Sergio Morcillo es una persona con una pasión desbordante por el cine de terror... pero del que se hacía antes, aquel que llenaba la grandes pantallas de los cines de finales de los setenta y toda la década de los ochenta, el mismo que llenaba estanterías de los videoclubs... ese realizado por maestros como Tobe Hooper, Dario Argento, Wes Craven o Sam Raimi. También es un enamorado del rutilante "Cinéma de la Cruaté" desarrollado a principios del Siglo XXI en nuestro país vecino; es decir Francia... historias salvajes y sangrientas protagonizadas por mujeres repletas de rabia y dolor... historias impactantes pero con profundidad dramática, con razón de ser y para nada gratuitas... llevadas a cabo por los ya grandes del género actual como Alexandre Aja, Xavier Gens, Pascal Laugier, Alexandre Bustillo y Julien Maury, entre otros.

Desde que Sergio empezó su andadura por el cortometraje, ha ido plasmando todo aquello que le apasiona del genuino género terrorífico, que junto con sus buenas intenciones y su entusiasmo, nos ha ido deleitando con cada uno de sus trabajos; como por ejemplo "Tus gritos me dan risa" (2012), en el cual un payaso deforme aterrorizaba a una familia el día de Nochebuena; o "Metamorphose" (2013) que nos plasmaba una brutal y sanguinolenta venganza. Así que, siguiendo su evolución como cineasta, este año 2016 nos presenta el que probablemente sea su trabajo más ambicioso hasta la fecha, titulado "You're gonna die tonight" (que traducido al castellano sería "Vas a morir esta noche").

Su premisa se centra en una mujer que llega a casa de madrugada, agotada después de una larga noche de fiesta. Mientras disfruta de un placentero baño relajante, su teléfono móvil suena, en el que un extraño empieza a realizar llamadas, cada cual más perturbadora. De pronto, la chica se dará cuenta que no está sola, que alguien la vigila de cerca... convirtiendo esa noche en una lucha sin cuartel por sobrevivir.

Decía anteriormente que éste es quizás su trabajo más ambicioso, porqué viene apadrinado por uno de los mejores directores españoles de terror de estos últimos años: Miguel Ángel Vivas, responsable de la impresionante "Secuestrados" (2010) o la película 'zombiesca' "Extinction" (2015). Así mismo, Sergio lo ha filmado en inglés para tener una proyección más internacional; y además, ha contado con Mónica Aragón, una actriz con solera, que con su carisma y personalidad nos atrapa, y que sin lugar a dudas, se convierte en lo más destacado del cortometraje. También sobresale un perturbador Antonio Zancada, que con su sola presencia nos sobrecoge de mala manera, poniéndonos los pelos como escarpias.

La historia se nutre de multitud de referencias y guiños al cine de terror que tanto nos apasiona. Así que encontramos brillantes pinceladas slasher que bien recuerdan a "Maniac" (William Lustig, 1980), entremezcladas con el 'home invasion' de "Alta Tensión" (Haute tension, Alexandre Aja 2003), "Al interior" (À l'intérieur, Alexandre Bustillo y Julien Maury, 2007) o "Scream" (Wes Craven, 1996)... siendo esta última la más evidente; no obstante, no se limita a copiar tales referencias, sino que se nutre de ellas para perfilar su estilo personal, que en este caso y en contraste con sus anteriores trabajos, está mucho más asentado, destilando una madurez como cineasta que posiblemente muy pronto le propicie dar el salto al largometraje.

En resumidas cuentas, "You're gonna die tonight" es un corto interesante, que pone de manifiesto el talento que atesora su director, que poco a poco va puliendo ese diamante en bruto del que se empieza ya a vislumbrar parte de su chispeante brillo... el mismo que en su salto a la gran pantalla lo convertirá en uno de los mejores cineastas del género en nuestro país; al tiempo.

A lo largo de la historia del cine español, una multitud de películas han tratado el tema de la "Guerra Civil Española" desde diferentes puntos; sin embargo, ninguna de ellas se había centrado en el bombardeo de Guernica, aquel que llevó a cabo el ejercito alemán en abril de 1937 y que se cobró la vida de miles de personas, inspirando unos meses después al genial pintor malagueño Pablo Picasso, para crear una de sus obras más emblemáticas: El Guernica.

El director vasco Koldo Serra, con solo una película a la espalda (la estimable "Bosque de sombras", que fue protagonizada por Gary Oldman), pero del que es necesario puntualizar que posee una amplia experiencia en el mundo de la televisión, es el encargado de llevar por fin a la gran pantalla el fatídico bombardeo; coincidiendo además, con el 80 aniversario de un suceso que cambió la historia de España para siempre.

El inicio de la película es sencillamente brillante: Un spot publicitario (narrado por la voz de Hugo Silva) nos mete de lleno en la época. Luego, mediante un estupendo travelling hacia atrás, la camara sale del spot dejándolo ubicado en una pantalla cinematográfica, situándonos en una sala de cine hasta acabar en un primerísimo plano de nuestro protagonista, Henry (interpretado por el actor británico James D'Arcy). Sin lugar a dudas, toda una declaración de intenciones por parte de su director, que da a entender su gran dominio de la técnica cinematográfica... un realizador que en numerosas ocasiones ha confesado ser un apasionado del mundo del celuloide en general, y del cine de Steven Spielberg y Sergio Leone en particular; de hecho, en la película que nos concierne, titulada simple y llanamente "Gernika", hay influencias latentes a lo largo de su metraje, como por ejemplo la secuencia del baile nazi que evoca al clásico "Indiana Jones: En busca del arca perdida" (Indiana Jones: Raiders of the Lost Ark, Steven Spielberg, 1981), o la capacidad que atesoraba Leone en sus películas de empequeñecer la historia de los personajes, con sus miedos, sus defectos, sus alegrías y sus sueños, formando parte de una historia mucho mayor, en este caso el bombardeo de la ciudad vasca.

Este rutilante inicio da paso a la visión periodística de la Guerra Civil Española, ya que nos introduce al interior de una oficina de prensa republicana, en la cual trabaja la joven Teresa, que chocará con los ideales de Henry, un periodista americano en horas bajas que está cubriendo el frente norte. Teresa, cortejada por su jefe, Vasyl, un asesor ruso del gobierno republicano, se sentirá atraída por el idealismo durmiente de Henry y querrá despertar en él la pasión por contar la verdad que un día fue su único objetivo.

Destaca el buen trabajo que realiza el plantel de actores, sobretodo el de una encantadora actriz española María Valverde, que encarna a Teresa... junto con el de unos portentosos actores británicos James D'Arcy, que da vida a Henry y Jack Davenport, que interpreta a Vasyl. Los tres conforman un interesante triángulo amoroso, solamente lastrado por la poca química entre Valverde y D'Arcy y su affaire cogido con pinzas, siendo lo menos destacado de la propuesta. También cabría reseñar que los personajes de Victor Clavijo e Irene Escolar podrían haber tenido mucho más peso en la historia, y que de ser así le hubieran dado algo más de empaque, sobre todo en la sosegada primera parte del filme. Sin embargo, ese desarrollo 'in crescendo' que imprime su director, propicia que la tensión y el suspense aumenten a medida que se va desarrollando la trama, culminando en unos últimos treinta minutos realmente impresionantes, los cuales recrea de maravilla el trágico bombardeo, con unos planos cenitales que quitan el hipo y unos estupendos efectos visuales que no tienen nada que envidiar a las grandes superproducciones de Hollywood. Una muestra más que clara es, que a pesar de haber contado con un presupuesto bastante ajustado (solamente seis millones de euros), con un poco de ingenio y talento a borbotones, se ha podido realizar una película bien hecha e interesante.

Posiblemente los hechos relatados no estén plasmados con exactitud, no estoy del todo seguro ya que obviamente los temas históricos no son mi competencia; no obstante, cabe tener en cuenta que se trata de una película, y si se desea saber con rigor los hechos históricos, ya están los libros y documentales al respecto. Por lo tanto, y en contraste con lo anterior, "Gernika" ofrece un interesante entramado bélico, muy entretenido y por momentos resulta emocionante y sobrecogedor.

En síntesis, "Gernika" es una película notable, que pretende mostrar la barbarie de la guerra, donde no hay ni ganadores ni vencidos... solamente víctimas y destrucción; de igual modo, que rinde un sentido homenaje a aquellos periodistas que se juegan la vida por contar al mundo la verdad sobre la absurda contienda... unos periodistas como Robert Capa y Ernest Hemingway (ambos citados en el filme) o George Lowther Steer, el primer y único periodista que contó al mundo lo ocurrido, jugándose su puesto en el New York Times... y que el personaje de Henry Howell comparte muchos de sus rasgos.

El cine húngaro ha tenido una industria cinematográfica notable desde los inicios del siglo XX, con personalidades como William Fox (quien fundó los Estudios Fox), Alexander Korda (que lideró la industria cinematográfica británica) o Adolph Zukor (fundador de Paramount Pictures); sin embargo, la gran mayoría de filmes que se realizan en el país no llegan a las carteleras españolas, siendo algo, a decir verdad, bastante paradójico. De hecho, del director Kernél Mundruczó, a pesar de ser uno de los últimos exponentes, solamente nos ha llegado uno de sus seis largometrajes de los que ha dirigido, siendo éste que nos concierne, titulado "White God (Dios Blanco)", el cual cabe decir que fue galardonado como Mejor Película en el Festival de Cannes 2014, y también ha sido seleccionado para representar al país húngaro en la próxima edición de los Oscar.

Tras leer la sinopsis, se puede pensar erróneamente que se trata de una película con una premisa "algo chunga", ya que la línea de lo absurdo y ridículo es muy fina, y sin duda es fácil de traspasar; no obstante, nada más lejos de la realidad, ya que después de verla tengo que confesar que me ha sorprendido gratamente, siendo (bajo mi punto de vista) una de las mejores películas europeas de este año 2015.

"White God" comienza como si se tratara de un cuento de hadas perverso, con un flashforward en el que aparece nuestra protagonista Lili, una chica de 13 años, huyendo en bicicleta de una gran manada de perros, por unas calles de Budapest prácticamente desiertas; y que deja entrever el principio de lo que está por venir. Tras este potente y sorprendente inicio, Mundruczó nos muestra una Hungría en el que existe una ley que obliga a censar (e incluso hasta pagar una cuota), por todos aquellos perros que no son de raza pura. Este hecho propicia que el arisco progenitor de Lili abandone sin piedad al leal perro Hagen a su suerte. A partir de aquí, la historia se divide en dos frentes bien diferenciados: el de una Lili que busca desesperadamente a su perro, y el de un ingenuo Hagen que tiene que eludir los peligros, vejaciones y abusos por parte de los humanos.

Mundruczó cuestiona si ese manido concepto entre el hombre y el perro que dice que es "el mejor amigo" es bilateral, o se trata de una demostración más del poder dominante sobre todas las cosas del ser humano. A través de las dos subtramas, el director da rienda suelta a diversas lecturas y géneros; que van desde el mismo título del filme, un anagrama que juega con las tres letras de 'God', ya que tanto da leerlo como "White God" como "White Dog" (Dios Blanco - Perro Blanco); pasando por el drama infantil y animal, con puntos en común al filme "De vuelta a casa, un viaje increíble" (Duwayne Dunham, 1993), a "Lassie" (Serie de televisión estadounidense, 1954) o las novelas de Jack London "La llamada de lo salvaje" (1903) y "Colmillo Blanco" (1906); también el cine de denuncia social que juzga el maniqueísmo del ser humano, trazando una parábola sobre el fascismo, con esa malsana obsesión por la raza pura; y terminando en una salvaje y sanguinolenta sublevación, con tintes de terror apocalíptico, con claras reminiscencias al clásico de Alfred Hitchcock "Los Pajaros" (1963), "Cujo" (Lewis Teague, 1983), a la novela de George Orwell "Rebelión en la granja" (1945) o "El origen del planeta de los simios" (Rupert Wyatt, 2011).

El trabajo de los especialistas y adiestradores de los animales es magnífico, ya que cabe decir que en este filme no hay nada de efectos digitales CGI, ni nada por el estilo, algo que lo dota de un realismo espeluznante. Zsófia Psotta está realmente notable encarnando a Lili, esa chica que experimenta el cambio a la pubertad; aunque el que se adueña de la función es sin duda el perro protagonista Hagen, del que podemos entender perfectamente como el alter ego de César (de la anteriormente citada "El origen del planeta de los simios"), ya que ambos capitanean la rebelión animal contra el ser humano. Asimismo, su factura técnica es asombrosa, con una banda sonora vibrante y emotiva, y unos 40 minutos finales apasionantes que te mantienen pegado a la butaca, culminando en un precioso y poético final (acentuado por la "Rapsodia Húngara" de Liszt), y que da pleno sentido al pensamiento del poeta checo, Rainer Maria Rilke, escrito al inicio del filme, que dice: "Todo lo que es terrible, necesita de nuestro amor".

En definitiva, "White God" es una película impresionante, que contiene un realismo sobrecogedor, y que desentraña lo atroz que puede ser el ser humano con el reino animal.

Según la definición del diccionario, el amor se podría describir como un concepto universal relativo a la afinidad entre seres; un sentimiento relacionado con el afecto y el apego, resultante y productor de una serie de actitudes, experiencias y emociones, que pueden ser extremadamente poderosas, llegando con frecuencia a ser irresistibles. El director franco-tunecino Abdellatif Kechiche desarrolla dicho concepto a través de la historia del primer gran amor de una adolescente quinceañera, llamada Adèle.

La película empieza en una clase de instituto, en la cual el profesor explica a sus alumnos la concepción de lo que conocemos como 'flechazo', que vendría a ser un arrebato pasional y emocional que nos altera profundamente, que nos hace sentir mágicos y milagrosos, dándonos un extraordinario bienestar y cambiándonos la vida de color; en este caso, a la protagonista se le podría atribuir el color azul como detonante de aquel sentimiento, desconocido por ella hasta aquel mismo instante, ya que a renglón seguido de aquella clase, nuestra protagonista vive en primera persona el 'flechazo', el mismo que explicaba su profesor, la certeza que se presenta una vez en la vida (tal y como decía sabiamente Clint Eastwood a una dubitativa Meryl Streep en una de las escenas de la obra maestra "Los puentes de Madison").

En la novela gráfica en la que el director se basa, llamada "El azul es un color cálido" ("Le bleu est une couleur chaude" en su título original en francés), su creadora Julie Maroh juega con ello de forma muy inteligente, ya que el primer color que aparece (tanto en las viñetas como en la vida de la protagonista), es el azul, algo que Kechiche ha sabido plasmar de un modo brillante.

El trabajo de las dos actrices es impresionante: Léa Seydoux dando vida a la joven del pelo azul Emma, y sobretodo Adèle Exarchopoulos, que se erige como protagonista absoluta del filme, metiéndose en la piel de Adèle; la convicción que demuestra la joven actriz francesa de origen griego es descomunal, remarcando los hábitos del personaje, que van desde la forma de comer, de tocarse el pelo, de llorar, o de mirar. La reiteración de esta clase de hábitos va marcando su madurez y personalidad de una manera sutil, a medida que avanza el metraje.

La trama está muy bien desarrollada, cocinada a fuego lento, en la que se va desgranando, con una naturalidad pasmosa y excepcional, la relación amorosa de estas dos jóvenes, de forma visceral, apasionante y conmovedora; buena prueba de ello es la morbosa (y algo excesiva) escena de sexo entre las dos protagonistas, en cuyos siete minutos de duración Kechiche lo muestra absolutamente todo (a pesar de haberse rodado con genitales de látex). Cabe mencionar que el rodaje de la misma duro prácticamente una semana, que hizo a las actrices (sobretodo Seydoux) afirmar que el director franco-tunecino era un tirano, debido a la multitud de veces que las obligó a repetir cada plano, lo cual provocó mucha controversia en Francia; no obstante, el motivo de su ausencia en los Oscar se debe al hecho de que la productora no quiso adelantar la fecha de estreno prevista, afirmando que a nadie le importaba el premio a la categoría de película de habla no inglesa, además de no aportar nada a la Palma de Oro, obtenida anteriormente en Cannes.

Si dejamos de lado la polémica suscitada por la citada escena; además de los prejuicios derivados de la relación homosexual entre dos mujeres, ni que decir tiene que Kechiche desliza la cámara con brío y nos muestra el devenir de esta chica, el descubrimiento de su sexualidad, al tiempo que experimenta por primera vez el amor verdadero, con sugerentes primeros planos, y otros tantos que evocan belleza poética; asimismo, a pesar de que su premisa se pueda escribir en una servilleta, su guión es grande en su sencillez, debido a que está repleto de diálogos entre los personajes verdaderamente profundos y muy inteligentes.

En resumidas cuentas, "La vida de Adèle" es una obra maestra, posiblemente la mejor filmada sobre una relación homosexual —junto con "Brokeback Mountain" (Ang Lee, 2005) y la reciente "Carol" (Todd Haynes, 2016)—, y que sin duda, nos cuenta una de las historias de amor más fascinantes que ha dado el séptimo arte en toda su historia.