El encasillamiento es uno de los males endémicos del cine. Sin embargo Dunia Ayaso y Félix Sabroso, englobados dentro de una falsa comedia, crean aquí su drama más personal. La isla interior es un drama como los de antaño, lleno de miradas y sentimientos, de verdades como puños. Narra la historia de una familia disfuncional que se reúnen ante la inminente muerte de su padre en Gran canaria, tierra de los realizadotes y que funciona como un personaje mas dentro de este puzzle de emociones.

Hay que destacar lo sólido del guión y que es el humor de fondo (lo juro, hay humor) el que hace coherente una historia tan sórdida como esta. Es una obra de personajes, todos ellos maravillosos. Destaca por encima de todos Alberto San Juan en la que quizás sea su composición mas lograda hasta el momento. La metamorfosis del actor es increíble y nos convence por completo de que esta viviendo en esa línea tan delgada que separa realidad y locura. Locura, si, esa es la base de toda la película. El miedo a la locura y sus consecuencias. Miedo a que nos posea y posea a todos los que nos rodean aunque, a fin de cuentas, los locos son ellos, los que nos rodean y hacen que el mundo sea como es.
Especial atención merecen también los personajes de Candela Peña y una inconmensurable Geraldine Chaplin en lo mas alto de su carrera. Geraldine recrea el personaje de la madre que todo lo sabe o sospecha pero que tiene que lidiar con una familia en la que todos se hacen daño. Es el catalizador de las emociones, la que decide que esta bien y que no. Su escena llorando en la cama y sus silencios son antológicos.

La isla interior es un balcón a las emociones de una familia y a su cotidianidad con la locura.

Hablar de Tim Burton (como hablar de Hitchcock o David Lynch) es hablar de un sello especial. Durante toda su carrera se ha forjado un estilo inconfundible que le cataloga como uno de los pocos creadores de la meca del cine. Podríamos incluir en el grupo a Terry Gillian pero con desiguales resultados. En Alicia, Burton demuestra que detrás de un presupuesto megamillonario y un Blockbuster puede coexistir un atisbo de genialidad y arte.

Nada nuevo bajo el sol. La historia sigue siendo básicamente la misma, la perdida de la inocencia y el tomar las riendas de tu propia vida sin que los demás manejen tu destino. Sin embargo, el director siempre se reinventa en unos paisajes y unos mundos particulares, casi rozando el surrealismo de Dalí, en muchas secuencias, que hacen del film una obra de arte visual y aún más con la atmosfera envolvente y subyugante que transmite 3D.

Sin embargo, el cruce Burton-Disney ha creado unos personajes excesivamente infantiles y planos en el que segundas lecturas son imposibles. Disney ha blanqueado a Burton, lo ha descafeinado y ha eliminado por completo la complejidad y la oscuridad de algunos personajes que lo exigían. Hasta un personaje tan a priori Bombón como el Sombrerero Loco se diluye en este cuento infantil (en la peor de las acepciones lo de cuento).

En cuanto a la caracterización de los personajes se me antoja innecesaria, como Helena Bonhan Carter o el artificioso Crispin Glover. Tanta estilización no aporta nada en absoluto a sus personajes y, una vez mas, invita a la desdramatización de estos en pro de la simple anécdota.

En definitiva, una obra visualmente magnifica pero tremendamente plana y sin alma. Lo que Burton logró superar con Charlie y la fábrica de chocolate no es conseguido aquí. Y es que no es lo mismo Warner que Disney.

Paper Heart es una nueva vuelta de tuerca a los cada vez más habituales falsos documentales. Narra la historia de Charlyne Yi, interpretada por una insustancial y poco talentosa actriz, que es incapaz de amar. Esa es la fallida matriz de este film, descubrir los orígenes, ya sean químicos o mentales del amor. Y lo hace a través de una road movie por todos los EEUU, con entrevistas a parejas de lo mas variopintas que nos narran el germen de su amor. Hasta aquí, todo bien.
El problema surge cuando intercalan en el documental una falsa historia de amor entre la protagonista y Michael Cera (si, el de Juno) que se interpreta a si mismo. Todo resulta tan falso y acartonado como toda la producción en si, que no logra convencernos ni por un solo instante de la veracidad de la propuesta.
Este teatro nos viene aderezado por un supuesto aire Indie, que no hace mas que enmascarar lo ajustado del presupuesto y una falta de ideas por parte de su director, el principiante Nicholas Jasenovec, que no auguran nada bueno para su futuro inmediato.
Destacar, aunque solo sea de manera anecdótica, y por no hacer leña del árbol caído, las narraciones con títeres y la canción “Magic Perfume”.
En resumen, un largo, larguísimo viaje al tedio del amor. Hay películas que te enamoran y otras, como esta, que te hacen perder la fe.

Decía Walt Disney que en sus películas cada sonrisa debía estar conectada a una lágrima. “Tiana y el sapo” cumple ese cometido al completo. Estamos ante la película mas redonda de la factoría desde la genial “La Bella y la Bestia”, de la que pronto estrenaran su versión 3D.


Pese a la simpleza del relato, la película juega con un engranaje fílmico perfecto en el que cada acción tiene su justa reacción. Es una maquinaria de precisión que no puede dejar indiferente a ningún espectador, sea cual sea su edad.


El problema de las últimas producciones Disney radicaba en el nulo intento por aunar a papis y nenes en unos guiones anodinos donde nunca conseguían la mezcla perfecta. O se quedaban cortos y les nacía una imbecilidad del tamaño de “Little Chicken” y “Zafarrancho en el rancho” o se excedían con ”Wall-E” (que me gusta pero no me convence).


Historias paralelas como la de Evangeline o el caimán trompetista son pequeñas joyas poéticas en un musical trepidante a ritmo de jazz sureño. La idea de ambientar la historia en Nueva Orleans, incluso sus cementerios y sus rituales mágicos me parece una de las ideas más brillantes de la factoría. En ningún otro escenario hubiera funcionado esta historia.


El villano, el Dr. Facilier entra por meritos propios en la gran galería de supervillanos Disney. Además, aunque he sido paladín contrario a los doblajes españoles, la voz de Javier Gurruchaga y su estilo jazzman no hacen sino engrandecer el personaje. La partitura de Randy Newman es maravillosa, creando un estilo muy próximo al de “El libro de la Selva” pero muchísimo mas rica en matices.


Volvemos a la animación 2-D con la inocencia de un niño y durante hora y media no dejamos de esbozar una estupida media sonrisa. Tiana y el Sapo es un autohomenaje de Disney y la muestra de que para contar una gran historia no hacen falta los artificios del 3D. Los directores John Musker y Ron Clements han vuelto a dar con la clave. Grande, grandisima.

Vale, de acuerdo, lo confieso. Es cierto que a menos que seas padre y tus hijos te obliguen, nunca pisarías un cine para ver una película como esta. Cuando de tu boca salen las palabras “3 entradas para el rompedientes” es como si estuvieras viviendo en una realidad paralela, como si de Matrix se tratara. Y más aun cuando al pagar los casi 30 euros de entrada y palomitas solo una palabra ronda por tu cabeza: Emule.
Pero como el delito ya esta cometido solo unas breves reflexiones para analizar un titulo cuya única gracia recae en el trailer.
Rompedientes pertenece a la extraña saga de películas en las que han embarcado al otrora musculoso Dwayne Johnson. Ver esta y “Papa Por Sorpresa” es repetir el mismo mal viaje. Ni la historia, ni la moraleja, ni el mensaje evidente levantan lo que es una mera anécdota estirada. El único descubrimiento que ofrece este infecto film es ver como se han unido al club del Botox Julie Andrews y Ashley Judd.
Otra reflexión convertida en suplica: Stephen Merchant y por extensión Ricky Gervais, huid de Hollywood. Tanda genialidad no puede haber caído tan bajo en pocos años. Es imposible que los creadores de “The Office” o “Extras” se hayan secado tan pronto con productos como este o la mediocridad que supone The Invention of Lying (de la que ya hablaremos cuando se estrene en nuestro país).
Pero volviéndola tema, nada salvable de esta ridícula cinta donde lo único que hace levantar el vuelo a penas dos palmos es la presencia de un Billy Crystal cada vez mas ausente.