Intenso drama humano, basado en una novela de Nevil Shute, donde cobran protagonismo las mujeres. Protagoniza Virginia McKenna, que da el tipo de mujer sensible, que debe endurecerse para hacerse cargo de los hijos pequeños de una mujer, cuando esta muere.

El film es un verdadero canto a la resistencia y fuerza de las mujeres, y ganó en su época 5 premios BAFTA, incluido el de mejor película. Tiene el acierto de humanizar a los japoneses, que no son unos monstruos.

Sin embargo, la película se hace muy larga, las emociones se concentran en un tramo determinado para convertirse en una película plomiza durante bastante tiempo. Un 5.

Anthony Asquith dirige este drama donde se detiene más en la parte humana de los protagonistas que en el alegato bélico de la trama; la sinrazón de la guerra y el asesinato en época de conflicto como algo justificado. Destaca el protagonista Eddie Albert, que debutaba en el cine y una madura Lillian Gish, haciendo de su madre.

De entrada, el film de Asquith destaca en el aporte de una sombría fotografía en blanco y negro por parte de Desmond Dickinson y una oportuna partitura elaborada por el prestigioso Benjamín Frankel. En cualquier caso, nos encontramos ante un relato más que estimable, en el que, durante sus instantes más intensos y sinceros, logra transmitir al espectador el drama interior y el dilema moral que encierra su argumento.

Irene Worth alcanzó el premio a mejor actriz en los premios BATFA, y en Cannes la película compitió para llevarse la Palma de Oro. Un 8.

No es fácil hacer una crítica de esta película, ni siquiera en pleno 2024, cuando tu vida trascurre en torno a las derechas y a las izquierdas, en torno a aquella maldad que aconteció en aquellos años, con extremismos y extremistas que, posiblemente, volverían a estar dispuestos a todo, y por supuesto, a repetir aquella falacia, aquella sinrazón, porque, para mí, no tiene otro calificativo.

Visto des de un punto de vista moderado, sin colores que me representen, sin lados ni ideas que se vayan a un solo lugar, sino unas a unos y otros, ver esta película, tal como está representada, me da vergüenza. Aquí unos, los que tienen momentáneamente el poder de la capital, Madrid, son unos marranos borrachos y desaprensivos, además de unos asesinos, los demás no.

Y ese es el resumen, que en 1942, posiblemente una gran parte del público saldría encantado de las salas. Sin embargo, tampoco comprendo que retiraran la película de las salas, y no se recuperaran hasta la década de los 90, salvo que a los mismos censores les diera, o sintieran vergüenza ajena de lo que allí se exponía. Le doy un 4 porque las actuaciones de los dos actores principales, y alguno del reparto, me parecen bastante decentes. Por lo demás le hubiera dado un 0, es decir, no la hubiera votado. Un4.

Película agridulce, de historia sencilla y encantadora. Como un cuento, su mejor virtud está en contar lo justo y necesario. Su encanto reside en el tono de la película.

De todos los cineastas que empezaron su andadura en el cine mudo, que ayudaron a desarrollar el lenguaje cinematográfico, que influyeron decisivamente en otros directores y cuyas películas aparecían casi siempre en las listas de las mejores, quizá sea René Clair el más olvidado de todos.

Puede que la razón la encontramos en que incluso su cine sonoro sigue hablando básicamente con la imagen, sigue siendo básicamente mudo -con la pereza que ello supone para muchos espectadores-, o en que sus historias y la carga crítica que a menudo llevan consigo parecen hoy demasiado inocentes, demasiado naíf; lo cierto es que películas que a mí me siguen pareciendo vivas, frescas y repletas de poesía visual. una de las más recomendables para quien quiera (re)descubrir a este cineasta- es, ''El silencio es oro (Le silence est d’or)'', la primera que realizó en Francia tras volver de su etapa norteamericana. Una de las más recomendables para quien quiera (re)descubrir a este cineasta- es El silencio es oro (Le silence est d’or), la primera que realizó en Francia tras volver de su etapa norteamericana.

Una pequeña joya del cine que empezó a deleitarnos. Un 8.

De todos los mensajes de la película, probablemente el más poderoso sea a la vez el más sutil: los efectos de la violencia masculina en la naturaleza. Cuando un niño llora ante la muerte de un cabrito, se le pide que sea un hombrecito y que son “ellos o nosotros”; al ser atacado por asesinos, Reynaldo ve con pavor a los rostros de los ciervos que ha matado, cuyas cabezas parecen juzgarlo desde la pared; la propia hacienda causante de la disputa fue fundada a causa de la muerte de un puma.

La directora poco a poco nos revela cómo el patriarcado no solo nos afecta a nosotros, sino que sus principios tóxicos de violencia y conquista tienen consecuencias directas en cómo tratamos a nuestro entorno, a la llamada “madre naturaleza”. El elenco es excelente en todo momento. Vale la pena destacar, además de los actores ya mencionados, el trabajo de Raúl Briones (“Una película de policías”) como el maleante amenazador: con tan solo dos escenas logra transmitir de manera efectiva el peligro al cual se enfrenta nuestro protagonista, y la crueldad de la que son capaces estas personas con tal de obtener lo que quieren.

No solo es una película relevante por su temática, es una historia poderosa por su gran cuidado técnico y dominio de la narrativa cinematográfica. Alejandra Márquez Abella demuestra una vez más su talento para construir personajes complejos desde ópticas que no cualquiera aborda. Estamos expectantes por cómo nos sorprenderá con su siguiente trabajo. Un 7.