Lo más triste no es que tenga un oscar al mejor guión original...

Ni que su presencia dejase a otras que lo merecían mucho más fuera de las nominaciones...

Ni que todas las actuaciones excepto la de Ellen Page provoquen vergüenza ajena...

Ni que los padres reaccionen de un modo tan superhappy y comprensivo porque son la ostia de modernos...

Ni que se diga por ahí que la estética es una pasada porque refleja el mundillo bloguero y colorista de una chica rebelde... (“Yo soy la Juani” también lo conseguía con el ambientillo bakaluzo, reggaetoneano y tuningiano. Se la consideró algo peor que mierda de hurón. Será que los poligoneros, a diferencia de los emos y otras especies salidas de la MTV e internet, no caen muy bien debido a que no se les puede embutir una idea romántica de fondo)

Ni que el “muy inteligente humor” tenga sus momentos más álgidos en escenas como en la que Juno vomita en un jarrón.

No.

Leer “El mago” de John Fowles, la novela en la que se basa este film, es una experiencia única. Si se hubiera presentado a una editorial hoy en día, o a un taller literario, o a un concurso, recibiría las siguientes críticas:

-Los personajes son demasiado complejos y el lector nunca se acaba de identificar con ellos.

-La trama es absorvente, pero no tiene mucho sentido y el lector puede perderse.

-El simbolismo es complicado.

-Se tratan demasiados temas importantes que pueden desorientar y no dejar clara cuál es la verdadera intención o tésis de la obra: filosofía, historia, psicología, etc.

Pues bien, algunos pueden decir exactamente lo mismo de la película protagonizada por Michael Caine. Supongo que por estar demasiado acostumbrados a mensajes facilones como los de “La chispa de la vida” de Álex de la iglesia, donde los mismos personajes te repiten una y otra vez de qué va el asunto.

Voy a centrarme únicamente en la película, ya que el cine y las letras, algo que muchos no entienden, son dos medios distintos.

Para empezar, la cinta gusta muchísimo a directores como Resnais o David Lynch. Puede que a Woody Allen le pareciese horrorosa. Pero, sin despreciar al neoyorquino, él jamás ha sabido construir algo tan enrevasado, molón y que respire tanto cine en estado puro como “The Magus”.

Yo también estoy de acuerdo en que es una de las cintas más infravaloradas de la historia. Las pocas críticas que se encuentran en internet la catalogan de mala o mediocre. Esto es debido a que cometen el error de compararla con la novela o a que no se acaban de zambullir en ella por pura pereza.

Podríamos incluirla en el género “mindfuck”, que tanto le gusta al citado Lynch. Es un puzzle muy difícil que el espectador tiene que saber reconstruir justo cuando aparecen los créditos finales.

‘Lo que esconde Silver Lake’ es la mejor película que he visto en mucho tiempo con permiso de la última de Lars Von Trier.

Pertenezco a una generación que al no tener iconos propios ha tenido que tomarlos prestados de las anteriores o incluso convencerse a sí misma de que cualquier gilipollez intrascendente de su infancia posee algún tipo de atractivo, magia o mensaje oculto.

Una generación que veneraba a Kurt Cobain como ‘el músico guay que escuchaba mi primo mayor’ mucho después del hype; que disfrutaba alquilando películas malas de otras décadas en el videoclub de la esquina y que veía a los viejos hippies, rockers y punks como reliquias vivientes de tiempos más interesantes que los suyos a las que había que analizar y espiar.

Una generación que a día de hoy intenta encontrar en las antiguas revistas de Nintendo y en los mapas que regalaban en las cajas de cereales la prueba infalible de su relevancia, esplendor e interés. Y que a través de una nostalgia absurda y en ocasiones fanática intenta justificarse para no ser considerada como ‘perdida’ o ‘aburrida’.

Pero, al final, también se trata de una generación que sabe que pasará al olvido y que no disfrutó de nada
especial más allá de lo bien que pudiera montárselo cada uno. Y que se obligó a creer que ciertos productos envasados y comercializados en masa tenían otras intenciones más allá de las económicas.

De todo esto y más va el último filme de David Robert Mitchell que en clave de thriller surrealista nos propone una profunda y triste reflexión acerca de quienes rondamos los treinta.

Y encima lo hace acompañado de un apartado técnico alucinante que hace su visionado en pantalla grande casi obligatorio.

Tengo un amigo que todavía tiene fe en el cine español. No va de coña. Cuando yo le digo que la vida es demasiado corta y hermosa como para perder el tiempo con los engendros del celuloide ibérico, él me argumenta que de vez en cuando asoman la cabeza películas que valen realmente la pena. Y yo me tengo que callar, ya que a mí me pasa algo parecido con el cine histórico. Es uno de los géneros que mayores cantidades de basura ha vomitado durante las últimas décadas (alcanzando picos de inaceptabilidad-me-da-un-ataque-de-asma con atrocidades como Braveheart. Por poner un ejemplo de este monstruo multi-premiado, al inicio de la peli se nos comenta que están en 1280, poco después de que el rey Alexander III of Scotland falleciese. Si buscáis información sobre este monarca veréis que murió... ¡En 1286!).

Que no, que ya te digo yo que no soy el típico repelente que busca fallos históricos en las pelis para dárselas de tipo culto ni nada parecido. Es más, entiendo que muchas veces la veracidad histórica tenga que ensombrecerse en pos del drama. Pero es que hay filmes con un número tan elevado de gazapos que de manera involuntaria se adentran en los territorios de otro género: el fantástico. Vamos, que si una película histórica no tiene un mínimo de rigor, tiene más de "El Señor de los Anillos" que de Tito Livio.

Muchas veces los mismos productores de estas películas pseudo-históricas se defienden argumentando que el cine histórico es carísimo (lo cual es cierto. Al igual que la ciencia ficción, se retrata "otro mundo" y no puede aparecer en pantalla casi nada que tenga que ver con nuestro presente más inmediato y cada plano es un reto para los decoradores) y que, claro, si quieres recuperar tu inversión tienes que anteponer la idea general que tiene la gente sobre un país y una época a lo que fue realmente. Es uno de los motivos por los cuales muchas veces España se retrata como si fuese una provincia de México (país que, por cierto, me encanta), los antiguos griegos son rubios con ojos azules que parecen vikingos y los propios vikingos parecen Cónan.

Por todo lo argumentado anteriormente las películas como 'Michiel de Ruytier' son necesarias. Al menos, a mí me devuelven la confianza y fe en el género histórico del mismo modo que a mi amigo pelis como "La isla mínima" le hacen seguir creyendo en los talentos sumergidos del cine español. Que sí, que 'Michiel de Ruytier' también tiene sus errores e inexactitudes. Pero, lo bueno, lo muy bueno, es que no es Braveheart. Para nada es Braveheart o cualquier cosa pseudo-histórica en la que haya estado involucrado Mel Gibson. Y se nota. Mucho.

Continúa en spoilers.

Es indudable que Sion Sono tiene un gran talento visual, que sabe muy bien qué quiere y qué no, que controla el ritmo narrativo como pocos, que siempre sorprende con sus historias y que, además, "se moja" criticando aspectos de su realidad más inmediata, de su Japón natal por el que siente un extraño amor/odio. Para entender la obra de este director, se ha de tener muy en cuenta su nacionalidad. Para entender esta película, se ha de tener en cuenta todavía más. Serán muchos los que no verán en esta cinta más que otra frikada nipona en la que se vierten litros de sangre y poco más. Para nada. En absoluto. Este filme es todo un ataque hacia el duro momento que está viviendo el cine japonés.

¡Ay! ¡La tierra del sol naciente! Una de las naciones que ha dado mayor número de obras maestras al celuloide mundial. Kurosawa, Fukasaku, Kobayashi, Imamura, Mizoguchi... son nombres que todo aficionado al cine, sea de Kyoto, Tucson o Bangkok, conoce. Sin embargo, desde hace unos años, parece que los japoneses sólo estén interesados en exportar buenos animes y alocadas películas trash. Obviamente, han realizado obras maestras en, por ejemplo, "los últimos diez años", pero generalmente no llegan ni de coña a los niveles alcanzados tanto por los directores anteriormente mencionados como por otros. En realidad, su vecina Corea del Sur parece haberles tomado el relevo. Lleva ya un tiempo realizando películas sorpresivas que pueden competir con las producciones norteamericanas e incluso, en algunos casos, superarlas en ingenio, creatividad e inteligencia.

En "Why don't you play in hell?" Sion Sono parece lamentarse de esto. El grupo protagonista está formado por verdaderos amantes del cine, auténticos obsesionados de las cámaras, los focos y los micros. Sin embargo, pese a todo el empeño que ponen en rodar una película, el "dios del cine" parece pasar de ellos, parece "estar muerto". Lejos de desanimarse, siguen intentando sacar su proyecto adelante, teniendo como punto de reunión un lugar muy simbólico: un cine que ha cerrado sus puertas. En efecto, estamos ante otra obra del S. XXI que siente una cierta nostalgia hacia el S. XX, que se plantea si estamos yendo por buen camino o quizá estemos matando las cosas que realmente nos gustaban de un mundo que, por diversos motivos, parece empezar a desintegrarse para dar paso a algo nuevo. No es muy distinto a lo que muchos escritores e incluso cineastas hacían a principios del S. XX con respecto al S. XIX.

En paralelo a las aventuras y paranoias de los "Fuck Bombers", contemplamos como la hija de un jefe Yakuza hace todo lo posible por ser actriz, por ser famosa. Continúan así las punzantes críticas que, salvando las distancias, también podrían ser válidas para el cine español. Voy a comentar algunas de las que más me han gustado. En primer lugar, para tener oportunidades en la industria debes ser hijo de alguien importante o acostarte con ese alguien importante. Esto se nos enseña varias veces durante el metraje, como por ejemplo en las distintas "amantes" que tiene el jefe Yakuza. Regentan un "bar" hasta que se cansa de ellas y las sustituye por otras más jóvenes. En segundo lugar, la hija del yakuza huye cuando ve que es la protagonista de una película horrorosa. Vamos, que en su país últimamente sólo se está haciendo bazofia sin "alma" ni intención artística alguna. Si quieres estar en el meollo, tienes que soportarla sí o sí. Personalmente me dejó destruido el momento en el que el productor le dice al yakuza que prefiere contratar a una mala actriz a esperar a su hija, dándonos a entender que para él es sólo trabajo y rutina. En tercer lugar, que se siga vendiendo el cine japonés más "folklórico". Me partí de risa cuando unos yakuzas modernos son obligados a vestirse de un "modo tradicional", sin injerencias occidentales. Aquí nos sucede exactamente lo mismo con el flamenco, los trajes de sevillana, la estética castiza y tantas otras cosas de las que todos estamos un poco hartos. En cuarto y último lugar, que al final la película la rueden unos mafiosos. O lo que es lo mismo: la industria del cine es una mafia.

Continúa en "spoilers".