Hace relativamente unos días Netflix estrenó lo nuevo de Sam Levinson, autor de la aclamada serie ‘Euphoria’. Se trata de una película singular donde repite trabajo con Zendaya y añade a su escaso reparto a John David Washington (‘Tenet‘), los dos únicos actores que aparecen en toda la cinta.

Rodada en blanco y negro, con solo dos personajes y en un único escenario, ‘Malcolm & Marie’ se ha convertido en una de las sorpresas de la temporada con una propuesta arriesgada e interesante.

Se trata de la tercera película de Levinson quien anteriormente ya nos dejó ‘Another Happy Day‘ y ‘Nación Salvaje‘, justo antes de embarcarse en su mayor proyecto, ‘Euphoria’. Ahora repite colaboración con Zendaya en una cinta todavía más íntima, pero con cierta esencia al mismo trabajo que realizaron los dos juntos.

- La intimidad de una relación

‘Malcolm & Marie’ nos presenta a un director de cine y su novia justo a la vuelta del estreno de su nueva película. Al poco de llegar él notará algo en la actitud de ella que desencadenará una discusión y sacará a relucir todos los problemas derivados de la falta de diálogo. Una relación que será puesta a prueba.

En este sentido la mayor virtud de la película es un guion brillante y una actuación sólida que consigue plasma la naturaleza de una relación caótica pero al mismo tiempo muy corriente. ‘Malcolm & Marie’ tiene el poder de plasmar situaciones en la que vernos reflejados, y en cierto modo sentirnos identificados por completo.

Como una montaña rusa de emociones, acompañaremos a los personajes en una conversación que por momentos derivará en discusión y pondrá sobre la mesa trapos sucios y la evidente falta de comunicación entre ambos. Nos mostrará la complejidad de las relaciones, y con absoluto realismo veremos el desequilibrio emocional que puede surgir por una simple falta de sintonía.

Pero las discusiones de pareja no lo son todo y la película también brilla por unos discursos deslumbrantes. Desde una férrea crítica al periodismo y el modo en que este trata al cine buscando siempre un pretexto político-social, al tremendo puntapié de una mujer resquebrajada y de la falta de gratitud por su imponente influencia. De un modo similar a ‘Historias de un matrimonio’, Zendaya y John David Washington tienen cada uno su momento estelar que combina un diálogo electrizante con una interpretación tremendamente sólida.

Zendaya destaca, por supuesto, su simple presencia se erige imponente en toda la cinta, pero a medida que esta transcurre vemos como sus defensas se van derruyendo para descubrirnos una persona dolida, revelando la gran magnitud de una actuación redonda. John David Washington por su parte interpreta con ahínco a un cineasta engreído pero igual de brillante: su energía se transmite, es capaz de llegar hasta nosotros y lograr que nos quedemos exhaustos.

‘Malcolm & Marie’ es un ejercicio interesante que realmente no tiene mucho que ofrecer más allá de una intensa conversación de una hora y tres cuartos. Su fotografía es notable y en cierto modo el blanco y negro es un acierto que enfatiza la ambientación dramática. Entre ratos se deja oír un buen repertorio de canciones variadas que van desde James Brown, pasando por Outkast y John Coltrane, entre otros.

Si hemos de destacar algo por encima del guion sin duda nos quedamos con la química que transmiten ambos actores. Zendaya y John David Washington son como uña y carne al mismo tiempo que son como aceite y agua. Y ahí es donde reside el verdadero talento entre ambos: el poder de encajar con su opuesto y plasmarlo ante la cámara. Realmente parecen hechos el uno para el otro en unos papeles escritos a medida.

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No hay género de cine que más me eche para atrás que el cine romántico, pero como buen cinéfilo siempre estoy abierto a descubrir lo mejor de cada género, incluso de algunos tan poco atrayentes para mi como el cine de terror pese al mal uso que se le da actualmente.

Si algo he podido observar con el paso del tiempo es que en cuanto a romance tengo una predisposición al cine menos empalagoso y más abstracto, artístico y elocuente. Películas como ‘My Sassy Girl’ (la original), la trilogía ‘Antes del…’ o ‘Persiguiendo a Amy‘ son mis referentes principales y todos tienen un punto en común; dejan a un lado la cursilería y potencian otros aspectos, como el humor, la filosofía o la moral.

El cine francés destaca por dos aspectos muy característicos de su clase; las comedias y los romances, muchas veces separados entre sí. Pero entre películas de humor fácil e historias de llorera superficial hay obras magníficas que logran juntar ambas cosas de una manera ingeniosa y perfecta como es el caso de ‘Amélie’, y ‘Jeux d’enfants’ (‘Quiéreme si te atreves’) es otro ejemplo de ello.

- Atrévete a querer

En forma de comedia negra, ‘Quiéreme si te atreves’ nos cuenta la historia de Sophie y Julien, dos pequeños y revoltosos críos que se han propuesto llevar hasta los límites un juego de cumplir retos de lo más atrevidos y comprometedores. Este peculiar juego que peca de ser inocente da lugar a una verdadera amistad entre ambos, y esto les servirá de autoconocimiento propio.

Los retos empiezan por cosas tan simples como estar una hora apoyado de un solo pie, hasta llegada la adultez presentarse a exámenes en ropa interior. Pero a más vayan creciendo los protagonistas así como la amistad entre ellos más irán convirtiéndose estos retos de simples bromas traviesas a compromisos más serios y emocionales. Aquí iremos descubriendo la fortaleza entre ambos protagonistas y su peculiar química sentimental, la autodestrucción y la moraleja que hay detrás.

Presentándonos a una Marion Cotillard bastante joven en el papel de Sophie, a su lado le acompaña Guillaume Canet como Julien. Ambos dan lo mejor de sí en unos papeles que logran encauzar y la relación entre ambos sencillamente encaja como dos piezas de puzle, aunque dos piezas un poco duras y que se deben forzar un poco para encajar del todo bien.

Pero el aspecto por el que más destaca la cinta es por su abstracción, su puesta en escena y su magia detrás. Como si un cuento «romántico-oscuro» de los hermanos Grimm se tratase, ‘Quiéreme si te atreves’ se atreve bastante con lo surreal, lo colorido sobre tonos negros y apagados, y las representaciones metafísicas que pretenden ser más un recurso artístico que un significado muy oculto que debamos escarbar para comprender. En este aspecto recuerda bastante a ‘Amélie’ pero sin ir a más, la nacionalidad y el arte es lo único que tienen en común, aunque ‘Amélie’ es más viva en color.

De entrada ‘Quiéreme si te atreves’ no es un reflejo de lo que es el amor en sí pero aún así logra ser una de las películas más románticas que existen. Mediante una representación de una hermosa relación de amor-odio se acerca bastante a lo que es el verdadero romanticismo. Y eso que la historia que nos cuenta es puro surrealismo extremo.

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En febrero del año pasado se estrenó en el país asiático The Wandering Earth, una enorme epopeya de ciencia ficción que arrasó la taquilla china, convirtiéndose en la segunda película más taquillera de la historia de su país, y la segunda película con mayor taquilla global en lo que llevamos de año.

The Wandering Earth es además el mayor blockbuster producido en China con un presupuesto de 50 millones de dólares. Se estrenó en febrero en las salas de China, Estados Unidos y Australia, y en el resto del mundo meses después, de la mano de Netflix.

- Una epopeya intergaláctica

The Wandering Earth nos sitúa en un futuro distópico en el que el Sol empieza a apagarse, amenazando así la supervivencia de toda la humanidad. Como plan para sobrevivir proponen propulsar a la Tierra en un viaje sin límites, para sacarla de los límites del Sistema Solar en busca de un nuevo hogar.

Con esta premisa arranca la película en un scifi inusual y que rompe muchos conceptos que hacen plantearte ‘¿pero esto es posible?’. Posible o no, lo cierto es que la fórmula de The Wandering Earth funciona perfectamente gracias a un maravilloso apartado técnico, una fotografía excepcional y unos efectos especiales impresionantes.

A nivel científico lleva hasta el límite muchos posibles, pero también se nota que han consultado expertos en la materia, pues plantea muchas soluciones, como el hándicap final para sacar a la Tierra del Sistema Solar, que en un plano teórico son lógicos.

- Aún así, hay algo que falla

Tenemos una idea arriesgada pero emocionante, un apartado técnico exquisito, una producción enorme, y que demonios, el hype por las nubes. Pero todo esto acaba lastrándose una vez estás viendo la película y te sumerges en ella, sientes como algo falla pero no logras descifrar el qué.

El mayor problema que le veo a la película es probablemente su reparto. A mucha gente le echará para atrás la idea por ser una película 100% china. Yo seré sincero, como fan del cine asiático ya contaba con que la película nos dejaría esa singular carisma que tienen los actores asiáticos, que infunden respeto, emoción e inocencia con mucha expresividad. ¿El problema? Que no lo tiene.

En The Wandering Earth estamos ante una producción asiática que lo único de asiático que tiene son sus actores. La película transmite poco su propia cultura y sus valores, dejándonos con unos personajes muy planos que logran transmitir entre poco y nada, y eso hace que incluso las escenas más emocionantes pierdan mucha de su emoción.

Probablemente la razón sea intentar internacionalizar la película para dotarla de una mayor audiencia global. Aunque hay personajes occidentales entre los extras de fondo, solo contamos con un secundario que es de nacionalidad rusa, y logra transmitir más que su propio compañero el cual es uno de los protagonistas principales.

- ¿La recomiendo?

Resumidamente; sí.

Lejos de ser la Interstelar asiática, The Wandering Earth es una maravillosa película perfecta para un domingo por la tarde. Tiene una duración de 2 horas y está disponible en Netflix, probablemente para toda la vida pues Netflix adquirió sus derechos para (casi) todo el mundo.

Si eres fan de la ciencia ficción, de las películas en el espacio, del cine apocalíptico o de las epopeyas espaciales, es una magnífica opción que merece mucho la pena tener en cuenta.

Reseña original:
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Hoy vengo a hablaros de ‘Luce’, una película de autor con un potente mensaje racial camuflado en buenas dosis de thriller. Después de la denostada ‘The Cloverfield Paradox‘, Julius Onah vuelve a la dirección con lo que sin duda podemos catalogar como su trabajo más notable hasta la fecha.

Contando con rostros de renombre como Naomi Watts, Tim Roth y Octavia Spencer, la película nos presenta al joven actor Kelvin Harrison Jr. protagonizando un thriller donde, lejos de las falsas impresiones, nada es lo que parece.

- La historia de un muchacho

En el filme conoceremos a Luce Edgar, un joven proveniente de las zonas conflictivas de Eritrea. Fue adoptado cuando era pequeño por una pareja de Arlington, Virginia, interpretada por Naomi Watts y Tim Roth. En plena etapa universitaria se ha convertido en el modelo ejemplar para toda la comunidad, tras un duro camino para integrarse en la sociedad.

Su profesora está convencida de que el chico se convertirá en un símbolo de la excelencia negra. Sin embargo una serie de descubrimientos sobre Luce plantearán más preguntas que respuestas, bajo la temeridad de que esconda mucho más de lo que el chico aparenta.

Con esta premisa tenemos un filme que logrará atraparnos tan pronto como toda la intriga comience a florecer. Al principio puede hacerse lenta, pero una vez lleguen a suscitarse las primeras señales de que algo no va bien, la película logrará engancharnos.

Entre intrigas y suspense, al mismo tiempo nos va dejando un potente mensaje social que culmina en el punto más álgido, logrando nuestra incomodidad por los planteamientos que suscita.

- Un cóctel de géneros explosivo

‘Luce’ explora alguna de las temáticas más recurrente del cine americano, y que siempre ha sido representado desde un prisma tendenciosamente dramático para romper con el cliché establecido y ofrecernos su propia historia; un thriller racial con la capacidad suficiente de lograr que nos planteemos preguntas incómodas. Preguntas que ningún otro drama social habría conseguido alcanzar en nuestro subconsciente.

Pero lejos de ser un filme político, lo cierto es que el tema en cuestión queda entre bambalinas y toda la acción se centra en el misterio y el suspense. Aún así, el trasfondo de esta película encaja a la perfección con el género. Es capaz de demostrarnos que no hacen falta antagonistas, rompecabezas o detectives para hacer un buen thriller de suspense. Todo es posible en el mundo del cine.

A destacar tenemos la maravillosa actuación de nuestro joven protagonista Kelvin Harrison. Mención especial a la inigualable Naomi Watts que vuelve a dejarnos otro de sus papeles de madre sobreprotectora. Tim Roth por contraparte, su paso por la película acaba siendo poco trascendente.

‘Luce’ es una película notable, perfecta para pasar una tarde de intrigas y con una duración aceptable (1 hora y 50 minutos). No es una de las primeras recomendaciones que haría, pero sí pienso que merece la pena tenerla en nuestra lista de películas pendientes por ver.

Reseña original:
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Para el que no lo conozca, Takashi Miike es uno de los directores japoneses más aclamados de su generación. Un director un tanto peculiar y que no duda en salirse de su zona de confort (o más bien hacerla crecer) abarcando tantos generos como pueda; cine de samuráis, de terror, de ciencia ficción, westerns, adaptaciones de mangas, de animes, de videojuegos… y todas cargadas de pura demencia.

A sus espaldas tenemos sagas como Crows Zero (basada en el manga Crows), Hara-kiri: Muerte de un samurái y 13 asesinos que podrían entrar entre sus mejores películas, o Audition, el thriller de terror con el que se dio a conocer en grandes festivales. Un hombre que ha dirigido ni más ni menos que 112 producciones de todo tipo.

Estamos hablando, sin duda, de uno de los directores más aclamados en su país y también por uno de los directores más respetados; Quentin Tarantino, que además tuvo un cameo en una de sus películas, ‘Sukiyaki Western: Django‘.

- Yakuzas, acción, y un boxeador

De entrada, e inevitablemente, ‘First Love’ tiene algo especial que me recuerda mucho al cine de los hermanos Safdie o Guy Ritchie; una trama que te lleva por caminos totalmente impredecibles pero muy bien hilados, y realmente hilarantes. La película tiene buenas dosis de humor pero sin llegar a chafar la acción, la trama, ni el propio clímax. El humor es parte del diseño, del lenguaje cinematográfico que la película trata de transmitir.

También estamos ante una película de historias cruzadas donde se nos presentarán a varios personajes (que no son pocos) y veremos, a lo largo del filme, como sus caminos se van cruzando para dar lugar a situaciones totalmente fuera de control.

En ‘First Love’ comenzaremos de la mano de Leo (Masataka Kubota), un sombrío boxeador lleno de traumas personales que acaba de recibir una trágica noticia. Noticia que, para su infortunio, le llevará a vivir una de las noches más rocambolescas de su vida. Y nosotros le acompañaremos en esa desdicha.

Por otro lado tenemos a Monica (Sakurako Konishi), una joven que debe pagar una costosa deuda, Kase (Shota Sometani), un joven y ambicioso yakuza, y Ōtomo (Nao Omori), un policía que no duda ni un segundo en traspasar las líneas de la corrupción.

Con este elenco se consolida todo el eje principal de la historia. Pero realmente la película cuenta con un reparto de actores mucho más amplio. Una gran variedad de personajes, y cada uno con unos rasgos tan peculiares que logran dejar huella en en el filme.

Como thriller de acción que es y tratándose de Yakuzas no podía faltar tampoco una violencia gráfica bastante explicita, algo que quedará palpable en los primeros compases de la película, con una secuencia de boxeo perfectamente intercalada con un encuentro de yakuzas. Esta escena viene a decirnos básicamente qué nos encontraremos el resto de la película.

Aún así la violencia no es en exceso y está bien compensada con unas actuaciones increíbles, perfectas coreografías, y un inesperado humor que rebaja la tensión pero igualmente logra meternos aún más en la película. Y es aquí es donde reside el talento de Miike.

- Conclusión

‘First Love’ es claramente una película que gustará tanto a los fans del género como a los fans del director. Es directa, clara en intenciones, y no vacila ni un momento en llevar su trama a escenarios de los que es es complicado salir, para acabar saliendo airosamente con una ejecución perfecta.

También aporta un aire muy distinto a lo que estamos acostumbrados a ver últimamente, transportándonos a lo mejor del cine tradicional japonés sobre yakuzas. Y es que toda la película ha logrado mantenerme enganchado a la pantalla, con un solo momento de flaqueza durante una persecución, pero igualmente una persecución corta y que la gran actuación del actor Shota Sometani logra salvar con gran talento.

Por supuesto, el título de la película poco tiene que ver con la misma.

Pero sí es cierto que la película genera amor a primera vista.

Reseña original:
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