John Carpenter es, indudablemente, un director de culto. En momentos puntuales bateó un jonrón, como con The Thing o Halloween, pero el grueso de su obra (y lo más interesante) es lo que se encuentra entre sus fracasos críticos y comerciales más estrepitosos, al menos al momento en que fueron producidas.

¿Un director adelantado a su época? No lo creo, Carpenter, aun teniendo un sentido de la dirección y la estética cinematográfica exquisito, no es de forma alguna una encarnación de otros tipos más vanguardistas como pudo haberlo sido Kubrick, en su momento. Por el contrario, Carpenter es un director efectivo, y precisamente por eso, In the Mouth of Madness es uno de los logros trascendentales de su carrera.

Con un guión tildado de burdo y estúpido al momento del lanzamiento de la película, Carpenter armaba una obra maestra del horror pop, reconciliando uno de los formatos más desconocidos al gran público de cualquier medio: el horror cósmico de H.P Lovecraft.

Valiéndose de una estética totalmente lovecraftiana (aun sin tener los derechos como para referenciar directamente su mitología) , confeccionó una de las obras maestras de horror de los noventas, la mejor película lovecraftiana de toda la historia, y uno de los comentarios más endiabladamente ácidos respecto al estado de la cultura pop, la teoría de género, la religión y el capitalismo.

Nunca me ha gustado destripar los momentos esenciales de una película, ni siquiera por motivos de una reseña cinematográfica. De hecho, prefiero escribir a modo de comentario sobre lo que una película representa tanto para mí, como para mi concepción del medio y demás constructos sociales que formen parte integral de mi vida.


Por ende:


Es una obra maestra, y si no has leído In the Mouth of Madness, de Sutter Cane, no te preocupes: la película está por salir.

Clint Eastwood es un director de gran sensibilidad. Su obra cinematográfica ha confirmado esto de manera incremental a lo largo de los años, al igual que su capacidad de rodar de manera sumamente eficaz, convirtiéndole en uno de los directores más económicos de la industria en toda la historia. Su obra puede dividirse en al menos tres etapas bien diferenciadas, aunque para un servidor, la presente (cuyo inicio marca Río Místico) es la mejor etapa del director.

Durante la vejez, el señor Eastwood ha creado un cuerpo de trabajo de una ternura áspera absolutamente demoledora, que llegaba a su punto más alto con Gran Torino en el (ya lejano) 2008. Sin embargo, con The Mule, me ha quedado algo claro que antes sencillamente no veía con tanta nitidez.

Los miedos más profundos de este hombre son los mismos de Earl Stone. Miedos que solo son concebidos por aquellos que transitan el crepúsculo de la vida. El arrepentimiento a las palabras no dichas, al contacto familiar menospreciado. Miedo del tiempo y su acción sobre el cuerpo y la mente (el propio y el ajeno).

Clint Eastwood con La Mula hace su mejor película desde Gran Torino. Conjura su maestría del cine clásico, analógico, con sangre nueva en la edición y el montaje cual alquimia para armar una película que desde el primer momento es consciente de su "añejamiento" como si fuese un vino fino. Precisamente porque Eastwood es consciente de la figura que representa a su edad en el medio.

Su interpretación es brillante, para nada gratuita y profundamente consciente de su efecto en la mente. El comentario es cercano y atemporal, a la par de preciso. Una película incapaz de envejecer con el paso de los años, algo todavía más sorprendente dado que el tema central de la película sea la vejez. Una de las grandes de Eastwood, sin pretenciones, a sabiendas de que es una película pequeña con aspiraciones similares a las de una persona atravesando una situación similar.

Cine que cada año escasea más, no por idealizar el pasado, sino porque cada vez quedan menos hombres como Clint. Recomendadísima.

Un desastre. Ese soplo de aire fresco para variar un poco del "cine panfletario" tan asociado a Venezuela no vale la pena en lo absoluto, teniendo en cuenta que esta película "atípica" (no sé para quién coño, porque no es más que un compendio de clichés) es peor que la mayoría de producciones nacionales que se van por el tan trillado (pero eterno) tema de la denuncia social.

Como pasamos de Chalbaud, de Novoa, del nuevo cine venezolano tan divisorio pero tan cohesivo artísticamente a esta "escuela" del pseudo-estilo y la gratuitidad absoluta.

Humor estúpido, actuaciones paupérrimas y dirección de videoclip. Esto no es cine. Esto no es una película. Esto no es humor.

El único momento que rescato de la película es la toma aérea del valle de Caracas y nisiquiera estoy seguro de que haya sido una toma aérea porque parece una maqueta de cartón. Aun así, es el momento visualmente más estimulante en todo este desastre.

Un filme divertidísimo. Se mueve entre la sátira, el cine bélico (Anti) y el de los atracos. Si bien, su historia resulta algo predecible, especialmente en su tramo final, es en su forma y sentido del estilo donde destaca. El trabajo de dirección, montaje y fotografía es exquisito y alivia muchísimo el ritmo.

Las interpretaciones y la banda sonora tienen un altísimo nivel y, por el contrario que la mayoría de las películas de su año, encuentro a Three Kings como una de las esenciales y menos industrialmente manufacturadas.

No se trata de ninguna manera de una obra maestra cinematográfica, pero como cine pop es sobresaliente. Una película excepcionalmente buena para ver de cuando en cuando y pasarla bien.

Me he dado cuenta de lo defenestrada que fue por muchos en tanto a su tramo final, por considerarle demasiado efectista y/o patriótica. No sé qué esperaban de una comedia bélica de alto presupuesto made in Hollywood.

El meta-chiste de toda la cuestión reside en lo entretenidísima que volvió David O. Russell a la guerra más aburrida de la historia.

Yo estoy más que satisfecho.

Rashomon suele tildarse históricamente como la primera gran obra maestra de Kurosawa. Fuera de cualquier debate cinematográfico respecto a la validez de tal afirmación, sorprende tanto por su sentido de la estética como por su durísimo comentario sobre la manipulación informativa, el nihilismo absurdista de Camus o Sartre trasladados al Japón Feudal, y un trabajo de montaje, dirección y fotografía exquisitamente compuesto.

Sus logros cuando contextualizados en su marco histórico se vuelven muchísimo más impresionantes; teniendo en cuenta la naturaleza de la producción cinematográfica a nivel mundial durante la época es perfectamente comprensible como pasó rápidamente de ser la película de exportación número uno de Japón, a una de las más grandes películas de su autor; mérito que por redondeo la convierten en una de las mejores películas de la historia.

Su abordaje del tema de la comunicación (la tergiversación de la misma) impiden el envejecimiento de la cinta. Cada día más nos debemos como especie el trabajo de brindarnos comunicación de manera ética, funcionalmente informativa. Porque, como bien expresa el lenguaje cinematográfico de Kurosawa, el que hayan tres versiones de los hechos no lo vuelven menos difícil de comprender.

Resonante a borbotones con nuestra generación presa del frenesí mediático, el desamparo existencial y la soledad crónica.