"Los niños de Winton" está caracterizada por una maestría técnica indudable, como suelen estilar los productos históricos del país insular. Acompañado a ello, otorga unas interpretaciones de gran calibre. Destaca primordialmente una Bonham Carter que no pierde su esencia. Comprometida con su trabajo, ofrece una labor actoral seria, pero con su toque entrañable icónico.

La trama primeramente resulta poco cautivadora al ser la enésima revisión de los acontecimientos sucedidos en continente europeo durante la década los 40 del siglo pasado. De todos modos, bien es cierto que es un suceso en pocas ocasiones mostrado. Sin embargo, durante su nudo el celuloide resulta soporífero. No es problema de Hawes ni del casting, es una involuntaria dejadez del espectador. El periódico bombardeo, si no resulta soez emplear este término ahora, en el séptimo arte del tópico del Tercer Reich ha curado de espanto a gran parte de la sociedad, haciéndoles incapaz de sentir grandes emociones ante las barbaridades cometidas por el fascismo alemán.

Contra todo pronóstico, el audiovisual en su última media hora mejora con creces. Llenos de emoción no sentimentaloide y mezclando la veracidad con las licencias fílmicas imprescindibles, el desenlace es capaz de dignificar todo lo anteriormente proyectado y dejar en el paladar un sabor dulce.

En definitiva, Los niños de Winton es un biopic que consigue coronarse como notable gracias a un sobresaliente final, una ejemplar ambientación y unas honorables actuaciones. Lástima que la incapacidad de ser una obra maestra esté lastrada por una reiteración cinematográfica constante. Es de buen recibo su originalidad, pero no es suficiente.

No sorprenderá a nadie si digo que "Pobres criaturas" es peculiar. Tampoco debería levantar esta declaración ampolla alguna sabiendo que es dirigida por Yorgos Lanthimos, el cual a lo largo de su, por ahora, corta carrera profesional ha demostrado que no pretende dejar indiferente a nadie. Aún con todo esto dicho, no creo que ninguna persona deje de sorprenderse durante el visionado de la película, pues Lanthimos es buen ejecutor y logra siempre involucrarnos en sus historias.

Su nueva película empieza de una forma potente. La historia es muy rápidamente introducida, sin resultar tampoco abrupta, pero dejando magistralmente un hilo de suspense que mantiene enganchado para ser posteriormente capaz de unir todas las piezas del puzzle. Llega al filme el color y, si bien al inicio mantiene el ritmo perfectamente, un rato después comienza a ser tedioso. El principal problema es la duración. A esta obra le sobra fácilmente una hora, hecho que se hace plenamente patente durante el nudo. Ya sabemos cuál es la trama y las aspiraciones y problemáticas de cada uno de los personajes. Por ello, es inútil alargar algo que no sorprende, y el truco fácil para conseguirlo es la provocación. El punto clave es que la provocación está en el metraje desde el minuto uno, y al principio es loable, sin embargo pasados 90 minutos ya solamente aburre. Al final, la película luce el diario grabado de un ciudadano corriente explicando su rutina. Sin cortes para amenizar la narración, pero hiperbolizando todo por mil.

Aunque hacia el desenlace vuelve a prosperar, Lanthimos decide introducir una nueva subtrama innecesaria que vuelve a alargar la duración del celuloide. Finalmente se salva por una escena final que, si bien es un caos como todo lo anteriormente proyectado, dentro de esa inestabilidad logra la calma suficiente para contentarnos, ayudado por un último plano con gran potencia visual.

Por ende, "Pobres criaturas" no deja de ser lo que expongo en el título y se nos muestra en pantalla en la primera hora del celuloide: una escala de grises propulsada por una montaña rusa. Con momentos donde el color alumbra la grabación y resulta emocionante, y otros en los que se sumerge en la oscuridad más absoluta.

Aún con todo, sólo por la rebeldía del realizador, la inteligente mezcla de comedia absurda y ácida, la indiscutible proeza decorativa y el cómputo final que alcanza a darle cohesión a todo, esta rara avis consigue consagrarse como una obra noble digna de ser visualizada. Eso sí, alzarse con estatuillas en la próxima ceremonia de los Oscars ya es una tarea que se me atraganta un poco más...

A pesar de la escasa trayectoria cinematográfica de Víctor Erice, es indudable que su huella en el audiovisual patrio es imprescindible, y más si se visualiza en orden de realización. Para poder evaluar correctamente "El sur" considero indispensable visualizar previamente "El espíritu de la colmena" y ver la evolución entre ambas y la tan contundente forma en la que su realizador muestra las relaciones familiares desde la perspectiva de una niña. Y, dicho esto, aunque "El espíritu de la colmena" es una obra muy completa, con "El sur" Erice llegó a su punto álgido y consiguió rodar una de las, sin duda, mejores películas españolas de la Historia.

Con una aparente austeridad técnica y artística, Erice muestra una historia que no requiere de grandes recursos para sobrecoger a todo aquel que se enfrente a ella. Los pensamientos de Estrellita, brillantemente interpretada tanto en su etapa más joven por Sonsoles Aranguren como cuando crece por una sorprendente Icíar Bollaín, muestran a la cámara la conmoción y confusión de una niña ante sus circunstancias vitales. El reflejo que la cinta hace de la curiosidad durante la infancia y la pubertad me parecen de los más completos y sencillamente explicados de los múltiples expuestos de forma mucho menos convincente en otros filmes.

Ayuda, sin duda alguna, a crear la atmósfera claustrofóbica la perfectamente escogida ambientación y escenario. El frío de esa ciudad del norte traspasa la pantalla y logra que nosotros, los espectadores, sintamos algunas de las muchas emociones que sufren todos los protagonistas. Y la antítesis entre la rigidez que se respira en "La gaviota" y el "calor" que traen los familiares del sur es apabullante.

Verdaderamente esta obra maestra no tiene casi aspectos negativos, por lo que se podría también destacar el precioso uso de la música o las interpretaciones de todos los actores, y principalmente el papel de Lola Cardona que, aunque su personaje esté relegado a un plano más secundario, su presencia se siente en todas las escenas. Sin embargo, como el propio misterio que trama Omero Antonutti, es preferible que no se conozca demasiado de la trama para poder disfrutar la experiencia mejor y dejarse asombrar por la maestría de la película.

El contenido con el que Munt desarrolla su nueva película es potente. No hay muchos contenidos audiovisuales que traten la llegada de la democracia desde un punto de vista feminista. Sin embargo, podría haberse trabajado de una forma más loable.

Por un lado, el enclave geográfico vasco podría ayudar mucho a dar una estética tanto paisajística como industrial. Desgraciadamente, la localización está desaprovechada. Se exceptúan algunos momentos en el desenlace u otras escenas específicas. La película fue rodada en la provincia de Guipuzkoa, pero la sensación es que podría haberse escogido como set cualquier otra región de la península. La ambientación resulta indiferente al espectador y no aporta ningún elemento identitario.

Como intérprete revelación en un gran proyecto, Falcó ejecuta un trabajo digno. Poseía una segunda labor aún más difícil, que es transmitir los sentimientos de una chica en plena juventud con ganas de cambiar la opresora sociedad en la que vive.. Sin embargo, el problema con su figura proviene del propio guion. Las oportunidades que podría otorgar un correcto desarrollo de su carácter eran múltiples, pero nunca llegan a salir a flote. Hay un constante sentimiento de quiero y no puedo. Algo trascendental parece que le va a suceder que ayudará a proporcionar una nueva perspectiva a la sinopsis. Tristemente no llega a acontecer.

De cualquier forma, peor salida tiene su compañera de escena, Tarrats. No se comprende su propósito en el conflicto de la cinta. Por desgracia, aporta mucha más confusión que certeza. Tiene una situación vital muy turbia, pero no se razona el porqué de su actitud. Sin duda alguna, la interpretación más reseñable es la de Nagore Cenizo en la piel de Asun. Muestra su faceta de insumisa frente a todos de la forma más real posible.

La obra tiene un desarrollo correcto, pero peca de ser excesivamente plano. La idea inicial era buena, pero por como está planificada, da para un mediometraje. Los últimos 20 minutos, donde eclosiona el drama principal, son insulsos e, incluso, innecesarios. Para más inri, se añade un argumento pseudoamoroso que ni siente ni padece ni consigue emocionar a los que están delante de la pantalla.

Se nota que Las buenas compañías tiene unas loables intenciones. De hecho, se puede apreciar que está amasada con un cariño especial. Lamentablemente, no alcanza a poder considerarse un trabajo memorable. Todos los elementos estaban sobre la mesa y se ejecutan correctamente. Falta un potenciador para que obrasen sobresalientemente.

Un proyecto audiovisual arriesgado, que pretende dejar huella en el espectador y hacerle pasarlo mal durante el metraje, debe interesar a una persona con intereses cinematográficos. Sin embargo, en el caso de Titane parece incluso ir más allá. Cualquiera que empiece a visionarla sabe que no va a ser una película para ver con palomitas, pero ni de lejos alguien se puede llegar a imaginar un estilo cinematográfico tan absolutamente explícito y violento como el que se proyecta.

Proporcionar una pequeña sinopsis de lo que va la película es prácticamente una misión imposible. Se podría mencionar que Titane trata la vida de Alexia, una mujer que de pequeña sufrió un accidente automovilístico que requirió una operación en la que se le incrustó una placa de titanio en la cabeza. Sin embargo, realmente esta descripción no va muy a tono con los acontecimientos que se suceden en el filme.

Aquí empiezan los errores del proyecto: los espectadores no saben lo que está pasando. No es un problema de que haya muchos detalles escondidos a lo largo de la cinta que precisan de mucha atención del que está al otro lado de la pantalla, es que simplemente aparecen los títulos de crédito y el espectador se queda con una cara estupefacta, pues absolutamente nada de lo que ha acontecido parece tener sentido.

A lo mejor todo tiene una explicación lógica para la directora, pero si no lo sabe transmitir correctamente de nada sirve. Si una persona desarrolla una idea que al parecer sólo entiende ella, se rompe la cadena de comunicación tradicional entre emisor y receptor y el cine deja de cumplir su objetivo básico y pasa a convertirse en una tomadura de pelo.

El filme no puede entrar dentro de un estilo surrealista, pues definitivamente no es la intención de la autora. Simplemente se podría explicar como la unión de ideas sin relación entre sí, acto muy poco arriesgado, pues eso es algo que cualquier persona sabe hacer, sin necesitar una maestría cinematográfica.

Por otro lado, la primera parte Titane está marcada por una consecución de los ya comentados momentos muy desagradables, y si encima la historia que se cuenta es plana, no hay razón para continuar el visionado. Nada está justificado y para más inri es una cinta extremadamente explícita.

En conclusión, es inexplicable e incluso decepcionante que un jurado como el del festival de Cannes, el cual es una intendencia en el mundo del cine, decidiera que Titane es una película que merece un premio tan importante como la Palma de Oro. Se está premiando la provocación sin razón aparente frente a la coherencia. Si una persona coge una cámara y graba escenas con mutilaciones y sin relación entre sí, ¿también merece una distinción por parte de los académicos?