Esta película (mutilada antes de su distribución por la censura y la propia productora en unos 20 minutos), a pesar de ser, en su momento, formalmente muy personal y moderna, conserva la estructura, planteamientos y valores (como son la amistad, el honor y la masculinidad) del western clásico. Mezclado todo ello en una perfecta comunión. Peckinpah dentro de su estilo tan característico de poética violencia y montaje rápido (imposibles, aquí, de olvidar esas espectaculares imágenes más que en cualquier otra película suya), pero abusando, para mi gusto, del uso del zoom (técnica que al parecer, y por desgracia, se puso de moda desde finales de los 60), intercala escenas de gran romanticismo e incluso otras marcadas de un profundo neorrealismo: como lo son las escenas cotidianas del pueblo mexicano.

En esta película también se nos muestra de forma cruda un mundo amoral, fronterizo y sobretodo crepuscular, donde las apariencias tienen poco que ver con la realidad: Soldados que al parecer atracan bancos, directivos de ferrocarril sin escrúpulos que anteponen sus propios fines a la muerte de inocentes, ex-presidiarios que dan su palabra a la ley (no confundir con justicia) para perseguir a un antiguo compañero cuando en el fondo desearía estar a su lado, cazarecompensas incompetentes cuya idea del paraíso es un mar de cadáveres a los que poder desvencijar, bandidos que son tratados como héroes, militares federales tan amistosos como un escorpión, etc. (A propósito, impecable e inolvidable metáfora la imagen de las hormigas y el escorpión de los títulos de crédito). Mientras, de fondo, un pueblo pobre lucha sin armas para conseguir la libertad. Una libertad que tan solo consiste en poder hacer su vida en paz (La revolución de Pancho Villa es el marco histórico de la película).

La película también nos muestra el final de una época, la del antiguo Oeste y su modo de vida; en la que no caben automóviles ni máquinas voladoras y en la que los protagonistas se sienten demasiado viejos para cambiar o intentar adaptarse. Por tanto, deciden dar su último golpe antes de retirarse. Pero retirarse ¿a donde?. Será la pregunta que le hace Dutch (Ernest Bornigne) a Pike (William Holden, que está soberbio a pesar de lo castigado físicamente que se encontraba por culpa de su alcoholismo). No hay lugar para ellos, no hay lugar en un mundo al que ya no pertenecen. Y, siendo conscientes de ello, solo les queda una cosa por hacer: Morir. Pero morir por una buena causa, que los redima. ¿Porqué no? ¿Que otra cosa hay mejor que hacer?

Adaptación francesa de la famosa novela del escritor, autor teatral, poeta, traductor, músico e ingeniero Boris Vian. Pero lo que a priori y de manera superficial parece una adaptación fiel al texto original, poco a poco va alejándose de sus intenciones hasta traicionar completamente su verdadero espíritu.

Es de agradecer la banda sonora de jazz, bonita y muy presente durante todo el metraje y el esfuerzo hecho por ambientar los escenarios, ya que se reproduce un pueblo sureño americano en Francia (muy chocante resulta ver a los actores representando a estadounidenses en francés). Pero a pesar de que la parte más técnica de la película tenga oficio, como por ejemplo la bella fotografía, encuadres eficaces y la talentosa puesta en escena de algunos momentos como la del baño en el río… hay algo que no acaba de cuajar.

No sé, quizá sea que carezca de suficiente fuerza dramática, de la inexpresividad del protagonista (que no nos deja saber que piensa y cómo evoluciona) o del desarrollo narrativo y falta de un ritmo más adecuado. Parte de esto, puede deberse a una primigenia influencia de la “nouvelle vague” que comenzaba a inundarlo todo por aquellos años y que se nota especialmente en la escena final.

En fin, quien busque en esta adaptación de la novela (aunque sea de manera soterrada), la violencia descarnada y el desenfreno sexual que en su momento fueron prohibidos y por el que autor y editor fueron procesados, se llevarán un profundo desengaño.

Tanto fueron los cambios que el propio Boris Vian se peleó con los responsables, renegó y quiso renunciar a salir en los títulos de crédito. Como curiosidad comentar que el propio Boris Vian murió de un infarto durante una proyección del preestreno de la película, tan solo tenía 39 años. Si me permitís la broma: La película tampoco es tan mala.

La intensa, lírica y sugerente “novela-cuento-historia” de Alessandro Baricco se merecía una adaptación cinematográfica más arriesgada y original (como más de autor, vamos), y no una dirección tan convencional como insulsa de esta historia, que excepto pequeños momentos, tiene muy poco del lirismo original. Sin esta poesía, o sin un talento para tratar de manera diferente la historia, esta se convierte en una película demasiado simple y aburrida.
Tampoco el casting y las interpretaciones ayudan mucho.

Es curioso también resaltar como se ha perdido, desde hace años, la capacidad de síntesis de los guionistas a la hora de contar las historias con intensidad en poco tiempo. ¿Cómo una novela corta o relato que apenas dura 100 páginas se necesitan casi dos horas de metraje? (vamos, que se tarda menos en leer el libro que en ver la película, lo juro), y aún así, son capaces de no profundizar en personajes, de dejarse algunos elementos de la obra y han de recurrir, por ejemplo, a reducir los cuatro viajes a Japón del protagonista en la novela, a tres en la película.

Película formalmente muy arriesgada y cercana al documental, pero la falta de hilo argumental y el ritmo pausado lastra demasiado a su largo metraje, creando una realización que acaba siendo repetitiva y esquemática. A pesar de ello es justo reconocer su interés artístico e histórico.

A resaltar la interpretación de Lluis Soler y la belleza hipnótica de algunas escenas, por ejemplo el plano muy general de la bajada del protagonista por la ladera de una montaña nevada.