarle realmente. El personaje de Julie vive la frustración de una insatisfacción enquistada en el mundo posmoderno. Así, podemos llegar a comprender que ese narcisismo o egoísmo en los que se disfraza la personalidad de Julie no son más que un intento desesperado por encontrarle un sentido a su vida. Es más, las relaciones de su personaje no dejan de ser consecuencia de su imperiosa urgencia por encontrar su propio lugar en el mundo.

Este es el encanto de la película, que presentada en forma de tragicomedia romántica sabe reunir todo aquello que nos remueve las entrañas, que nos recome por dentro. Trier es capaz de reducir toda una montaña rusa de emociones a una cinta de 128 minutos en los que nos reímos y lloramos con todas nuestras dudas existenciales y todos nuestros miedos plantados delante de nuestras narices. Ese es su talento. Al fin y al cabo, la película es un encuentro cara a cara con todo lo que nos negamos a enfrentar. Es un encontronazo con la realidad del carácter efímero, "líquido", del cuento que nos vende la sociedad, de un estándar de vida que se supone que nos tiene que llenar y que, cuando no lo hace, asusta.

Pero es que, a Trier, este matiz existencial del relato le sabe a poco y, para más inri, se atreve a presentarnos todo esto envuelto en una esfera cómica. Sin duda, los tintes de humor negro que adornan toda la secuencia son quizá lo que mejor hace funcionar a una película de este género. La maestría del director se escuchaba en las risas, pero también en los silencios ensordecedores que llenaban la sala. Una vez más, las decisiones de Trier son un acierto en mayúsculas, desde la elección del elenco (con una deslumbrante Renate Reinsve) y la construcción de los personajes hasta la composición de un guion feminista medido al detalle.

En definitiva, la película es una reflexión sobre la huella que dejan los demás en nosotros; sobre cómo, sin saberlo, somos el conjunto de todas las personas que han pasado por nuestra vida.
En su obra, Bauman decía: “el amor es la supervivencia del yo a través de la alteridad del yo”. Y es que somos esa parte que sobrevive cuando alguien nos abandona. En cuanto a esta película, es solo un ejemplo más de cómo cualquiera de nosotros puede llegar a ser la peor persona del mundo.

“Her” es una película que parte del tópico tema del amor y el desamor para llegar a adentrarse en temas mucho más complejos como puede llegar a ser la capacidad sensorial del ser humano, el distópico tema de la Inteligencia Artificial o lo que podría ocasionar la interacción y convivencia entre ambos. La película es, en última instancia, un test de Turing al espectador. ¿Podríamos nosotros reconocer que la voz ficticia de Samantha (el sistema operativo) proviene de una máquina? ¿Seríamos capaces de asumir que Samantha es un producto creado por otro ser humano, con la única función de servir al cliente? ¿O también caeríamos engañados por su encanto?

Spike Jonze parte de un sentimiento tan puro como el amor para llegar a “incomodar” al espectador. ¿Puede un humano enamorarse de un SO? La película nos muestra que “querer” es una idea que está en la mente, en los recuerdos, sentimientos y sensaciones que van brotando en nosotros; “querer” es recordar todas esas sensaciones que nos provoca alguien, o algo en este caso. Y, queda visto, que no hace falta un cuerpo para transmitir y recibir esas sensaciones. Ocurre lo mismo cuando una persona muere. ¿Se deja de querer a esa persona? Por supuesto que no, y no hay cuerpo. Pero la seguimos queriendo por esos recuerdos y sensaciones que nos ha dejado esa persona.

Pero por el contrario, ¿puede una máquina enamorarse de un humano? En la película no queda claro si el SO realmente sentía algo por el protagonista o simplemente estaba programado para satisfacer las necesidades de Theodore, que en ese momento se encontraba en pleno trámite de un divorcio. Al final del largometraje se puede ver, no obstante, cómo Theodore mantiene una conversación con Samantha en la que esta reconoce estar hablando con miles de usuarios más.

Otro debate presente en la película es el vínculo entre la tecnología y la soledad: ¿la fomenta o ayuda a superarla? Es curiosa la primera pregunta que le hace el SO al protagonista: ¿Eres social o anti-social? Del mismo modo, podemos ver reflejado otro de los síntomas del uso de la IA (la pérdida de creatividad) en el trabajo de Theodore, empleado en una empresa que se dedica a escribir la correspondencia entre parejas.

Ante todo, “Her” es una metáfora de lo que es real y no real. ¿Qué es real? Algo es real si te hace “sentir”. Con este trasfondo, la actuación de Scarlett Johansson adquiere una relevancia inusual, pues ha demostrado que no es necesario que un actor salga en pantalla para hacer un buen papel. Su voz sugerente, atractiva y emotiva hace que nos la imaginemos a cada momento. Alcanza una idónea conexión con su personaje.

“Her” es, en todos los aspectos, una producción llena de vida, de todo lo que conoce Samantha a través de Theodore, de cómo se encuentra a sí misma entre “ese espacio infinito entre las palabras” y de “cómo a veces piensa que ha sentido todo lo que va a sentir”. Es un reflejo de las inquietudes que un ser humano se plantea a lo largo de su vida, de sentimientos y pensamientos que nos atormentan frecuentemente. Es un reflejo humano, recogido en forma de Inteligencia Artificial.

“The Midnight Gospel” es, sin duda alguna, el nuevo proyecto de animación más prometedor en lo que va de este 2020. Partiendo desde una idea simplista, aunque atractiva de por sí, se transforma en una completa locura conforme avanza la serie.

Un presentador de podcasts espaciales viaja, a través de un simulador, a distintos planetas donde entrevista a personajes de lo más alocados, desde el presidente de lo que parecen los Estados Unidos hasta la misma Muerte. Entre provocativos juegos de color, cada capítulo se va desarrollando en torno a extensas conversaciones arrítmicas que contrastan con la velocidad de la trama del capítulo. Esto es quizá lo más chocante de la serie, lo que la diferencia de otras animaciones como Rick y Morty, que ya cuentan con el atractivo de los personajes y los multiversos que presenta.

Por otro lado, esta serie no presenta su humor a través del diálogo (como puede ocurrir en la mayoría de producciones del estilo), sino en lo que ves a través de él. De esta forma, lo que ocurre de fondo es quizás igual de importante que la propia entrevista, lo que otorga mucha más complejidad al capítulo.

Termino resaltando de nuevo el formato de la serie, que avanza a través de complejas conversaciones sobre la vida, la muerte, el tiempo, la realidad, el amor, etc; conversaciones en las que el protagonista habla de sus emociones y sentimientos mientras debate temas tabúes con el entrevistado, cuyo planeta está en pleno caos.

Quizá no sea una serie que pueda gustar a todo el mundo, pero sinceramente le daría una oportunidad.
En su disfraz de psicodélica serie de animación, “The Midnight Gospel” es, al fin y al cabo, un “reminder” a todos sus espectadores de lo que significa estar vivo y tener sentimientos.