No sé si será buena, pero me ha encantado: mucho mejor que la oscarizada “Chicago” al carecer de sus ínfulas y no pretender nada más (¡y nada menos!) que llenarte de positivismo y pasión por vivir.

No sé si cabe hablar en profundidad de sus temas serios (la auto-superación, el peso de las apariencias, el racismo…) porque el tono que domina la película es el festivo.

Qué ganas te entran de ir a ese Baltimore sesentero tras el número musical inicial… las mismas ganas que te entraban de ir a aquella provinciana Rochefort, por mucho que aquella Catherine Deneuve también sesentera cantase su aburrimiento y su deseo de marcharse a París.
“Goood mooorning Baaaltimooore…” qué maravilla!!

El (correcto) director es el (brillante) coreógrafo Adam Shankman, y a su habilidad coreográfica colaboran los geniales actores, especialmente los más jóvenes:
Impresionante la desenvoltura debutante de la regordeta Nikky Blonsky, maravillosamente secundada entre otros por Zac Efron.

Auténticas revelaciones estos chicos, aunque no es que los veteranos estén mal:
La recuperada (y guapísima) Michelle Pfeiffer brilla como mala malísima, y John Travolta regresa al musical tras la penosa “Staying Alive” haciendo el papel que el travesti Divine desempeñaba en la peli original de Waters, con menos energía que Divine y más cercano al transformismo grotesco de Eddie Murphy, pero con geniales momentos en cuanto a su renacer y su liberación de su oronda represión doméstica.
Algo de “Grease” tiene por cierto esta peli musical de amores de instituto, ya que hablamos de Travolta…

Si algo me molesta de ella (siendo quisquilloso, porque ya digo que me ha encantado) es ese punto de “no sabemos de esto y de aquello, pero somos la mar de divertidos…”
No, no, señores… se puede ser la mar de cachondo, y al mismo tiempo tener idea de esto y de aquello: el intelecto no va en contra de lo lúdico, y me molesta un poco esa tendencia a contraponer uno y otro aspecto como si fueran excluyentes: ¿Es demasiado pedir bailar y pasármelo teta… y después pretender tener algo de qué hablar cuando se pase la euforia?

El actor y director francés Mathieu Kassovitz, de una filmografía de progresiva “americanización” (“El odio”, “Los ríos de color púrpura”, “Gothika”), nos ofrece un film futurista que pretende emular a la reciente “Hijos de los hombres” y, en menor medida, a la más lejana en el tiempo “Blade Runner”: de la película de Cuarón imita el propio nudo argumental (la escolta de un ser especial), su arenosa textura visual, su simbolismo religioso, y el carácter realista dentro de la ciencia-ficción; del film de Ridley Scott extrae el tema de la creación de personas por procedimientos no naturales, y algunas ideas de puesta en escena como la representación de Nueva York en el último acto de la peripecia.

Naturalmente también hay diferencias, y ahí es donde Kassovitz naufraga: “Babylon” carece de la enjundia política de “Hijos de los hombres”, y de la profundidad psicológica de “Blade Runner”.
Además resulta algo confusa en su devenir, atropellada en las secuencias de acción, y torpe en las escenas de multitudes: Kassovitz debería aprender de su compatriota Jean-Paul Rappeneau, que sí sabe cómo hacer un inteligente uso del caos y del tumulto (véase “Bon voyage”).
En su descargo, es bastante probable que la parte de co-producción americana, y la presencia del influyente héroe de acción juvenil Vin Diesel, hayan incidido en el resultado final más bien pobre, de manera que las presiones no hayan permitido al director ser demasiado “autor”.

En este sentido, tal vez con unas mayores dosis de violencia explícita o de morbosidad sexual (intuyo que en algunas escenas el director pisó o le hicieron pisar el freno) la película habría quedado mejor y sería menos “producto yanqui”.

Teniendo en cuenta que no es una película para el lucimiento de los actores, cabe destacar la cautivadora presencia de la bella francesita Mélanie Thierry como “Virgen María” del futuro, y la escalofriante mirada de Charlotte Rampling como suma sacerdotisa de esa orden religiosa a la que, en ese caótico mañana, ya sólo le queda la “demostración” de los milagros para reavivar la fe en Dios, tan muerto y acabado como el mundo tal y como lo conocíamos.

Javier Fesser nos ofrece con “Camino” su mejor película hasta la fecha.
Su estrambótica imaginería visual no está tan presente como pensaba, y en ningún momento molesta, sino que mayormente se mantiene el tono realista. Tiene un fuerte componente de “cuento”, es cierto, pero ello reside más en la ingeniosa escritura que en las extravagancias visuales.
Como otras películas recientes (pienso por ejemplo en la joya francesa “Avril”), explora la dicotomía laicismo-religión, carnalidad-espiritualidad. Y al final el tema de la religión queda empequeñecido por el tema del nacimiento a la vida y al amor, al mismo tiempo que a la muerte (gran drama, sin duda, el de morir sin tener tiempo de vivir).

Nerea Camacho (Camino) hace una de las mejores interpretaciones infantiles que recuerdo; espero verla subir al altar de los Goya. Ella encarna la lucha, inconsciente e infantil, entre lo humano y lo divino, aspectos que en el delirio de su terrible enfermedad terminan confundiéndose, y confundiendo a quienes la rodean (predispuestos como están a dejarse confundir).
La vitalidad y pureza de esta niña son realmente cautivadoras, emotivas. No deja de verse como merecida su elevación a la santidad, por mucho que sea equivocada por parte de los gerifaltes del Opus Dei, que jamás llegan a atisbar el verdadero interior de la niña.

Carmen Elías hace un papelón como su madre: no creo que sea tan mala como puede parecer; sólo se agarra a lo que le ofrece un control, un alivio, una satisfacción. Es una madre castrante, pero en ningún momento tiene mala voluntad aunque cause daño.
Mariano Venancio (el “Súper” de Mortadelo) también tiene un gran personaje como el padre: qué ganas de dan de decirle “pero, tío; reacciona, que te están robando tu voluntad, tu identidad, tus afectos…”. Pero es que realmente hay personas así, abocadas a la anulación por no ser capaces de rebelarse.
Destaca también la hermana encarnada por Manuela Vellés (“Caótica Ana”), quizá la mayor víctima, porque no tiene el menor control sobre su vida (dirigida y vigilada por otros), ni tampoco tiene liberación o compensación alguna (como sí tiene Camino con su capacidad ensoñadora en vida, y su santificación tras la muerte).

“Nadie se turbe, nadie se espante” (Santa Teresa, ayúdame a aplacar las probables iras de los opusianos): no creo que “Camino” pretenda ridiculizar ni banalizar una canonización, sino tal vez potenciarla, darle sustancia y empaque, abarrotarla de verdadero milagro, pues ¿qué mayor milagro hay que el amor puro e inocente neutralizando a la muerte?
“Camino” es un via crucis tan duro como hermoso y naïf, cine español del bueno que se convertirá en un clásico y que permanecerá incólume cual reliquia incorrupta, igual que el cuerpo de Santa Bernadette.

Super-producción de las que conviene ver en pantalla grande, larga y grandilocuente, en la que todo es enorme y todo está cuidado. En su momento fue la película francesa más cara de la historia.

Narra con verosimilitud las penurias de los mineros franceses del siglo XIX, y su lucha contra los patrones para conseguir la dignidad laboral.
Está muy conseguida esa sensación de agobio, hacinamiento, suciedad y falta de intimidad en que viven los personajes pobres.

Los actores permanecen discretos y “secundarios” ante tal despliegue de medios y tanta escena de multitudes, destacando por méritos propios una gran Miou-Miou como sufrida madre de siete hijos a los que no puede alimentar.

Película triste sobre la lucha de clases, que en parte culpa también a “los de abajo” de sus pesares por su falta de cohesión.
Hacia el final hay una escena en la que esta lucha se resuelve de un modo que recuerda poderosamente al final de “Los santos inocentes”.

Se sigue sin desmayo a lo largo de sus dos horas y media.

Interesante peli sobre nuestra Guerra Civil (ahora pienso en las poquísimas pelis españolas que he visto sobre el tema; cuando por ahí rueda esa falacia de que “en el cine español sólo se hacen películas sobre la Guerra Civil”).

El punto de vista es el de la burguesía catalana, cuyo rasgo principal es una mezcla de cobardía y apatía (prefieren la seguridad que les da ese aislamiento en sus villas veraniegas de provincias, evitando involucrarse en la confrontación).
Se desprende, pues, una cierta crítica hacia el abstencionismo político por parte de los adultos. Los niños, en cambio, van introduciendo en sus juegos todo ese espíritu combativo que les rodea y que no terminan de comprender, mientras van dejando de ser niños y adquiriendo compromiso con lo que ocurre.

Cuando la guerra se alarga e irrumpe el hambre, entonces los personajes sí salen algo de su apatía (aunque los estragos del hambre se revisten de un matiz irónico que suaviza mucho la dureza del tema).

Según la historia oficial franquista, los catalanes eran unos rojos fanáticos sembradores de muerte y desorden, y la película viene a ser una contestación a esa leyenda maldita (contestación tímida como es natural, ya que tampoco estaba el panorama para muchos atrevimientos).

El amplio reparto reúne a nombres tan conocidos como Concha Velasco, José Sacristán, Analía Gadé, Ángela Molina, Paco Rabal, Vicente Parra…

Resulta algo dispersa, pero interesa casi en todo momento.