Incluso hoy día, un siglo después, podemos entender e incluso sentir el profundo impacto que esta película produjo en el público. Nunca antes se había rodado un documental así. Las salas de cine se llenaron hasta los topes. Todo el mundo quería entrar en el mundo secreto, casi extraterrestre, de Nanuk.

A pesar de toda la polémica que rodeó a la cinta, su poder visual, su capacidad para transportarnos hacia lo remoto, lo desconocido y lo infinito la hacen un clásico imprescindible. Hay que pasar por alto ciertas cosas. Que el director compare a los esquimales con los animales, que su concepto de antirracismo sea una condescendencia que no deja de ser xenófoba, que las escenas fueran planificadas cuando se nos estaban colando como realidad pura y dura... Da igual, la potencia poética, misteriosa y casi diría que fantasmagórica de la cinta es lo suficientemente rotunda como para que haga que merezca la pena.

Nanuk, Allakariallak en realidad, es uno de los primeros personajes con marchamo de eternidad de la historia del cine. Un nombre propio en el que se centran unas aventuras que no son tales. Despojadas de (casi) toda épica, las vivencias de su familia son simplemente el día a día que tienen que enfrentar en uno de los territorios más hostiles del planeta. Un lugar que para los espectadores de la época debía asemejarse a lo que para nosotros es Marte. Aunque bien pensado tampoco hace falta establecer tal paralelismo. Tampoco conocemos tan bien la cultura esquimal en nuestros días. Tampoco la tenemos tan integrada dentro de nuestro canon. En realidad, Nanuk, el esquimal debería seguir siendo un visionado obligado. Para recordarnos que, tanto tiempo después, nos quedan muchas cosas por saber.

https://lumen00.blogspot.com/2022/08/frio-infinito.html

Con Griffith es imposible no rendirse a su maestría. A pesar de su engolamiento y su melodramatismo empalagosos. Al fin y al cabo acaban rezumando una humanidad que no deja de noquearte a pesar de venir mezclada con un conservadurismo galopante y una visión del ser humano que hace algo más que rozar el racismo. Todo esto quedó muy claro en su magistral y discutida "El nacimiento de una nación" (1915).

Esta es su respuesta a esas críticas. Una respuesta en la que nos gustaría ver algo de arrepentimiento por su parte, pero no, nada de eso hay aquí. En sus planos magistrales, en su opulencia visual, en la libertad que da el tener un presupuesto casi infinito (estamos ante una de las películas más caras de la historia), la intolerancia se va desbordando conforme la cinta avanza. Hasta el punto de que anega la pantalla desde muchos flancos diferentes, dejando bien claro que dicho pecado no es nada nuevo, sino que está en nuestra naturaleza desde que el hombre es hombre. Con esto se descarga de culpa totalmente. Ya lo había dicho en multitud de entrevistas: "no tengo nada de lo que disculparme". Por eso no hay que ser muy avispado para ver que lo que Griffith dice con esta película es que él ha sido la víctima de la intolerancia.

Podría haber hecho una crónica de este defecto humano a partir de, qué sé yo, ¿las plantaciones de algodón del sur de su país en las que hasta hacía bien poco, y de manera encubierta todavía entonces, se usaban esclavos traídos de África? No, el derecho a la tolerancia para Griffith parece reservado a la gente de bien, esto es blanca, o para los que vivieron en tiempos antiguos y de alguna forma contribuyeron a la civilización tal y como la conocía y la entendía él.

La película consiste en cuatro historias separadas en diferentes momentos de la historia. Una contemporánea con revueltas sociales y el mundo del crimen de por medio, otra ambientada en los últimos días de Jesucristo en Israel, una tercera que narra la matanza de S. Bartolomé en Francia en 1572, y por último nos lleva a Babilonia en los tiempos de su conquista por parte de Ciro II de Persia.

Las transiciones entre una y otra historia se dividen con la actriz Lilian Gish meciendo una cuna en el papel de Madre Eterna y guardiana del tiempo. Un ejemplo más de lo pomposo que siempre fue el realizador norteamericano. Una pompa que revienta para bien en la parte de Babilonia, para la cual no escatimó en nada. Elefantes, grúas gigantescas y escenarios de una inmensidad y una riqueza nunca vista hasta entonces sellan algunos de los planos más icónicos e impresionantes de la historia del cine. Una virtud que contrasta con un final que no por espectacular deja de ser menos empalagoso. En esos dos extremos está la grandeza y la miseria de uno de los directores más admirados y discutidos de todos los tiempos. Definitivamente un genio, no tengan la menor duda, en su obra más grandiosa y espectacular.

https://lumen00.blogspot.com/2022/08/los-intolerantes-sois-vosotros.html

Lemmy retratado con gloria por parte de Wes Orshoski y Greg Olliver. Como su vida y su música, película sin artificios ni coartada sesuda alguna. Un retrato fiel, digno y sin adornos de una figura mítica en esto del rock. El documental deja bien claro la adoración que las figuras del gremio sienten por este hombre, así como sus méritos y miserias. Me gusta que toquen todos los momentos importantes de su carrera aunque se echa en falta profundizar algo más en la música de sus diferentes proyectos, Motörhead principalmente. Entiendo que tampoco se trataba de eso, y aún así la película peca de ser demasiado arquetípica. Las consabidas "talking heads" alabando al monstruo y unos cuantos fans desgañitándose para demostrar que darían su vida por él. No es el último grito ni ha roto moldes pero es efectiva 100%. Por momentos incluso puede tocarte la vena sensible. Son esos momentos más privados de Lemmy en los que se desmarca con alguna de sus declaraciones marca de la casa. Momentos en los que el ídolo baja a la tierra y nos recuerda lo frágil que puede ser cualquier ser humano. Bueno, Lemmy no, Lemmy es indestructible.

"Sin ti, las emociones de hoy no serían más que la piel muerta de las de ayer." - Hipólito

No me queda claro si "Amélie" va sobre la capacidad ilimitada de soñar o sobre la incapacidad de dejar de hacerlo. El defecto hecho virtud o la generosidad convertida en laberinto asfixiante. Ni falta que hace averiguarlo. La película contagia optimismo y vibra en una euforia gracias a su frenesí endiablado y sus colores y ambientación tan Jeunet. Carece de la oscuridad característica del realizador francés, o más bien está mucho más diluida en una trama en la que la timidez empuja al misterio y la solidaridad cura una vida que no deja de ser trágica. Amistad, empatía y ese misterio del que hablábamos que no es bueno prolongar demasiado pues puede arruinar la propia existencia. "Amélie" es una canción hermosa, un suspiro brillante y vaporoso, un estallido de luz capaz de arrancar sonrisas y pieles muertas de algo que creíamos emoción. Ese es su valor y su noble propósito. Nada más y nada menos.

Intenso drama en el que Kobayashi se emplea a fondo en la crítica antropológica de un ser humano que, como siempre, demuestra ser un lobo para sí mismo (o sus semejantes). Para contarnos la historia se vale de una fotografía soberbia y una clara ambientación teatral que intensifican la cualidad dramática de la película. También es destacable el uso del flashback como elemento narrativo de primer orden.

En el Japón feudal del siglo XVII, gobernado por la mano implacable del shogun Tokugawa, los ronin (samuráis sin señor) ven pocas salidas. Es una época de paz y caída de señores feudales que arrastran a sus soldados a la miseria al dejarlos sin trabajo. Muchos de ellos se ven forzados al suicidio ritual, seppuku, y otros amenazan con el mismo a las puertas de las mansiones para conseguir algo de limosna o un trabajo. Un retrato que a pesar de las distancias no se ve para nada lejano en estos tiempos. Esta vigencia dolorosa hace de la película una obra de visionado imprescindible hoy y siempre.

"Harakiri" es una reflexión demoledora sobre el honor y su fachada, enfrentado a la búsqueda de una dignidad que es negada constantemente a algunos. El derecho a una vida digna parece algo secundario. Eso es lo que tratan de inculcar los poderosos a través de la necesidad de perseguir de manera religiosa un comportamiento honorable a toda costa. Y a toda costa significa por encima de la propia supervivencia. Por supuesto, siempre habrá quien se rebele contra esto, aunque al final la pequeña "revuelta" es sofocada y tapada por los gruesos velos del conservadurismo más atroz. Kobayashi ataca al código samurái por su sinsentido y a la vez está atacando al poder represor de las castas dominantes. Una historia que se repite, siempre protegida por la solidez vacía de la armadura que abre y cierra la película. Un símbolo inexpugnable de la tradición. Esa que unos pocos consiguen que parezca inmutable.