*El largo viaje del amante añorante

En Una película póstuma un hombre maduro, Pere Ponce, recibe una llamada de la mujer que amó por lo que comienza un largo viaje por el campo para reunirse con ella. Siguiendo a un guía caminan por un terreno escarpado e inhóspito.

El largo trayecto es duro para el hombre a quien le cuesta gran esfuerzo avanzar, jadeando y teniendo que parar con frecuencia. Su destino está en la cumbre de la montaña. Allí está asentada una comunidad proscrita de hombres, mujeres y menores.

El costoso recorrido campo a través es magníficamente retratado por la dirección de fotografía de Alfonso Sanz. La cámara va recogiendo no solo imágenes de la travesía sino sobre todo sensaciones palpables.

La relación del hombre y su guía es distante y estricta desde el principio, con pocas palabras entre ellos y a veces intencionados silencios muy expresivos por parte de quien va marcando el camino.

Con un argumento sencillo la trama de Una película póstuma es muy intensa por el clima psicológico creado en los muy cuidados diálogos, escuetos pero bastante elocuentes.

La percepción como espectador es una interacción sensorial y sensitiva, muy emocional e intimista. Una gran experiencia interactiva donde priman las sensaciones sobre las palabras y los sentimientos sobre las ideas. Una vivencia subjetiva pero muy espontánea y directa.

*Una gran experiencia sensorial y emocional

Una película póstuma se rodó en plena pandemia con localizaciones en el área geográfica de Arenas de San Pedro y Guisando, en la provincia de Ávila.

El a veces inquietante paisaje se convierte en un protagonista más de Una película póstuma. Una muy cuidada selección de temas de música clásica ambienta perfectamente el clima dramático de la esforzada travesía.

El largometraje mantiene un clima intimista durante el largo camino donde viajan solos el amante y su guía. Un tempo lento que hace intensificar la parte vivencial que puede percibir el espectador.

No es una película convencional en absoluto. Es una demostración completa de que se pueden hacer interesantes películas con bajo presupuesto, argumentos sencillos y un equipo técnico pequeño. Según comentó Sigfrid Monleón en la rueda de prensa posterior todo el equipo de la película cabía en dos furgonetas para trasladarse al lugar de rodaje. El largometraje tiene un gran desarrollo argumental, una buena dirección y grandes actores.

Una película póstuma hay que verla con todos los sentidos bien despiertos, paladearla con calma y sin prisa, hacerla nuestra a sorbos, muy lentamente en pequeñas dosis. Así nuestra vivencia será máxima y saldremos mejor de la gran experiencia ritual del viaje.

Para Pere Ponce, protagonista principal, “Esta película es un acto de amor. Es pequeña, aunque con una gran semilla en su interior. Un viaje mágico y poético, a través del cual el personaje se dirige a una parte muy oscura de su vida”.

Vito Sanz, otro destacado intérprete, comentó resumiendo su experiencia actoral en la película. Se sintió como cuando actúa en teatro con la trama discurriendo como un gran río donde van apareciendo los personajes a medida que fluye.

El director comentó el gran trabajo preparatorio previo con los trabajos de cámara en las localizaciones coreografiando los catorce largos planos secuencias de la película.

Igualmente explicó su metodología actoral, con los protagonistas ensayando los movimientos teatrales, aportando una gran expresión e improvisación espontáneas de silencios y respiraciones intensas.

*Referencias literarias y filosóficas

Para el director y guionista Sigfrid Monleón la película se basa en El libro de la pobreza y de la muerte de Rainer Maria Rilke. El escritor reflexiona sobre “la muerte propia” que todas las personas llevamos dentro como una semilla que ha de madurar. Para Rilke la muerte da sentido a la vida en la finitud y vulnerabilidad de las personas.

En la rueda de prensa también añadió otras referencias, La Odisea, de Homero así como los tercetos de Dante en La Divina Comedia. Pero sobre todo el libro Condición póstuma, de la filósofa Marina Garcés.

En Una película póstuma el amante poco a poco va ascendiendo a la cumbre de la montaña siguiendo a su guía hasta llegar a una comunidad proscrita. La figurinista Laura Renau diseñó un acertado vestuario atemporal tanto para los dos caminantes como para hombres, mujeres y menores de la comunidad. Ropas confeccionadas que podrían ser tanto de época medieval como de la década hippie o actual de alguna comuna ecológica alternativa.

Cuando llegan a la cima se produce finalmente el reencuentro con su hace tiempo amada produciéndose mucha emotividad recíproca, especialmente muy expresiva a nivel no verbal sobre sus caras. Es la demostración palpable que para el amante ha sido una historia que nunca pudo olvidar por la gran huella afectiva que dejó en su vida.

Todo el elenco actoral interpreta sus papeles de manera equilibrada y muy al servicio de la expresividad de las emociones. Componen el cuadro de protagonistas Pere Ponce, Vito Sanz, Francesco Carril, Ana Risueño, Camilo Rodríguez, Alexandra Restrepo y Paula Usero.

Una película póstuma se mueve oscilando entre lo onírico y lo trascendental haciendo que sintamos agitarnos como espectadores.

*Conclusión

Una película póstuma es una extraordinaria historia muy diferente a los largometrajes convencionales por lo que nos aumenta la confianza en la utilidad espiritual y vivencial del Cine con mayúsculas.

Argumento sencillo pero profundo, con una localización muy especial y un tempo del aquí y ahora que encuadra perfectamente la evolución de la acción.

Película de cine de autor que quedará como gran referente en la mejor filmografía española del año 2022. Éste film precisa del espectador vivirlo en la gran pantalla, así como una actitud muy atenta y abierta para impregnarse en todos sus poros.

Escrito por Fernando Gálligo Estévez

*Un completo caos

Desafortunadamente o al menos a ojos de este crítico, esta entrega de El escuadrón suicida (The Suicide Squad) se caracteriza por exprimir durante todo su metraje, un caos narrativo sin sentido aparente. Siempre es de agradecer y tienen un gran encanto aquellas películas de superhéroes que no se toman muy enserio, pero no si el ánimo es vender un despropósito como el que vemos en esta cinta. Tiene un comienzo esperanzador, pero poco a poco va denotando su falta de claridad en el argumento que pretende desarrollar. Es cierto que hay alguna que otra escena de acción que deja cierto buen sabor de boca en el espectador, pero en líneas generales es una cinta que va cuesta abajo y sin frenos.

Tira de cierto humor negro que tampoco consigue entusiasmar, causando más vergüenza ajena que carcajadas. Hay un momento como a mitad de metraje, que la trama pega un volantazo de guion sin venir para nada cuento; demostrando que el director confunde lo desenfadado, con la absurdez desmedida.

*Margott Robbie y poco más

Parecido a lo que ocurrió con la película de 2016, Margott Robbie es la única que consigue sostener la trama de esta nueva entrega de El escuadrón suicida, volviendo a encarnar a la maravillosa Harley Quinn. De hecho, la escena de acción que protagoniza es el momento más álgido que maneja este film de largo. Graciosa, locuaz y sádica, el personaje de Harley Quinn es el único que albergar cierta complejidad y trasfondo. Los demás, son una banda de personajes simplones, que ya hemos visto en infinidad de ocasiones en otros films del género.

Por ejemplo, el personaje de Idris Elba es el típico hombre testarudo pero de buen corazón, que sus errores vitales le han llevado a distanciarse de su familia; en este caso, de su hija. En cuanto a John Cena, es el alivio cómico de la mayoría de situaciones, que poco le diferencia del típico cuñado que tienes que aguantar todas las cenas de navidad. Si hablamos de Viola David, es incomprensible que una actriz de su talla haya accedido otra vez, a hacer este papel tan insulso. También incomprensible lo de Sylvester Stalone, que encarnado a esta especie de tiburón mercenario, no ha llegado a asemejarse en nada a lo que James Gunn pretendió con Vin Diesel y el personaje de “Groot” en “Guardianes de la Galaxia”.

*Golpes de estado y extraterrestres

Por último, toca hablar de la misión encomendada a la que están este grupo de villanos. Por un lado, nos venden que la misión que tienen que llevar a cabo es la de derrocar a un gobierno, que ha pegado un golpe de estado en una región remota de Latinoamérica; gobierno que está encomendado por el personaje que encarna el gran Juan Diego Botto, que a decir verdad, acaba brillando por su gran ausencia en el devenir final de la trama. Cuando piensas que la cosa no se puede volver más absurda, la película nos cuela a un extraterrestre con forma de estrella de mar, que pretende hacerse con el control de todo.

¿Puede haber peor villano que un alíen con forma de estrella de mar? Sinceramente, no lo creo y no entiendo en que momento el director vio factible que el desenlace final de la trama, girara en torno a este ser que trasmite más vergüenza ajena que respeto. Luego esta entrega de El escuadrón suicida, tiene momentos algo gores y a su vez momentos que son tremendamente infantiles; una propuesta que no llega a funcionar en ningún momento.

*Conclusión

El escuadrón suicida (The Suicide Squad) es una película que pretende ser irreverente y desvergonzada, pero que acaba por ser un auténtico despropósito a nivel narrativo. James Gunn se ha quedado sin ideas, planteando una “Guardianes de la galaxia” versión DC, que carece del carisma y autenticidad de la saga de Marvel. Es cierto que cuenta con algunas buenas escenas de acción, que consiguen que las más de dos horas de metraje se hagan más digeribles. En cuanto al elenco se refiere, únicamente Margot Robbie es la que consigue sostener a la película y alejarse de ese sabor a vergüenza ajena que dejan el resto de personajes. En definitiva, una película para olvidar y que no consigue llevar a buen cauce la propuesta con la que parte.

Escrito por Daniel Jiménez

*La estética del desierto y el homenaje a Thelma y Louise

Los escenarios naturales de la isla canaria de Tenerife acogen esta nueva ficción de Netflix, que esconde secretos y traiciones tras las puertas de “Las Novias Club”. En un tono árido y desértico, Sky Rojo, elabora una especie de homenaje al cine de los 90, con tintes de western moderno. Se trata de un relato que nos recuerda muy de cerca a la película de “Thelma y Louise”, donde la sororidad y la comprensión entre mujeres va más allá de la amistad para convertirse en una especie de empoderamiento entre hermanas.

Ellas están solas ante el peligro pero nunca del todo, ya que entre las tres se protegen y cuidan, en definitiva, como lo que haría una familia. En determinadas ocasiones, gracias a la relación tan fraternal entre las tres protagonistas, podemos atisbar como ellas también tienen aspiraciones y sueños que lucharán e intentarán cumplir a pesar de tener al mundo en su contra.

*Un reparto conocido y una ambientación llamativa

La serie de Sky Rojo, encuentra su mayor exponente en su reparto. Varias caras conocidas internacionalmente componen los personajes más relevantes de la trama, entre ellos una sorprendente Verónica Sánchez que se aleja por completo de su papel de Eva en “Los Serrano”, para pasar a ser la líder de la revolución contra los chulos. A ella le acompañan otros actores ya consagrados como Miguel Ángel Silvestre, Asier Etxeandía y Enric Auquer Sardá, entre otros.

La ambientación y las localizaciones se salen del estándar común dentro del panorama de ficción español y nos presentan un burdel que más bien se asemeja a una especie de cárcel o búnker, donde viven hacinadas todas las chicas. Ese gran edificio gris de cemento, supone el universo finito en el que se relacionan todas ellas. No conocen nada ni a nadie más allá de los clientes que acuden cada noche a demandar sus servicios.

Esto hace que en ocasiones ellas pierdan casi por completo su humanidad, sintiéndose como animales enjaulados y por tanto el amor sea la única cosa que las haga sentirse algo humanas y vivas de verdad. El uso de luces de neón y de colores estridentes, sirven para acentuar y enfatizar en una estética que muestre la frivolidad del burdel y la superficialidad del negocio pero también, hace los escenarios algo más alegres dentro del drama que es la serie a nivel argumental.

*El necesario trasfondo de la serie

En Sky Rojo el tema de la prostitución es aquel que parece más evidente, pero para sorpresa grata del espectador, al conocer el pasado de estas tres protagonistas, logramos comprender a Wendy, Gina y Coral y queremos tanto como ellas que consigan librarse de esa vida de malos vicios y sobre todo de los malos hombres.

Bajo un humor negro, pero inteligente y, sobre todo, irónico, algunos de estos temas que se tratan bajo el manto del negocio de la prostitución son, por ejemplo: la trata de mujeres. Cómo consiguen traer a las jovencitas de países menos desarrollados como Cuba o Argentina hacia España, prometiéndolas trabajos honrados para luego terminar condenándolas a ser prostitutas y teniendo prácticamente que besar el suelo por donde pisa su chulo.

En la serie se hace referencia al alto consumo de prostitución en España, en relación con otros países de Europa, y por ende del mundo. Esto nos hace repensar en la sociedad de consumo que va mas allá de lo material y encuentra en el “negocio de la carne” su mayor fuente de ingresos.

*Lo que rodea a la prostitución

El consumo y la dependencia de las drogas es otro de estos temas que subyace bajo la trama de las chicas de compañía y también la ira incontrolada o la ansiedad que sufren alguno de los personajes.

Finalmente, uno de los temas más interesantes de Sky Rojo es el hecho de que muchas mujeres se meten a prostitutas a pesar de tener grandes carreras universitarias, porque dicen que ganan más y porque no les dan una oportunidad laboral en su campo. Sin duda una de las cuestiones que más da que pensar de todo este subtexto. Como es el caso de Coral, una bióloga que cansada de no encontrar empleo en un país que no apuesta por la ciencia ni la cultura, ve como única salida meterse a trabajar en un burdel de carretera.

*Conclusión

Para los amantes de la acción, Sky Rojo es, sin duda, una apuesta segura. El reparto actúa muy correctamente y el guion es interesante por los temas que esconde bajo toda la trama de corrupción y prostitución. Sin embargo, la persecución a veces se hace algo repetitiva o predecible y los toques de humor un pelín forzados en algunas ocasiones. Sus puntos fuertes podríamos decir que es la ambientación y la duración breve de sus capítulos (aproximadamente 25 minutos), que hacen que su visionado no se haga pesado al espectador y que cada capítulo sea una especie de píldora que se toma poco a poco.

Escrito por Irene Merino Torres

*Historias de mujeres para el mundo

Hay cierta tendencia a pensar que las series (o libros) escritos por mujeres con problemáticas que envuelven su universo femenino son exclusivamente para mujeres, pero es un error. Con Valeria, adaptación en serie creada por María López Castaño, adentra al espectador al universo originario de las novelas de Elísabet Benavent. Lejos de convertirse en un cliché, se desmarca para dar una visión realista de los problemas que azotan a sus protagonistas y permite que el público empatice con ellas fácilmente. Además, pese a poder estar pensado para un público femenino, se abre en canal para hacer entender esas preguntas existenciales a todo tipo de géneros, condición social… Por lo cual, es una serie que se gesta desde una narrativa audiovisual de forma universal y regala a la audiencia un retrato fresco y muy inteligente.

La manera en la que marca las líneas narrativas despierta un interés vivo en todo momento y sin elementos rimbombantes. Es más, la gran baza de esta ficción es poder llevar todo esa potencia a través de un marco aparentemente sencillo, pero con una visceralidad y reflexión importantes. Por otra parte, entra en debates de género y de feminismo de una manera totalmente orgánica, lo que hace que se explote un prisma totalmente cotidiano, sin caer en el heroísmo social innecesario. Gracias a ello, el espectador se encuentra ante situaciones reales, poniendo por bandera la necesidad de crear referentes que no sean perfectos. Al igual que pasa en la vida, los personajes de esta serie giran en una diversidad excelsa. Únicamente en algún episodio puede pecar de cierto aroma romántico, pero no compromete al resultado global.

*La sencillez como arma

Una de las peticiones por el público es un reparto a la altura y Valeria lo consigue desde el primer momento. En primer lugar, Diana Gómez ofrece al público una Valeria magnífica, otorgando una interpretación sublime. Inclusive, es imposible imaginar otra actriz en este papel, dado que le da una personalidad y una luminosidad excelentes. Sin olvidar esos matices expresivos que hacen de Gómez una perfecta columna actoral y punto de referencia de la sensibilidad. Luego, está acompañada de tres actrices que brillan en todo su esplendor. Por un lado, Silma López, es un placer verla en pantalla, sabe transportar todo ese dinamismo en su trabajo y lo cuida con un detalle que se aprecia en todo momento. Además, es magnética y con una energía en continuo movimiento. Por lo tanto, es ese pizca de picante necesaria.

Después, Paula Malia refleja el tipo de amistad más blanco, pero que dentro esconde todo un universo de contradicciones, sin apartar su luz, a veces se muestra incómoda. Por otra parte, Teresa Riott es una de las gratas sorpresas de la ficción, encorsetada al principio va evolucionando hasta ser una de las curiosas metamorfosis de la ficción. En consecuencia, hay un mimetismo entre los actores y sus personajes muy conveniente. Luego, es conveniente subrayar las interpretaciones de Maxi Iglesias, Aitor Luna e Ibrahim Al Shami. Mientras que Iglesias demuestra su madurez como actor, Luna y Al Shami controlan la escucha, estrujan su factor emocional y su forma de moverse en escena. Una química excelente que se establece entre todos los intérpretes.

*Bienvenida a Madrid

La ficción española ha cambiado a lo largo de estos años, dando una calidad a las series necesaria e impecable. Con Valeria sumerge al espectador en Madrid, ofreciendo un retrato de la ciudad vivo y no solamente circunstancial. Al igual que series como «Gossip Girl» o «Sexo en Nueva York», Madrid se convierte en el escenario perfecto y contiene en sus imágenes una belleza placentera. Por lo tanto, la dirección de fotografía cuenta con un sello de calidad sobresaliente, en el que transporta al público a esa vorágine sentimental y estética. Lo mismo ocurre con la dirección artística, que realiza una composición ordenada, pero sin caer en neutralidades, lo llena de color y de dinamismo. La confluencia entre estos dos factores técnicos hace que esta serie no tenga nada que envidiar a proyectos estadounidenses, con mayor presupuesto, ya que contiene en sí misma toda esa virtud estética y visual.

El montaje es otro de los aliados más predominantes de la ficción. Gracias a ello, establece una estructura en movimiento, consiguiendo que el ritmo no decaiga en ningún momento. Es más, añadir elementos de la cultura popular como los mensajes de aplicaciones móviles y textos impresos en la pantalla le dan ese toque interactivo. Sin embargo, en algún momento sí que se nota que se hace un uso excesivo de esta técnica, pero, al igual que el romanticismo en grandes dosis en alguna secuencia, no estorba. Después, la composición sonora es actual y bebe de éxitos contemporáneos. Por suerte, el hilo conductor está bien establecido y empasta a la perfección con lo que se muestra en pantalla. En conclusión, el conjunto global a nivel técnico es un conglomerado lleno de vida y acorde a la calidad del texto que hay detrás.

Conclusión

Valeria es una serie con un mensaje que merece ser escuchado, se desmarca de clichés de género y ofrece un libreto lleno de personalidad y fuerza. Además, cuenta con un reparto actoral excelente, que sabe canalizar todo ese sentimiento por una vía natural y con una emoción exquisita. A nivel técnico es imposible no dejarse invadir por la gran construcción audiovisual que han creado, haciendo de Madrid un personaje más y cuidando todo tipo de detalles. No obstante, a veces se deja llevar por el romanticismo, aunque no afecta notoriamente en el resultado global. Tan real como la vida misma, donde se demuestra que lo importante es expresarse.

Escrito por Diego Da Costa

*Nueva ola generacional

Titane es la reciente ganadora de la Palma de Oro del Festival de Cine de Cannes 2021. Una película que narra la historia de Alexia, una joven que de pequeña sufre un accidente y tras una serie de sucesos decide escapar de su casa y dejar atrás su anterior vida. Para ello se hace pasar por Adrien Legrand, un niño desaparecido hace 10 años, que se reencontrará con su padre, Vincent, quién pondrá fin a tantos años de búsqueda. Una cinta revolucionaria que renueva las reflexiones del cine de autor desde un punto de vista feminista.

A través de la unión de dos almas heridas trata temas como el dolor, la ira, la rabia o la venganza. Partimos de dos personajes que no han cerrado sus brechas del pasado y se encuentran en el camino hacia la reconciliación con su persona, para poder mostrar al mundo la belleza que hay en su interior. El cambio de identidad en Alexia no es casual, tenemos a un individuo despersonalizado que trata de buscar su identidad en una sociedad que le impone unos cánones estéticos desde el principio, expuesto con escenas de bailes muy similares a las que podríamos ver en la saga ‘Fast and furious’.

Titane da un golpe en la mesa y se muestra como una nueva percepción del cine, un cine de autor con más ritmo, que se aleja del estilo pausado y reflexivo de películas como ‘Drive my car’ (Ryûsuke Hamaguchi, 2021), que, para la crítica (normalmente más conservadora) ha sido la clara ganadora (Premio FIPRESCI). En los últimos años estamos viendo más directoras sacar películas adelante, lo que nos ofrece una nueva ola de temáticas y puntos de vista, con una nueva concepción la identidad.

*Perfecta imperfección

Titane no va a convencer a todo el mundo porque es una película imperfecta, el discurso de Julia Ducournau nos lo dejó bien claro cuando recibió el galardón. Su punto débil se encuentra en la excesiva espectacularidad y en algunas secuencias que no encajan muy bien en el guion. Una película con mucho ritmo y numerosos momentos que harán levantar al público de sus asientos (en el Festival de Cannes esto se acrecentó tras llevar varios días viendo un tipo de cine más pausado).

Uno de los aspectos más destacables de la obra son las actuaciones, con Agathe Rousselle, actriz novel que mueve los sentimientos de los espectadores a base de brutalidad y fuerza interior, pero también del silencio, que vertebra la relación con Vincent, interpretado por Vincent Lindon, con una actuación estelar interpretando a un personaje masculino sentimental que nos enamora.

Uno de los aspectos más destacables de Titane son sus referentes, visibles tanto en la dirección, como en la temática. Podemos ver similitudes con la sensualidad metálica de ‘Crash’ (David Cronenberg, 1996), con imágenes de cuerpos unidos a coches o de coches, filmados como si fueran figuras antropomórficas, pero también con la personalidad ‘’alienígena’’ de Scarlett Johansson en ‘Under the Skin’ (Jonathan Glazer, 2013). Una cinta plagada de referentes que harán las delicias de los más cinéfilos.

*Conclusión

Titane es la última película de la directora francesa Julia Ducournau. A pesar de su imperfección estructural es una película que se disfruta mucho y cuenta con algunos de los mejores momentos del cine de los últimos años. Una obra que estarán esperando la gran mayoría de espectadores españoles y que llegará el 8 de octubre a los cines, esperemos que para revolucionar las salas como ya lo hizo ‘Parásitos’ de Bong Joon-ho en 2019.

Si hay una cosa clara es que Titane va a llenar las salas de cine y va cambiar la concepción del cine de autor. Una película subversiva que puede ser llevada a los cielos si Caramel Films y Youplanet Pictures plantean una buena estrategia de distribución en todo el país. Desatará la locura de aquellos que estén esperando cine de calidad en pantalla grande y a los más pedantes les decepcionará.

Escrito por Santiago Varela Antúnez