Es curioso que en plena efervescencia del cine entendido como espectáculo total, de luz, sonido y fuegos de artificio, haya tenido que aparecer un director francés desconocido rodando en blanco y negro y de forma silente para hacer una de las mejores películas de los últimos veinte años.

Antes de hacer cualquier apreciación acerca de la película sería conveniente tratar uno de los puntos más manidos por la crítica especializada y por el público en general: la cuestionable necesidad de filmar sin sonido y sin color en una época en que todas las limitaciones técnicas que llevaron a realizar películas de ese modo están superadas. La respuesta a esta pregunta entronca directamente con la doble interpretación que existiría a la hora de explicar el sentido de la creación artística: una sería la justificación necesaria, al hablar de libertad creativa absoluta estaríamos ante la segunda interpretación. Esta última sería la teoría total, globalizante y, por tanto, superadora de la primera. No creo que haya duda entonces acerca de la oportunidad y justificación de esta obra.

Es cierto que la película no aporta nada a la historia del cine en cuanto a narrativa, técnica o, incluso, creatividad artística, sin embargo, el resultado de la magnífica dirección de Hazanavicius consigue que todos esos elementos se fundan en una amalgama cohesionada que traspasa la barrera de lo convencional. El cine dentro del cine; los diferentes registros de los actores en cada una de esas dos realidades que presenta la película; movimientos de cámara (como el travelling del policía y el perro o el plano oblicuo expresionista deudor de Ford y Wells en la escena de los muebles) generadores de un incremento en la intensidad dramática; los insertos de escenas cómicas de gran contendido visual como compensación por la falta de sonido, cuya cumbre es la escena de la chaqueta; la utilización del perro como un elemento argumental de importancia; la eliminación de la música en la escena de la salvación; el tema de la caída de los ídolos… Todo ello, ensamblado de forma magistral, hace que el resultado final sea un espléndido collage de sensaciones.

Más allá de su discutible calidad artística, “Un perro andaluz” es uno de esos pocos filmes que pueden considerarse imperecederos, pues algunas de sus imágenes son verdaderos iconos del universo audiovisual del siglo XX; como la nube traspasando la luna, la navaja cortando el ojo, o la mano llena de hormigas. Imágenes que pertenecen ya por derecho propio al imaginario colectivo y que son reconocidas por la mayoría aún sin haber visionado la película.

Este proyecto auténticamente surrealista, cuyas imágenes provocadoras ocasionaron una gran expectación y un fuerte escándalo (ampliamente superado por su segunda película “La edad de oro”), influyó de forma notable en cineastas posteriores y formó parte de los movimientos artísticos que rompieron con el academicismo reinante hasta el momento en el cine, dejando atrás las normas narrativas clásicas.

Esta vez a Terrence Malick se le ha ido de las manos. No es que el resto de su filmografía sea especialmente de mi agrado, pero al menos irradia un halo singular, un sentido de lo trascendente envuelto en maravillosas imágenes que fluye sin complejos ante los ojos del espectador. Sin embargo en “El árbol de la vida” se abandona a la autocomplacencia en un grado tal, que no deja ver más allá de su desmedido afán por impactar a un público ávido de descubrir algo especial en cada plano.

Es cierto que muchas de las virtudes que se le pueden exigir a una película están presentes en esta: una puesta en escena impecable, un montaje virtuoso, buenas interpretaciones… sin embargo, el trasfondo del filme no consigue lo que pretende, la milimétrica perfección del envoltorio no es capaz de disimular el vacío absoluto de la trascendencia de su mensaje.

El cine puro, libre y sin ataduras de producción, puede llegar a ser igual de maravilloso y tan válido como la película más comercial; el ateísmo estético o la relatividad del arte es una posibilidad más a la hora de afrontar la creación de una obra, pero no necesariamente infalible. Con ello quiero decir que el mero hecho de poseer unas cualidades determinadas no hace que una obra sea buena o mala "per se", su calidad intrínseca es mucho más que el intento por parte de un director de alcanzar un determinado objetivo.

A pesar de que encontramos momentos en que las bellísimas imágenes de la película consiguen inundar nuestros sentidos, en cuanto traspasamos la frontera de lo simbólico, estos se diluyen en un mar de confusión. El montaje no es suficiente para dar coherencia a tal avalancha de imágenes sublimes. Podríamos analizar la película desde otro ángulo si la libertad de creación de Malick se hubiese decantado por la poesía pura, pero no es el caso, se nos intenta transmitir un mensaje que ni por asomo consigue alcanzar el grado de profundidad pretendido.

Espero que las próximas obras de Malick no abandonen la línea mantenida durante tantos años y en tan pocas ocasiones. Está claro que es un autor difícil y por ello es capaz de provocar sensaciones absolutamente encontradas, pero es preferible someterse a una decepción de este calibre que perder la oportunidad de acceder a una de las pocas voces personales del panorama cinematográfico.

La verdad es que me esperaba muy poco de esta película, no sé por qué, pero no tenía buenas vibraciones. Sin embargo, después de verla, puedo decir que es una buena película, aunque sin duda con muchos altibajos.

La estructura narrativa que utiliza Ang Lee a la hora de desarrollar el guión, hace que se produzcan innumerables baches en la apreciación que de la película puede tener el espectador. Está claro que hay dos grandes escenarios diferenciados a la hora de mostrar a los personajes. En la montaña la película crece hasta fundirse con los impresionantes paisajes que llenan la pantalla. Toda esa magia se pierde cuando el director nos baja de ellas y nos interna en el mundo real, en la vida cotidiana. Allí todo sucede demasiado deprisa, pasan los años sin que al espectador le de tiempo a diseccionar a los personajes y comprender la angustia vital que muestran sin pudor cuando se reencuentran en su pequeño paraíso.

Los personajes están trazados de un modo que no permite ensamblarlos perfectamente dentro del entramado de la película. Heath Ledger se nos presenta como un atormentado que no llega a integrarse en el mundo en el que vive, sin embargo, su actuación no acaba de transmitir lo que el director pretende plasmar en la pantalla; está claro que pasa por un verdadero infierno, pero a veces parece más un paranoico que un desplazado de la sociedad. La historia del otro personaje es un verdadero desastre, deslavazada y sin mucho sentido, se apoya en un argumento que parece salido de la mano de un niño, por no hablar del maquillaje y peluquería de Anne Hathaway.

Si bien es cierto que la película cojea en algunos aspectos, la utilización que hace el director de una especie de elipsis narrativa a la hora de mostrar el progresivo descubrimiento por parte de la sociedad de la historia de amor que envuelve a los dos protagonistas (hallazgo que desembocará en el lance final), es una lección de cómo se debe transmitir al espectador una idea de una forma casi subliminal.

Nunca la supuesta agilidad que imprime a una historia el avanzar a lo largo de toda la vida de los personajes, encorsetó tanto el resultado final como en Brokeback Mountain. Si la acción se hubiese circunscrito a un tiempo y espacio más concreto, sin duda la película hubiese ganado muchos enteros.

No suelo utilizar las críticas antes de ver una película; éstas me sirven, con posterioridad al visionado de la misma, de instrumento para ampliar las bases de las que parto a la hora de juzgar esa obra concreta y, como no, también para conocer las opiniones de otras personas que, aunque no comparta, son tan válidas y respetables como la mía. En contadas ocasiones leo una crítica con anterioridad (tan solo lo hago con la sinopsis), y cuando por circunstancias determinadas, como en esta ocasión, me avengo a hacerlo, no me dejo influir (o al menos lo intento) por la persona que escribe el comentario. Sin embargo, en este caso sí que sucumbí a las buenas críticas, tengo que reconocerlo, un argumento tan simplón no podía estar bien visto por la mayoría si no ofrecía algo especial. Pues me equivoqué, menuda decepción, es una película tan simple como indica la sinopsis, con la única diferencia de que Juno, al contrario que el resto de las de su género, aporta unas ínfulas cutre-intelectualoides que dan ganas de llorar. Cada película debe ser fiel a sus posibilidades o hará el mayor de los ridículos, y éste es el caso más palpable de ello.

El guión no se puede agarrar por ningún lado: ¿quién se va a creer la actitud del padre ante el embarazo?; ¿es posible que se desarrolle de ese modo la escena de la ecografía?, ja, ja y ja; ¿una supuesta chica madura, interesante (aunque paranoica) y adelantada a su edad se va a enamorar del hortera de los pantalones amarillos?, por favor, seamos serios.

En fin, creo que nunca más veré una crítica antes de ver la película, lo prometo. Aún así, y gracias a un par de escenas (de las que ni me acuerdo) en las que me reí, le pondré un dos. Es fácil echar la vista atrás en el tiempo y encontrar películas mucho peores. Para las siguientes de ese calibre que vengan, dejaré el uno; nunca se sabe lo que te encontrarás en el futuro.