Película a la que le sobra casi todo el metraje. Como un corto de diez o quince minutos podría haber contado lo mismo mostrando perfectamente el mismo recurso y efecto de la fría cotidianidad que enmascara el horror de un holocausto ausente a la vista pero que se sabe presente.

Como anécdota contaré que un hombre al inicio de la proyección se levantó de su asiento en la sala de cine con la intención de ir a avisar porque creyó que la película se había atascado en un bucle o algo así. Y es que el principio es uno de los más raros y experimentales que he visto en mi vida. Casi cinco minutos de un fondo negro con una música instrumental simulando un sonido estridente, que a mí también me llegó a parecer que no era normal y que tal vez la proyección había fallado. Después, algunas personas se marcharon antes del final de la película. Yo estuve a punto también de irme, pero si seguí fue sólo por ver la fotografía, que a pesar de usar efectos visuales de vez en cuando sin sentido, en general podría decirse que era lo único que me pareció de cierto interés.

Recordar filmes con temática del holocausto como "La lista de Schlinder", "El pianista", "¿Vencedores o vencidos?", "El lector" o "La vida es bella" es mencionar cine del bueno, pero en cualquier caso cine. Ya que a este trabajo ni siquiera yo lo llamaría cine, ante la patente deficiencia de la narrativa, sino un experimento artístico que personalmente, a pesar de los premios y mucha crítica profesional entusiasmada, se me antoja francamente flojo.

Si ves esta película, te encontrarás atrapado dentro de un musical de fantasía que se agradece como un soplo de aire fresco en el cine actual, a pesar de, o quizás debido a, que está rodado al estilo de clásicos del mismo género con los que puede codearse sin problemas, como por ejemplo "El mago de Oz", "Mary Poppins" o "Un mundo de fantasía".

El guion original parte de un argumento que desarrolla el pasado del chocolatero Willy Wonka, personaje de la novela infantil inglesa un par de veces adaptada al cine "Charlie y la fábrica de chocolate". El director Paul King, además de firmar como coguionista, realiza un trabajo de realización de bastante mérito, que compagina la metodología del cine musical clásico con elementos modernos de efectos digitales. El montaje está muy bien elaborado, alternando de un modo muy dinámico que te mantiene atrapado en la historia los números musicales y las escenas fuera de ellos. Lo que se nos cuenta está hábilmente ideado, mezclando un mundo que recuerda a personajes de Dickens en un entorno dramático, con un tono que añade pinceladas de comicidad y la creación de un mundo mágico dentro del real haciendo el conjunto entrañable para los espectadores, tanto niños que ya piensan un poco como adultos, como adultos que gustan de recordar con ilusión el niño que aún llevan dentro. Me sorprendí a mí mismo a ratos riendo y a ratos emocionado hasta aflorar alguna lagrimilla.

Mención destacada para Timothée Chalamet, que entre los jóvenes actores de hoy se confirma como uno de los de más talento de su generación, al que se añade un carisma ante la cámara propio de los mejores, y que en este trabajo alcanza muy buenos registros entre los toques dramáticos, cómicos y carismáticos que requiere su personaje, además de revelarse como un solvente integrante de musicales. El resto del reparto es también de altura, y especialmente los veteranos Olivia Colman, Hugh Grant y Rowan Atkinson, que encarnan personajes ya de por sí peculiares y atractivos, pero a los que su buena y expresiva recreación los hace más interesantes si cabe. Todos los demás intérpretes están realmente solventes, desde los que tienen muchos minutos y escenas hasta los que apenas tienen una o dos. La joven actriz Calah Lane, con el papel de la niña Noodle (el rol más importante tras el de Willy), hace un excelente debut en largometraje, aportando también una bella voz en alguna de las canciones.

Con magia, aventura, notas de música e ilusión, diría que "Wonka" merece consolidarse como uno de los musicales para recordar dentro del mundo de la fantasía.

"For a moment
Life doesn't seem quite so bad
For a moment
I kind of forgot to be sad"

Miriam Toews, autora de la novela "Ellas hablan", se crio en una colonia menonita canadiense, ya que sus padres eran practicantes de esa religión en la que sus fieles viven apartados del resto de la sociedad del país y guardan sus propias normas, con mayor o menor apertura dependiendo del país donde se ubican. Tras dejar la colonia y convertirse en escritora ha dedicado buena parte de su trabajo literario a reflejar el mundo menonita y a criticar las cosas que consideraba que debían cambiarse y mejorar, especialmente el papel de la mujer subordinado al del hombre en dicha sociedad.

Entre 2005 y 2009 en la colonia menonita Manitoba de Bolivia más de un centenar de mujeres y niñas fueron violadas por un grupo de los hombres que las tomaba por sorpresa y las dormían con un aerosol fabricado a partir de una anestesia para animales con el que rociaban la habitación antes de entrar. Las mujeres despertaban aturdidas, magulladas, con sangre, dolores y otras múltiples circunstancias. Muchas contaban haber sentido que las forzaban o arrastraban. Su palabra era puesta en duda por los dirigentes de la colonia, se les dijo que eran invenciones o ensoñaciones, y al aumentar el número de incidentes en diferentes casas se determinó que debían ser ataques de demonios o criaturas sobrenaturales. Tras cuatro años repitiéndose las violaciones, finalmente atraparon a uno de los violadores cuando se colaba por una ventana, se le interrogó y terminó delatando a otros ocho más. Fueron entregados a los tribunales de Bolivia y en 2011 ocho fueron condenados a 25 años de cárcel por violación y uno a 12 años por ser el que fabricó el aerosol para dejarlas sin conocimiento.

Después de esos sucesos sin embargo, incluso con los culpables en prisión, se siguieron reportando nuevos abusos y agresiones. A las mujeres, por la religión dentro de la colonia, se las conminó en cualquier caso al perdón a sus agresores, ya que el perdón resultaba algo esencial para la salvación del alma.

Toews guardó estrecha relación con algunas de esas mujeres víctimas y se documentó muy bien antes de decidirse a escribir una novela inspirándose en ese caso para recrear una respuesta ficticia a todos esos hechos donde las mujeres hablan sobre cómo afrontarlo y buscar una solución: "Ellas hablan". Sarah Polley, con el asesoramiento de la escritora, adapta la novela para el cine dando como resultado esta película que también dirige y que es fiel en lo esencial al texto original aunque condensando y omitiendo algunas partes de la novela, y ocultando la inspiración en los hechos reales y el lugar y la religión concreta de la colonia que en la novela de Toews sí queda revelado mediante una nota en la primera página del libro.

Las emotivas interpretaciones, la delicada fotografía de colores apagados, la planificación del rodaje alternando el espacio principal cerrado de reuniones en un granero con los planos del entorno, y la ambientación y caracterización de personajes, consiguen dar un perfecto envoltorio a una trama dura y potente. La película sin embargo tiene tal vez algún pequeño inconveniente en lo referente al desarrollo del guion. Así, donde la novela es quizás algo densa, la cinta termina por contagiarse en cierta medida y según avanzan los minutos esa fuerza inicial no acaba por conmover como debiera. No obstante, si tomamos lo que nos narra la película y lo contextualizamos buscando información fuera de ella sobre los hechos reales para comparar realidad y ficción, apreciaremos la verdadera importancia de este trabajo como vehículo de transformación de las cosas. Mérito que hay que agradecer a ambas autoras: directora y escritora.

Recomiendo pues tras ver la película, buscar los artículos aparecidos en prensa, desde por el motivo del estreno del filme hasta los de los años en que sucedieron las hechos que inspiran la historia, redactados por la periodista Jean Friedman-Rudovsky. Así puede apreciarse en toda su dimensión a las heroínas de verdad de carne y hueso tras los muy buenos papeles en la ficción del elenco de actrices protagonistas que encarnan personajes imaginarios. Y así descubriremos la dura verdad de esas mujeres que se encuentran tras la ficción.

Una película sobre conservar la ilusión dentro del drama. No será quizás el trabajo más valorado de Spielberg, pero sí es uno de muy madura realización, con un interesante y personal guion basado en la propia historia de la infancia, adolescencia y primeros años de juventud del director, narrado con buen pulso y ritmo, con ese estilo clásico de agradecer para hacer avanzar la trama y planificar cada toma con cámara fija y encuadres medidos, y una dirección de fotografía excelente a cargo del polaco Janusz Kaminski que tantas veces ha colaborado con eficacia, satisfactorios resultados y algunos premios junto a Spielberg, además de la siempre bienvenida banda sonora de otro colaborador habitual para las partituras de los filmes del director, John Williams, dando su punto emotivo cada vez que es requerido.

Todo ello es acompañado por un elenco de actores donde ninguno defrauda, construyendo los principales unas interpretaciones reflexivas y sentidas, y sobresaliendo especialmente el trabajo como actriz protagonista de Michelle Williams, quien ya hiciera interesantes actuaciones en películas como "Manchester frente al mar", "Brokeback Mountain" o su papel en "Blue Valentine", haciendo ahora de Mitzi, la madre de la familia, cuya importancia nos da una idea fiel de cuan trascendental fue para la vida de Spielberg la figura de su madre.

La familia Fabelman es así en gran parte un seudónimo en la ficción para la familia Spielberg. Cuentan que durante el rodaje el director lloró en no pocas ocasiones debido a la emoción de revivir intensos momentos de su propio pasado, lo cual da una idea de lo verdaderamente biográfico de esta producción. La historia es una mezcla de las ilusiones del autor, su amor por el cine, y el contexto esencial en todo ello de una relación familiar donde poco a poco va ahondando el drama, aunque manteniendo un punto de vista de algunas cosas con buen humor y sobre todo siempre con una brizna de esperanza.

El resultado de esa esperanza nacida como si del choque de un tren en celuloide se tratase, nos ha dado a nosotros, los espectadores, desde títulos como "La lista de Schlinder", varios de "Indiana Jones", "El color púrpura", "El diablo sobre ruedas", "Munich", "El puente de los espías", "Salvar al soldado Ryan", "El imperio del sol", "Lincoln"..., hasta otros que hicieron huella en su género como "Tiburón", "E.T. el extraterrestre", "Encuentros en la tercera fase", "Parque Jurásico"..., entre muchos.

Bendito choque de tren.

Paul Tremblay, alumno aventajado de Setphen King, cuyas novelas el rey del terror recomienda leer, y que cosecha ya prestigiosos reconocimientos del género como los premios Bram Stoker y Locus, firma la obra de la que se adapta esta película: "La cabaña del fin del mundo". En ella escribe de un modo muy cinematográfico su relato, usando muchos detalles descriptivos, tanto que casi estaba pidiendo a gritos ser llevada a la pantalla. Así que es lo que ha hecho exactamente M. Night Shyamalan al encontrarse con un argumento que viene como anillo al dedo a su estilo, y donde él mismo aporta parte del guion.

La peculiar dirección fotográfica de Jarin Blaschke, quien hace cuatro años ya destacara dotando de verdadero arte y contexto a las imágenes del filme de terror e intriga "El faro" (nominado al Oscar en fotografía), aquí también sirve para contextualizar de manera especial el ambiente en que se desarrollan los hechos con una atmósfera que subraya la tensión: la cabaña solitaria cerca del lago, la apacible naturaleza del bosque que la rodea, el contraste con cada uno de los personajes de la trama y lo que van haciendo; escogiéndose el formato anamórfico en 35 mm para el que además se usaron lentes de los años noventa, contribuyendo a ese aire más clásico de misterio en cada fotograma.

Si la novela quizás se ve a mi gusto un poco lastrada por los numerosos flashbacks que se intercalan casi continuamente en el texto intentando ayudar a entender cómo piensan y actúan los personajes en cada situación límite en la que se ven envueltos, Shyamalan toma aquí la decisión de dosificar dicho recurso y de este modo se agiliza el ritmo de la narración de forma que se mantiene centrada la atención tanto en el enigma de por qué los inesperados visitantes actúan así y cuál será la llave de la imposible solución al dilema que plantean a la familia, como en el desarrollo a la vez del sentimiento de los personajes en contraste con su pasado, sin que una cosa reste a la otra.

En angustia creciente, la última parte de la cinta rompe su fidelidad con la novela, y aunque se han ya presentado algunos detalles no exactamente igual a lo largo del metraje, mientras que la novela no resuelve con nitidez el misterio, quedando así parte de la conclusión ambigua y abierta a la reflexión del lector, aquí sí veremos un desenlace claro y absolutamente diferente al de Tremblay; aunque el escritor se mostró satisfecho con la película y le dijo al director que ese final fue otra opción que él barajó. A pesar de que la novela es algo más oscura, dura y menos políticamente correcta con lo religioso, tanto el acierto narrativo como el buen llevar del argumento hasta el desenlace, el cual tal vez no contente a todos, para mí hacen que la adaptación al cine valga tanto como la historia originaria, obteniendo como resultado un trabajo más que interesante en la filmografía de Shyamalan.