Desgraciadamente en los últimos años muy pocas películas merecen el privilegio de asistir al cine, muy pocas películas te dejan satisfecho al salir de la sala. Dune es una de ellas. La adaptación que Denis Villeneuve hace de la megalómana novela de Frank Herbert es lo mejor que le ha pasado al cine en los últimos 10 años. Experiencia inmersiva y espectacular. Villeneuve se apoya en una férrea narración sin concesiones y en la tribal banda sonora de Hans Zimmer ( ecos del malogrado Jóhann Jóhannson). A eso hay que añadir la solvente actuación de Timothée Chalamet y la enorme creación de Rebecca Fegurson. Y por supuesto la impresionante, apabullante capacidad visual de Villeneuve. Miembro por derecho de la Santísima Trinidad del cine actual junto con Fincher y Nolan. Ellos son el presente y el futuro, los defensores de la magia del cine. Porque Villeneuve tiene su propio y poderoso estilo, pero se permite rodar naves y ejércitos imperiales como en el mejor Star Wars, rodar el desierto como David Lean u homenajear al Coppola de Apocalypse Now. Lo dicho id al cine a ver Dune.

Al leer que el showrunner era Sam Esmail ya estaba automáticamente interesado. Esmail es el creador de esa maravilla, todo un sleeper como lo fue Breaking Bad, que es Mr. Robot. Como en ella Esmail da un giro de tuerca a los thrillers conspiranoicos que poblaron los 70, Todos los hombres del presidente, El mensajero del miedo, Los tres días del Cóndor, El último testigo, Impacto, etc. En estos era el Estado o su brazo ejecutor, el gobierno, el que maniobraba para engañar, matar y perpetuarse en el poder, y contra el, siempre un individuo solitario y perdedor. Esmail llega más allá, pone el foco en el verdadero poder en el siglo XXI, las grandes corporaciones, los conglomerados de empresas, esas hidras imposibles de destruir porque tienen múltiples cabezas. Ese es el mal absoluto y hay pone la luz Esmail. Si en Mr. Robot era E-Corp, aquí es el Grupo Emergente Geist, contratista de Defensa y productor de productos químicos a gran escala.
Esta es una adaptación de un podcast de ficción de gran éxito, pero Esmail lo hace suyo desde el primer segundo. Un material que le motiva y su despliegue visual habitual hacen el resto. En Mr. Robot ya detectamos un abanico inmenso de influencias, Alan Moore y su V de Vendetta, David Fincher y su Club de la lucha, cultura pop, videoclips, etc. En esta a todo eso unimos referencias a Recuerda de Hitchcock, La conversación de Francis Ford Coppola o Impacto de Brian De Palma. Asistimos atónitos a su poderío visual, muy David Fincher, planos cenitales atravesando paredes, pantalla partida con dos acciones en paralelo, una con un complejo plano secuencia con travelling invertido y la otra con un sencillo plano fijo, montajes encadenados, finales de episodio a plano fijo alargados para los títulos de crédito, etc. Y todo ello con un uso dramático para la historia. Dicha historia que se desarrolla en dos tiempos diferentes marcados por como son tratados en pantalla, el pasado en panorámico y el presente en un aspecto parecido a los videos verticales grabados con el móvil, cercano al aspecto de Ida de Pavel Pawlikowski pero sin la profundidad de campo de este. Ambos tiempos están fotografiados primorosamente en colores apagados y con la particularidad de que la parte de arriba y de abajo esta borrosa, desenfocada, dando una sensación de cierta irrealidad o de que lo estamos viendo bajo los efectos de alguna droga.
Banda sonora muy cuidada, con guiño a La conversación de Coppola incluido.
El peso actoral recae sobre una sorprendentemente solvente Julia Roberts en su mejor interpretación en mi opinión y muy alejada de las Pretty womans o Erin Brokovic habituales, que aguanta el tipo maravillosamente. La acompañan grandes secundarios incluida una excelsa Sissy Spacek, un magnífico Shea Whigham, pero sin duda la estrella es Bobby Cannavale, que ya colaboro con Esmail en Mr. Robot y que aquí roba todas sus escenas con el personaje más antipático posible.
Si te gustan las conspiraciones y el poder de la imagen, no dejes de ver HOMECOMING, la serie del año.

Hace 22 años que los Hermanos Coen con Fargo abrieron la veda de un cine sobre la sociedad americana, sobre la América profunda; un delito, un formato de thriller que es una mera excusa para recrear dicha sociedad, un fresco que ya nos indicaba por donde venían los tiros. Globalización, crisis económica, desempleo, bajo nivel cultural, racismo, amor a las armas, violencia, imbecilidad, apatía, etc.
Durante muchos años y salvo honrosas excepciones los Coen fueron los únicos que cultivaban este subgenero. Pero a partir de No es país para viejos muchos más han empezado a transitar esos territorios incluso desde la comedia. El medio Oeste y los estados del Sur plagados de lo que las élites de ambas costas llaman white trash (basura blanca), gente que vive en pueblos casi deshabitados hundidos por la globalización económica y barrios de caravanas empapados en alcohol.
Títulos como Los tres entierros de Melquiades Estrada (2005) con la dirección de Tommy Lee Jones protagonista de No es país para viejos (2007), y también protagonista de En el valle de Elah (2007), no puede ser casualidad, hay empezó algo, y luego han venido en cascada, en diferentes géneros e incluso en televisión.
Winter’s Bone (2010), Tierra Prometida (2012), Nebraska (2013), True Detective Temporada 1 (2014), Comanchería (2016) ....
Y ahora Tres anuncios en las afueras con la clara influencia de los Coen y no sólo por la magistral e inenarrable interpretación de Frances McDormand si no principalmente por sus diálogos y su humor negro. Con una estructura casi de western mítico donde Frances sería la John Wayne de Centauros del Desierto, retrata con maestría la podredumbre de una sociedad que en algún momento fue próspera y justa pero que hoy es insolidaria, machista, homófoba, militarista, imbecil, apática, consumista, avariciosa, intolerante, etc.
Con el asesinato de su hija y la no resolución del mismo como mero McGuffin el británico Martin McDonagh hace una perfecta radiografía de la América profunda, la misma que voto a Trump, apoyado en sus personajes. La ya referida Frances McDormand a la que acompañan Woody Harrelson como el jefe de policia que tiene la lucidez que da la cercana muerte y un Sam Rockwell en estado de gracia, actor fetiche del británico, al que regala un caramelo con un arco de personaje sorprendente y que Rockwell borda, ganara todos los premios y se hará justicia con un actor poco conocido pero espléndido, que ya destaco en Moon (2009) de Duncan Jones.
El retrato es desolador, nos deja un panorama más cercano al salvaje oeste que a una sociedad del siglo XXI, solitarios, perdidos, sin certidumbre de obtener justicia, sólo se atisba un hilo de esperanza en ese final abierto con el agente Dixon como protagonista.

Empieza todo con un tiroteo, Nolan nos agarra por la pechera y nos zarandea cual marionetas, a los cinco minutos de metraje ya estamos en esa playa llenos de miedo, tensos, dentro de la batalla o mejor dicho de la calma que precede la presumible masacre y Nolan no nos suelta hasta ese maravilloso epílogo con el famoso discurso de Sir Winston Churchill, " Combatiremos en las playas, en los lugares de desembarco, en los campos y en las calles; combatiremos en las montañas; no nos rendiremos jamás ", épico final.
Por el camino hemos sufrido, vivido tres historias en diferentes tiempos y lugares. Tres historias corales en Tierra, Mar y Aire con márgenes temporales diferentes una semana, un día y una hora, y que convergen con la precisión de un reloj suizo para luego volver a divergir al final. Un guión plenamente cinematográfica puesto que prácticamente el 80% del metraje está sólo apoyado en los efectos de sonido y en la espectacular banda sonora de Hans Zimmer, no hay apenas diálogo. Nolan en este caso es efectivo y no efectista, es una película más clásica pero sin renunciar a la potencia visual propia del británico. Sin duda su trabajo más redondo, más aquilatado, más medido, la duración del metraje es la justa. Pero como digo alcanza grandes cotas de belleza y perfección visual, las imágenes de los combates aéreos son brillantes y los naufragios hacen palidecer la experiencia de Titanic, efectos visuales integrados con la premisa del menos es más y menos sangre que en otros filmes bélicos. Vivimos las tres historias con los mismos niveles de tensión que los propios protagonistas, puro sufrimiento, pura delicia, puro cine.
Excepcional el trabajo de Nolan apoyado en el susodicho Zimmer y un reparto coral más británico que el té de las cinco. Tres generaciones de actores, como buen bélico clásico reparto totalmente masculino, los veteranos Kenneth Branagh y Mark Rylance; del primero destacar su marcialidad no exenta de orgullo y emoción y del segundo la encarnación de la sencillez, de la flema británica, no hace falta ser un lord para ser un gentleman. La generación adulta esta representada por Tom Hardy y Cillian Murphy; los ojos de Hardy le gustan a Nolan pues vuelve a actuar prácticamente todo el metraje con una máscara de piloto que solo deja ver sus ojos ( en El Caballero Oscuro: La leyenda renace ya era así ), para Murphy, quinta colaboración con el director, queda el horror, el horror post-traumático y el rol más antipático. Los jóvenes son Fionn Whitehead y Tom Glynn-Carney; el primero es un debutante al que habrá que seguir y el segundo aúna inocencia y buen hacer.
Sin duda debes ir a verla, es para mi el mejor trabajo de Nolan, el más redondo y eso es mucho viniendo del autor de El Caballero Oscuro e Interstellar. Sublime.

Sundance Channel nos ha regalado una magnífica serie. En la espesura del actual panorama televisivo ha pasado desapercibida y es una pena porque es de lo mejor que se ha hecho en estos años. Acompañar a Daniel Holden en su viaje de vuelta a la sociedad es un deleite para los sentidos, triste pero disfrutable al máximo. Después de veinte años en el corredor de la muerte es exonerado por unas nuevas pruebas de ADN y vuelve con su familia. Temas profundos como la muerte, la culpa, el perdón, la felicidad, el amor, el matrimonio y por supuesto el sentido de la vida son tratados con delicadeza y profundidad. Rodada con la naturalidad del cine indie americano, diálogos escasos pero intensos, silencios más importantes, fotografía preciosista como la de Lubezki en El árbol de la vida y ritmo premioso, lento, aletargado, zen. Guiones precisos y preciosos. Un casting estelar sin ninguna estrella, un reparto en permanente estado de gracia, buenos protagonistas y acertados secundarios, interpretaciones por encima de la media. Personajes que son personas reales. En la mayoria de los episodios acabas limpiandote las lágrimas sin darte cuenta con una emoción sincera pero sutil, alejada de la sensibleria del peor Spielberg o de nuestro accionista mayoritario de Kleenex JA Bayona. Un placer que ha pasado y que te has perdido, tienes que hacer algo al respecto.