Una de las intenciones de Tom Cruise al iniciar la saga "Mission: Impossible" fue el de crear una serie de películas que aunque tengan en común el respetar el espíritu de la serie homónima, fuesen totalmente diferentes entre sí, contratando a directores que aportasen su estilo narrativo y visual. Si en la primera parte se apostó por Brian De Palma (uno de los grandes del cine actual), en esta segunda parte se fichó a todo un experimentado del cine de acción, el oriental John Woo, con claras intenciones de crear una enorme película de acción excelentemente rodada. Se consiguió.

"Mission: Impossible II" es una grandiosa película de acción, donde priman las escenas rodadas con muchísimo glamour cinematográfico, una puesta en escena formidable y con un estilo visual característico de las primeras películas de Woo, auténticas obras maestras del cine de acción. Porque al fin y al cabo la película es un cómic frenético con un Tom Cruise formidable en su papel de héroe, con un tópico triángulo de amor a tres bandas.

Con unos diálogos de Robert Towne más profundos que en lo que a primera instancia pueda parecer, el film es un constante acierto. Si bien su principal atractivo es el estilismo absolutamente magnífico aportado por Woo, todos los tópicos que se puedan encontrar en ella no sólo no restan calidad al filme, sino que le dan un empaque absolutamente magnífico de película de acción clásica, con personajes muy caricaturescos pero efectivos y unas intenciones claras de realizar una historia gráfica en movimiento.

Todas las piruetas visuales que sabiamente Woo incluye quedan mejor que nunca, convirtiendo a "Mission Impossible: II" en la primera gran película de acción de la década, el modelo a imitar por muchos realizadores y en definitiva una muestra clara del logro estilístico en el cine de acción.

Eli Roth, miembro del llamado "Splat Pack" (junto a otros interesantísimos directores como Rob Zombie o Alexandre Aja), se basó en una propia experiencia para la idea central de su gran ópera prima: Roth contrajo un extraño virus trabajando en una granja en Islandia, que literalmente le devoraba la piel. Con esta premisa origina su gran homenaje al cine de terror, abalado por Quentin Tarantino (de él ha dicho que es el futuro del terror y lleva razón), David Lynch o Angelo Badalamenti (quien colabora en la BSO).

"Cabin Fever" se aprovecha de cada uno de los tópicos del cine de terror, dotándolos de un sarcasmo latente, consiguiendo no sólo ser una gran película de género, sino una obra grotesca, macabra, gamberra y por momentos hilarante.

La película tiene un prólogo bestial, con un clima terrorífico que ya nos adelanta el festín macabro que luego disfrutaremos. Pero lo macabro no sólo se queda en lo poco o mucho gore que muestre, sino también con el conjunto de personajes, que en primera instancia puede parecer que nos encontremos con la típica pandilla adolescente mononeuronal dispuesta a ser masacrada por el serial killer de turno. Porque aquí dicho serial killer no existe, el mal que los destruirá se puede dividir en dos vertientes: el propio virus y la maldad interior de cada individuo. Ya que la enfermedad hará sacar lo peor que cada uno lleve dentro (dicho en el buen sentido) porque viéndose en situaciones extrema cada uno de los personajes hará gala de un comportamiento egoísta, detestable y retorcido con el único fin de salvar el pellejo (nunca mejor dicho).

También cabe mencionar el variopinto festival de "freaks" con que nos deleita la película. Ojo con el chiste final, que no hace más que subrayar lo bien que Roth sabe combinar el terror con un uso muy inteligente del humor negro (y no va con segundas).

"Cabin Fever" es desde el momento de su estreno un hito de la serie b moderna. Roth rueda salvajemente bien, con mucho cariño al tipo de cine que constamente homenajea, pero mostrando constantemente un talento descomunal para crear una gran atmósfera.

Roth es desde ya un dignísimo heredero de Sam Raimi, George Romero y demás cineastas a los que hace referencia en su gran primera película.

Tras su interesante y bello título original (que gusto tenían los italianos para dar nombre a sus films) "Il corpi presentano tracce di violenza carnale" se esconde uno de los mejores giallos de un director al que le tengo especial cariño, el gran Sergio Martino. Siempre rodeado de auténticos profesionales (aquí sin ir más lejos con su habitual Giancarlo Ferrando a la fotografía y a los siempre interesantes hermanos De Angelis a la banda sonora), dotaba a sus films de una artesanía que muy pocos podían presumir de ejercer, con una puesta en escena simplista pero a la par efectiva y hasta en subproductos como "2019 - Dopo la caduda di New York" que aunque a primera vista es un objeto claro de lapidación a los puristas del fantástico, era todo un ejercicio de estilo a pesar de ser un subproducto pastiche de films americanos.

"Torso" tal y como se conoció en el resto del mundo, es uno de los grandes giallos de Martino, con todos y cada uno de los clichés del subgénero italiano pero aquí siendo especialmente importantes: la fotografía es clara pero intensa, sofocante a ratos... tenemos un asesino (encapuchado, como no podía ser de otra forma) con especuial predileccion por el sadismo hacia bellas señoritas... las chicas ligeras de ropa esperando a ser masacradas ¡como podían faltar en un giallo!

Como todo giallo que se precie, también tiene un guión con demasiadas trampas y "parches"... pero ¿acaso no era también uno de los encantos de estos films? El espectador bien avispado, sabrá quien es el asesino en el primer tercio del film, pero aún así poco importa... uno debe sentarse y disfrutar del gore a cascoporro, las chicas ligeras de vestimenta, los múltiples sospechosos, la gran intervención de Luc Merenda (¡grande!) y de la puesta en escena tan sencilla pero efectiva que nos proporciona Sergio Martino, director que aprovecho para reivindicar como uno de los grandes del cine europeo, si es que no ha quedado claro en líneas anteriores.

"La frusta e il corpo" es el manifiesto de Mario Bava como cineasta, toda una declaración sobre sus principios cinéfilos y que asentó las bases a todo el abanico de grandes películas que rodaría después.

Dando, con una intención maestra, una mayor importancia a la estética que al contenido, Bava engendra con éxito una obra cinematográfica donde la cámara cobra un absoluto protagonismo, dejando al espectador sin aire con una angustiosa y desesperante atmósfera, logrando dotar al film de un aire de lo más gótico y elegante.

La película que cuenta una historia tan trágica como barroca, es una auténtica pesadilla, logrando dejar al espectador sin aire en más de una ocasión como si un personaje más de la historia se tratase. No da un respiro, desde el primer momento uno se inmiscuye e ese castillo gótica y tenebroso, que Bava tan bien retrata en ese clima de absoluto agobio.

Vapuleada por la censura en su época, y con un Christopher Lee impresionante, la película funciona a la perfección a pesar de ser un experimento, una oda a la dirección de fotografía del propio Bava (no acreditado), al uso de la luz como elemento principal del contar una historia, y en definitiva, el film que declaró los principios su de figura como cineasta.

Excelente muestra de "exploitation" donde se mezcla con mucho acierto y sin ningún tipo de rubor, gore, sexo, terror, violencia... con un telón de fondo (un campo de concentración alemán) que la convertiría en una pieza clave del subgénero "Women In Prison Movies", en plena ebullición en esa época, con ciertas piezas bastante reivincables.

Con un presupuesto totalmente tercermundista (los sets fueron alquilados) pero con mucha mala baba y ningún tipo de timidez a la hora de mostrar todo tipo torturas e imágenes impactantes para regocijo del espectador más morboso, "Ilsa, She Wolf Of The SS" se convierte en una película muy admirable, y cuya conjunción de géneros la hace muy acertada, logrando una atmósfera terrorífica acorde a lo que se muestra en pantalla. Al contrario de muchas de las películas de similares características el guión está perfectamente sincronizado, haciendo que las dos subtramas que componen la cinta encajen perfectamente sin dañar en la narración. Pero el principal aliciente de la cinta es la voluptuosa Dyanne Thorne, siempre impresionante, que no se limita solo a enseñar carnaza sino que convierte a Ilsa en un personaje tremendamente carismático.

"Ilsa, She Wolf Of The SS" es un ejemplo de un cine que ya no se hace, viéndose beneficiado por la década en que se gestó, los años 70, aquella década que lo cambió todo. Raramente se pueden encontrar en la cinematografía actual ejemplos de cintas que se atrevan a mostrar ciertas temáticas de una manera atrevida y sin concesiones, sin ningún tipo de maniqueísmo o dudosa intención, como hace esta Ilsa y otras muchas películas que en los 70 gestaron un tipo de cine tan infravalorado que independientemente de su calidad se vio sumergido en los casposos cines de sesión doble y posteriormente en las estanterías de los videoclubs de barrio.

"Ilsa, She Wolf Of The SS" generó otras dos secuelas "oficiales" más, la admirable y exótica "Ilsa, Harem Keeper Of The Oil Sheiks" y la ya muy inferior "Ilsa, The Tigress Of Siberia". Aunque hay una secuela bastarda perpetrada por el incombustible Jess Franco que aunque también con Dyanne Thorne no cuenta con los derechos de Ilsa y tuvo que cambiarse el nombre a "Greta The Torturer", pero lógicamente en algunos sitios se estrenó como "Ilsa, The Wicked Garden" por algunos avispados distribuidores.