El tren de las 3:10 es una excelente western de carácter psicológico en el que varios personajes se mueven por la escena mostrando debilidades, ambiciones, crueldad o generosidad.
Es una película que sitúa al espectador ante una situación límite que debe ser resuelta por un campesino necesitado de dinero encontrándose con un maravilloso villano ( Glenn Ford en una interpretación espléndida ) y sus secuaces.

El planteamiento argumental es simple, pero su desarrollo, la interrelación entre personajes son de una profundidad abrumadora. Los movimientos de cámara son elegantemente ágiles, el guión es excelente, y posee un cierto ambiente onírico ( muy propio de las películas de Delmer Daves ) que la dota de un alto poder hipnótico.

Es una película que no tiene la resonancia que se merece debido seguramente a que la crítica se ha centrado más en piropear y rendir culto a los Westerns de John Ford y Howard Hawks ( excelentes muchos de ellos sin duda ) que a reconocer a Delmer Daves, autor que posee unas cuantas obras maestras del Western ( El tren de las 3:10, El árbol del ahorcado ) y películas míticas, perturbadoras, absorbentes e inolvidables como La senda tenebrosa o extraordinaria La casa roja. Lamentablemente esto se deba en muchos casos al resultado de establecer una relación automática entre el éxito comercial y la popularidad ( condición indispensable para obtener Oscars salvo algunas excepciones ) con calidad cinematográfica. Innumerables películas populares y de éxito han sido excelentes desde el punto de vista del arte cinematográfico ( La Diligencia, Ben Hur, Lo que el viento se llevó... ) pero no hay que olvidar que gran parte de las obras maestras son filmes que en su día pasaron desapercibidas o frecuentemente fueron objeto de duras críticas contra sus autores por una u otra razón: Dersu Uzala fue duramente criticada, Topaz tildada de mero folletín anticomunista, El hombre que mató a Liberty Valance como película desfasada y sin interés según bastantes críticos, Cleopatra era un producto fracasado para muchos aún hoy en día ( en mi opinión se trata de una obra maestra sin paliativos )...Y los filmes de Delmer Daves se tildan de modestos y se ignoran en muchas recopilaciones cuando algunos como éste Tren de las 3:10 son verdaderos logros artísticos de primer orden.

En París, a mediados del siglo XIX, un doctor realiza experimentos para demostrar el lazo de unión existente entre el ser humano y el simio. Tales experimentos conllevan prácticas delictivas.

París, ciudad que En doble asesinato en la calle Morgue, aparece retratada en toda su oscuridad, vileza y poder sugestivo. Entre cuyas brumas acontecen refriegas y crímenes cometidos por doctores en busca de superar su condición humana, erigiéndose en verdaderos creadores.

La fotografía expresionista germana de Karl Freund y la dirección de Florey nos ofrecen un magnífico filme de terror que posee una de las atmósferas más refinadamente sugestivas que se haya podido concebir e ideas que influenciarían obras posteriores (sin ir más lejos King Kong de 1933 se basa claramente en alguno de los pasajes de la obra que nos ocupa) . Lugosi, especie de Dr. Frankenstein, en una interpretación memorable, avanza en una de las escenas entre la bruma en busca de mujeres con las que experimentar, encontrándose con una prostituta que estaba atemorizada por haber presenciado una pelea mortal... Es tal la sordidez y perversión latente reinante en las entrañas de este filme que incluso se apuntan actividades zoofílicas (evidente excitación del gorila ante las mujeres que rapta Lugosi).

La expresividad visual, perfección formal, profundidad de contenido y magnífica construcción dramática de este filme le emparentan en cuanto calidad con los filmes de James Whale.

Una parte del pueblo hebreo, guiado por Lot, pone fin a su largo peregrinaje instalándose en las cercanías de la ciudad que pondrá a prueba su fe: la viciosa, egoísta y corrupta Sodoma y Gomorra.

Este filme gira en torno a varios polos principales:

En primer lugar Sodoma actúa como una influencia que hace aflorar los vicios, defectos y perversiones del ser humano. Sodoma, idealización de la seducción del mal, polo atrayente, lugar sugestivo que transforma al ser humano hasta situarlo fuera de cualquier ley moral o religiosa.

En segundo lugar se nos presenta la fe del Antiguo Testamento como una doctrina estigmatizadora, dura, inamovible, humilde, intransigente. Defensora de la doctrina de Dios, un Dios vengativo que impone duras cargas a sus hijos en pos de la prosperidad.

Del choque de estas dos ideas, de estas dos visiones, surge un fresco rico en matices aunque no carente de defectos que resulta enormemente atractivo para el espectador: esta película excede del simple espectáculo y supone un estudio de las debilidades humanas, de los sacrificios provocados por la fe y de la libertad.

Al margen de interpretaciones filosóficas es necesario dejar patentes los resultados artísticos de esta obra: la fotografía es discreta, predominando en ella los tonos crudos y áridos del desierto, el guión es irregular, aparentemente simple, pero encierra una complejidad notable en el dibujo psicológico de los personajes, la dirección de Aldrich es también irregular aportando el toque cruel, seco, rico en matices y cínico que le caracteriza. Por otro lado la banda sonora es correcta pero utilizada de manera reiterativa a lo largo del metraje.

En cuanto al reparto, dentro de la corrección general, cabe destacar a Anouk Aimée en el rol de la pérfida reina de Sodoma por su comedimiento e intención en los gestos y a Stanley Baker que representa a su corrupto, vulgar, falso e impotente hermano.

El resultado es irregular pero rico en matices, resultando atrayente por la temática subversiva que subyace en esta obra, alejada de la monotonía y simpleza en el tratamiento argumental y perfilación de personajes propia de las epopeyas bíblicas en su traslado al cine.

Champ nos muestra la relación entre un padre y su hijo basada en la admiración, el cariño y la generosidad. La integridad, la grandiosidad del alma de estos dos personajes se nos presenta por King Vidor de una manera irrepetible mediante travellings con significado contextual, primeros planos ( pocos ) con una expresividad deslumbrante y un sentido del ritmo cinematográfico perfecto.

Se trata de una historia con aire de cuento ( en la linea de ¡ Que bello es vivir ! de Frank Capra ), se trata de una tierna historia que construye su carga emotiva no desde el histrionismo sino desde la simplicidad. Simplicidad expositiva tras la cual subyace la maestría absoluta de uno de los cineastas más capaces en la descripcción de personajes y la implementación de la técnica en un argumento.
Amarga, ilusionante, tierna, deliberadamente inocente, Champ es recomendable para aquellos que aún tengan el alma pura, para aquellos que no han sucumbido al relativismo y a la prepotencia irónica posmoderna. Champ, en definitiva, es un oasis de cine en estado puro dispuesta a depositarse en el corazón de los seres que aún disfrutamos de los sueños de la infancia.

Un pequeño detalle de esta obra maestra de Hawks ilustra lo expuesto por el título de la crítica:
Hay un momento en el que la narración quiere dar a entender que ha pasado un mes desde un hecho hasta el siguiente, que ha transcurrido un tiempo con la violencia como telón de fondo. Existen dos maneras de enfocar esta escena de transición:

a. Insertar un rótulo ( Un mes más tarde...), dar el salto temporal sin avisar pero crear un diálogo para resaltar ese mes que ha pasado...

b. Optar, como se hace en este filme, por la solución más económica y la más adecuada al medio visual que es el cine: mostrar en primer término un calendario al cual se le caen las hojas de los días al ritmo de la violenta ráfaga de una ametralladora que se situa en el fondo de la imagen.

La opción que toma Scarface en este caso concreto es acertadísima y explica dos ideas (el paso del tiempo y la violencia vertiginosa de la época) en una sóla imagen, ejemplo de eficaz economía narrativa.

Este tipo de detalles forman parte del lenguje puramente cinematográfico que aún hoy en día algunos no conocen, prefiriendo crear aburridas y dilatadas escenas demasiado explicativas y reiterativas. Scarface está repleto de pequeños y grandes detalles visuales como éste (constantes elipsis, la utilización de la cruz en las escenas de muerte, la espléndida solución narrativa en la primera escena de la película, hallazgos narrativos como el encendido de una cerilla en la estrella de la policía, la utilización de los muros de metal del domicilio del protagonista...).
Siendo una película con setenta y ocho años de antigüedad (rodada en 1930 aunque no estrenada hasta 1932), Scarface es una de las obras que ha hecho un uso más intensivo del lenguaje cinematográfico en toda la historia del cine.