El cineasta experimental británico Guy Sherwin produjo una serie de lo que él llamó "películas de sonido óptico" en la década de 1970 cuando era miembro de la London Film-Makers' Co-op. Sherwin exploró el sonido sintético a través de innumerables técnicas sin cámara, alterando la forma de la tira de película, blanqueando o revelando el celuloide y convirtiendo las imágenes figurativas en sonido. Para su Phase Loop (1971), Sherwin diseñó el bucle titular de doce segundos haciendo un agujero en la película negra cada veinticuatro fotogramas, lo que permitió que un brillante círculo de luz irrumpiera a través de cada segundo durante la proyección. También rascó una línea horizontal en la banda sonora óptica cada veintiséis segundos. La pieza resultante tiene doce destellos visuales y once señales audibles. El sonido y la imagen se sincronizan y desincronizan entre sí a medida que se reproduce el bucle de la película. Sherwin describió la película como "un microcosmos de la experiencia temporal de la película: sincronización y su pérdida, repetición, reflexión, síncopa, anticipación, resolución". (De "Cine hecho a mano")

Film histórico de Walt Disney Productions. Antes de la Segunda Guerra Mundial, la recepción de televisión en Gran Bretaña solo estaba disponible en Londres y las Provincias Nacionales, desde un transmisor en el Alexandra Palace, en el distrito londinense de Haringey, hogar del primer servicio de televisión pública de la BBC . El primer día de septiembre de 1939, los ejecutivos del "Ally Pally" debieron cerrar la transmisión de la televisión por la entrada en guerra de Gran Bretaña. Se pensaba que la señal de transmisión (por antena VHF) podía ser utilizada como receptor por los alemanes para así poder atacar Londres. En el preciso instante en que se desconectó, el público londinense estaba viendo "Mickey's Gala Premiere" en la televisión ... y las pantallas se quedaron en blanco a mitad de la caricatura. Terminada la Segunda Guerra Mundial, la BBC volvió a transmitir el 07 de Junio de 1946, y esta caricatura fue la que abrió las transmisiones. La presentadora Jasmine Bligh le dio el pase diciendo "Now then, as we were saying before we were so rudely interrupted..." (entonces, como estábamos diciendo antes que fueramos groseramente interrumpidos...)
El corto en sí es muy divertido, en una gala con la élite de actores de la época se presenta la caricatura "Galloping Romance", en la cual Pete secuestra a Minnie y Mickey lo persigue arriba de un metalófono y de diversos animales. La audiencia va subiendo en su entusiasmo hasta terminar revolcándose de la risa. Al final todos felicitan al actor principal, Mickey.
Muchos actores y actrices están representados (lamentablemente hay varios que no conozco). Aquí la lista: The Keystone Kops, policías ficticios, humorísticamente incompetentes , presentados en comedias de cine mudo: Ben Turpin, Ford Sterling, Mack Swain, Harry Langdon y Chester Conklin. Y luego siguen, en orden de aparición: Wallace Beery, Marie Dressler, Lionel Barrymore (como Rasputín), John Barrymore, Ethel Barrymore, Stan Laurel y Oliver Hardy, los hermanos Marx (Chico, Harpo, Groucho y Zeppo), Maurice Chevalier (el presentador, con su clásico sombrero canotier), Eddie Cantor (de "Torero a la fuerza"), Jimmy Durante, Jean Harlow, Joan Crawford, Janet Gaynor, Harold Lloyd, Edward G. Robinson, Clark Gable (sus notorias orejas), Adolphe Menjou, Sid Grauman, George Arliss, Joe E. Brown, Charles Chaplin, Buster Keaton, Mae West, Jack Oakie, Helen Hayes, William Powell, Chester Morris, Gloria Swanson, Will Hays, Greta Garbo, Will Rogers, Ed Wynn, Bert Wheeler y Robert Woolsey, Bela Lugosi, Fredric March, Boris Karloff y Douglas Fairbanks.
Dura solo 7 minutos, y claramente lo recomiendo.

Esto lo leí en FILMOTEKA MUZEUM:
Kineformses un registro de imágenes
en movimiento proyectadas con un proyector especialmente diseñado. Andrzej Pawłowski, pintor, escultor y diseñador industrial afiliado al Grupo Cracovia, los presentó inicialmente durante espectáculos privados en su departamento, para compartirlos luego con una audiencia más amplia en el teatro Cricot 2. de Tadeusz Kantor. El proyector consistía en modelos abstractos hechos de celofán arrugado. y papel, un sistema de lentes deformantes y un reflector. Cuando Pawłowski puso en marcha los modelos y lentes, improvisando una compilación de Bach, Honneger e Yma Sumac preparados por Jerzy Kaszycki, aparecieron en la pantalla formas únicas en un estado de flujo constante. El espectáculo de formas y luz lanzado por la máquina fue un presagio de su idea posterior de formas con formas naturales, manifestando la creencia de Pawłowski de que las formas más exquisitas son creadas por la naturaleza, mientras que el papel del artista consiste simplemente en estimular ciertos fenómenos físicos y químicos. En 1957 Kineforms se grabó en material de archivo, con banda sonora de Adam Walaciński. Lo que surgió fue una película abstracta, no muy alejada de la pintura no representativa. Fue exhibido con éxito en el Festival Internacional de Cine Experimental Expo 58 en Bruselas.

El logro de Kubelka es haber llevado el montaje soviético un paso más allá. Mientras que Eisenstein utilizó planos como unidades básicas y los editó juntos siguiendo un patrón para crear significados, Kubelka ha vuelto al fotograma individual como esencia del cine. El hecho de que una película proyectada se componga de 24 imágenes fijas por segundo sirve de base a su arte.

Esta idea tiene diferentes materializaciones en diferentes películas de Kubelka. En Adebar sólo se utilizan determinadas longitudes de plano (13, 26 y 52 fotogramas) y el material gráfico de la película se combina según determinadas reglas. Por ejemplo, existe una alternancia constante entre lo positivo y lo negativo. Las imágenes de la película son tomas en blanco y negro de extremadamente alto contraste de figuras bailando; las imágenes se reducen a sus elementos esenciales en blanco y negro para que puedan usarse en una construcción de imagen, movimiento y sonido repetido casi aterradoramente precisa.
-Fred Camper

Adebar (1956–57; 1 1/2 min.), la siguiente película de Kubelka, fue originalmente un anuncio (rechazado) del Café Adebar. Representa un gran alejamiento del formato de Mosaic y un paso importante en el desarrollo de la obra de Kubelka. Adebar elimina cualquier sentido narrativo y prácticamente se convierte en una película abstracta, debido en gran parte a las imágenes de siluetas, el uso repetido de un fragmento de una melodía reproducida una y otra vez, y las repeticiones visuales y la serialización. La duración de los planos se acorta radicalmente, formando una especie de transición entre los planos de Mosaic y el corte rápido de Schwechater.

En cierto modo, Adebar es la más esquiva de las películas de Kubelka porque parece una película cuyo proceso y estructura uno debería poder captar a medida que se ve, a diferencia de Schwechater, que en una primera visualización parece funcionar de manera subliminal. En Adebar los planos son lo suficientemente largos como para determinar que hay un proceso, un patrón, un conjunto de procedimientos, repeticiones de imágenes positivas y negativas, etc., pero no lo suficientemente largos como para determinar cuál es ese proceso o patrón.

Adebar es una película de danza, una película de danza intensamente rítmica, complicada por estar ligeramente fuera del ritmo metronímico. Esto ayuda a establecer parte de la disyunción sonido/imagen que preocupa a Kubelka en todas sus obras.

Hay cuatro configuraciones de cámara: primeros planos de cabezas, tomas de torsos, grupos de parejas bailando y tomas de piernas. Cada plano sucesivo va de positivo a negativo, a positivo, etc. Además, los planos están en múltiplos de 13 fotogramas (13, 26, 52), y cada plano se utiliza de seis maneras posibles: el plano se muestra en movimiento en su totalidad ya sea en positivo o negativo; el primer fotograma de la toma congelado en positivo o en negativo; el último fotograma de la toma congelado en positivo o negativo.

Las imágenes de Adebar son sombras, el énfasis está en la alternancia de blanco y negro y en el movimiento de gris y blanco en la silueta. Las imágenes de personas se vuelven formas y formas casi abstractas, en movimiento y congeladas. Estas formas y movimientos se repiten aunque nunca exactamente de la misma manera, ni en momentos sucesivos en el tiempo. La imagen es extremadamente plana, en la superficie de la pantalla, con poca o ninguna profundidad ilusoria, especialmente interesante para una película de danza.

Este trabajo en particular plantea la cuestión del tiempo en las películas de Kubelka; para Adebar, mediante la eliminación casi completa de la acción secuencial y a través de la serialización (repetición de patrones variables), prácticamente destruye el tiempo continuo y pone todo el énfasis en lo inmediato, en el presente.
- Elena Pinto Simón / Artforum

Primero decir que me gustan los cortos experimentales, aportan una mirada distinta a lo que llamamos cine. Respecto a este corto, me impresionó, en el amplio sentido de la palabra. Vi como las imágenes se confudían, la cinta se quemaba, no había aparentemente historia. Pero con esfuerzo se puede seguir cierta trama, con imágenes intercaladas de otra historia, que llevan a pensar, "esto lo vi alguna vez, esto me parece que también". Y la cinta avanza y te vas metiendo en la historia, haciendo un gran esfuerzo para preservar la memoria, con una música que acompaña esta tarea. Al final, ese animal eterno, la ballena, te mira, te contempla. Simplemente un hermoso corto.