Spring Blossom es la ópera prima de la talentosa y prometedora Suzanne Lindon, una joven parisina que con tan solo 15 años escribió la historia de lo que se convertiría su primer largometraje y  que además protagoniza. Es la ganadora del Premio de la Crítica en el DA Film Festival Barcelona 2021. La trama gira alrededor de Suzanne, una adolescente de 16 años que asiste al instituto y que entre idas y venidas, se fija en Raphaël, un actor de teatro de 35 años al que busca conocer.

La película está contada con una mirada que desprende inocencia y curiosidad, esa que se suele dar en la adolescencia, que puede estar acompañada de esas ganas de explorar y descubrir el mundo cuando se siente que lo que te rodea te resulta aburrido o que simplemente no encajas con tu entorno. Lindon presenta una historia de enamoramiento tan tierno como emocionante, tanto desde la perspectiva de la chica como de la de Raphaël, quien sorprendentemente conecta con la sensibilidad e inquietud de Suzanne. Entre los dos, se da una atracción romántica desde la inocencia, aunque en el fondo resulte una situación delicada por las edades de ambos. Sin embargo, en todo momento se refleja admiración y respeto, ganas de aprender y ganas de enseñarse juntos en dos personas que apenas se conocen.

El apartado técnico, desde el guion a la cinematografía, causa un efecto hipnótico, pues el ritmo, los diálogos y la banda sonora, despiertan una expectación a lo imprevisible. Asimismo, las interpretaciones de los protagonistas es muy buena, bastante natural que le dan mucha fuerza a la historia. Además de esto, se intercalan escenas en cierto sentido teatrales, poéticas y musicales que la dotan de mucha personalidad y sensibilidad. Spring Blossom es una película encantadora, grandísimamente pequeña, sin mayor pretensión que contar una historia de un amor inocente y conmovedor. 

Escrito por Gabriel Bonanni Caldeira.

A Good Man cuenta la historia de Benjamin, un chico transgénero que mantine una relación desde hace seis años con Aude. A ambos les hace ilusión tener un hijo, pero la situación se complica cuando descubren que Aude no puede concebir. Benjamin decide que él será quien conciba al bebé.

La directora francesa Marie-Castille Mention-Schaar presenta su sexto largometraje, Selección Oficial en Cannes 2020, con una trama compleja y controversial, donde muestra, con total naturalidad, las vicisitudes que una pareja puede tener a la hora de concebir un bebé. Más allá de la condición sexual, se profundiza en el aspecto emocional de los protagonistas, tanto como conjunto como de manera individual. Benjamin, interpretado por la actriz cisgénero Noémie Merlant, personifica con una notable actución los estados emocionales que sufre su personaje en las diferentes etapas de transición corporal. Así mismo, el personaje de Aude, interpretada por la actriz Soko, tiene su propio viaje dramático al tener que aceptar sus posibilidades, al margen de sufrir una crisis existencial a los pocos meses de nacer el bebé.

Tanto el aspecto de pareja, el sentir individual y la reacción de los familiares y amigos que se encuentran alrededor de Benjamin y Aude, son representados de manera realista y con ese aspecto increiblemente natural, lo que demuestra la gran capacidad que tiene el cine para tratar y retratar a cada persona, cada situación vital y cada singularidad. A Good Man es un buen filme, narrado de manera sencilla, con transiciones maravillosas y con escenas disruptivas que muestran otras realidades humanas, también dignas y merecedoras de representación cinematográfica.

Escrito por Gabriel Bonanni Caldeira, para CINEZIN.

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Tras meses de expectación por la comunidad otaku, se estrena la película de animación japonesa 'Jujutsu Kaisen 0', que sirve como precuela de la serie de anime 'Jujutsu Kaisen'. Pero, ¿qué nos podemos encontrar en esta película? ¿Es necesario saber algo sobre la serie de anime o el manga?

Antecedentes

La película está basada en un manga escrito y dibujado por Gege Akutami en 2017, titulado originalmente 'Metropolitan Curse Technical School', que posteriormente pasó a llamarse 'Jujutsu Kaisen 0' después del éxito obtenido por la serie de manga Jujutsu Kaisen, el cual sigue publicándose en Japón.

Debido al éxito cosechado por el manga, éste es adaptado a una serie de animación, con una primera temporada finalizada que consta de 24 episodios. Ya está confirmada una segunda temporada para 2023. En este sentido, las productoras MAPPA y TOHO Animation decidieron adaptar el manga precuela que sirve como complemento a la serie de anime, pero que puede verse de forma independiente al contar una historia autoconclusiva.

Dentro de la historia

'Jujutsu Kaisen 0' narra la historia de Yuta Okkotsu, un chico que, tras adquirir una maldición, provoca alteraciones sobrenaturales y terroríficas en su entorno. Es reclutado por Satoru Gojo, un hechicero profesor de la academia Jujutsu que pretende enseñarle a controlar su condición y luchar contra las fuerzas del mal junto a sus aliados compañeros.

La película plantea una premisa interesante, con imágenes intrigantes y terroríficas muy típicas del folklore japonés. Desde el primer momento invita a crear empatía con el protagonista al mostrar sus traumas y tormentos causados por el dolor de una pérdida repentina de un ser amado. Este dolor se convierte en un sentimiento de culpa muy profundo que domina su temperamento y se manifiesta a través de desdoblamientos monstruosos que provocan el caos y el terror en su entorno.

Un personaje que genera gran misterio y que juega un papel muy importante es el profesor hechicero Satoru Gojo, que funge como mentor y que esconde importantes secretos en la trama. El resto de personajes que acompañan a Yuta Okkotsu como protagonista son bastante llamativos, sobre todo el antropomorfo con aspecto de oso panda, muy carismático e imprudente. Todos poseen cualidades que los hacen únicos y valiosos para combatir las maldiciones y posesiones que se dan en la ciudad, pero que lamentablemente están poco desarrollados y se enmarcan en ese misterio general en el que gira la película.

Apartado técnico

En cuanto al planteamiento visual, 'Jujutsu Kaisen 0' no impresiona demasiado, pues mantiene una estética prácticamente igual al de la serie de animación. Esto, por un lado, puede ser bastante favorable, pues existe una familiaridad estética que hace a ambos productos más homogéneos. Sin embargo, es precisamente eso lo que hace que la película parezca un episodio extendido, sin tener ninguna personalidad exclusiva o distintiva para el cine.

Por otro lado, lo que sí destaca enormemente es la banda sonora, tanto el score como los temas comerciales, compuesta por canciones bastante emotivas que aportan epicidad y fuerza a la película.

Conclusión

'Jujutsu Kaisen 0' nos introduce en un mundo terrorífico fascinante, lleno de espectros y seres monstruosos enfrentados a un grupo de hechiceros que defienden al mundo del mal desbocado. Funciona como un gran aliciente para quienes no conocen la serie de anime o el manga, pues genera una gran curiosidad a las posibles aventuras que estos personajes pueden enfrentarse.

La película ofrece entretenimiento sobre todo para los amantes del mundo otaku, pero para espectadores ajenos a esta afición puede resultar confuso y aburrido, pues algunas de sus secuencias se tornan densas al estar gestadas con el drama e intensidad propias de la cultura nipona, lo que puede parecer larga, tediosa o reiterativa para algunos espectadores. Asimismo, algunas situaciones pueden resultar bastante anticuadas en lo referente al romance o sexualizadas con respecto al único personaje femenino que forma parte del equipo de hechiceros.

Lo bueno: una interesante introducción a ese mundo lleno de hechicería y seres terroríficos.

Lo malo: parecer un episodio alargado de la serie de anime pero con peor ritmo y algunas escenas con premisas anticuadas y sexualizadas.

Escrito por Gabriel Bonanni Caldeira.

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4 Días o, en su título original, Four Good Days pasa al Olimpo de películas olvidables y malas dirigidas por directores prometedores. Y es que detrás de este cartel protagonizado por las enormes Glenn Close y Mila Kunis se encuentra el director colombiano Rodrigo García, hijo del célebre escritor Gabriel García Márquez, y conocido por su participación en proyectos televisivos notables como Los Soprano, Carnivale, A Dos Metros Bajo Tierra, En Terapia o The Affair. No obstante, su paso por la gran pantalla ha sido más bien irregular, con trabajos notables como Nueve Vidas o Madres e Hijas y fallidos como Passengers o la reciente Últimos Días en el Desierto.

En esta ocasión Rodrigo García adapta la historia real de Amanda Wendler junto con la periodista Eli Saslow, quien publicó en 2016 el artículo How's Amanda? en el Washington Post sobre la experiencia personal de Amanda con la adición a la heroína. Por lo tanto, el propósito central de la película es explicar su historia como ejemplo más de los efectos negativos de las drogas, un verdadero problema a nivel global. No obstante, García y Saslow pretenden ir más allá y exponer el vínculo de las personas adictas con sus familiares y seres queridos. Es el drama de una mujer que ha invertido la mayor parte de sus 33 años de vida en consumir drogas y sobrevivir para conseguirlas, malviviendo alejada de sus padres, perdiendo la custodia de los hijos e imposibilitando su reinserción en la sociedad. Aun así, el film muestra cómo siempre existe una opción para salir del bucle de la adición.

Sin embargo, el verdadero 'pero' de la película es tener la sensación de que la historia siempre es la misma, con la misma moraleja y las mismas situaciones. Además, por mucho que ahonde en la relación madre-hija, la exhibición actoral de Glenn Close y Mila Kunis (por qué no las nominaron en los Oscar) no es suficiente para levantar un drama ahogado en lo previsible, lo convencional y lo trillado. Asimismo, la realización no destaca por nada en concreto y su visionado se vuelve pasivo, sin llegar a conectar y empatizar con el verdadero drama que mantiene asumida a la protagonista. Como toda película sobre este tema contiene momentos de tensión y altas dosis de emoción, pero parecen parches a una narración que no va más allá del relato real.

Lo bueno: la exhibición actoral femenina.
Lo malo: a los dos minutos ya se ha olvidado.

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Desarrolla su historia 35 años después de su predecesora y nos muestra la vida actual del capitán Pete «Maverick» Mitchell, interpretado nuevamente por Tom Cruise, a quien vemos aún relacionado con el mundo de la aviación. Tras ser llamado por la directiva naval de los Estados Unidos, se le pediría llevar a cabo el adiestramiento de un nuevo equipo de pilotos de élite con el fin de ejecutar una misión militar secreta en menos de tres semanas.

Desde el inicio del metraje se establece toda una declaración de intenciones al homenajear maravillosamente a la película anterior con nuevas imágenes indudablemente evocadoras, acompañadas del magnético y emblemático himno instrumental del primer filme que no hace más que emocionarnos. En ese mismo tono, la primera aparición de Tom Cruise dentro de un entorno alegórico sigue despertando ese aire de emoción que nos sumerge descaradamente en la nostalgia, una nostalgia que en vez de empalagar, supone revivir la inocencia y la adrenalina del pasado.

Apartado técnico y actuaciones

Las interpretaciones del reparto son mayoritariamente buenas y destacables. Tom Cruise mantiene ese espíritu jovial, sarcástico y rebelde, pero con una consecuente madurez y picardía que denotan la evolución de su personaje. En 'Top Gun: Maverick' se introduce a un personaje caracterizado por Jennifer Connelly que, pese a tener una intervención más de apoyo, logra lucir y apoderarse de la pantalla en cada ocasión. Entre los personajes de Cruise y Connelly se aprecia una gran complicidad y una carga romántica muy divertida que, aunque pueda parecer cursi, consigue emocionar y convencer completamente.

Otro actor con gran protagonismo es el interpretado por Miles Teller, con un personaje importante dentro de la trama y que dará mucho juego en toda la película. Su actuación es muy buena, con diferentes registros y gran proyección en pantalla. A destacar la participación de Val Kilmer, con una intervención sumamente emotiva junto a Tom Cruise que le aporta un gran trasfondo dramático a la película.

En el apartado técnico, la secuela mantiene un estilo muy parecido al filme anterior al usar una fotografía con tonos cálidos. Las secuencias de acción en 'Top Gun: Ídolos del aire' ya eran increíblemente asombrosas, y aunque el cine de hoy en día ya nos ha mostrado planos cinematográficos increíbles, 'Top Gun: Maverick' logra maravillar nuevamente en este aspecto con las técnicas de filmación actuales.

Mientras Kosinski respeta el estilo visual de su predecesor, a la vez propone de manera armónica unos planos impactantes con puntos de vistas variados y elocuentes que transmiten perfectamente la adrenalina de estar pilotando un avión militar. Las coreografías aéreas y los planos utilizados son verdaderamente sorprendentes, sobre todo tomando en cuenta que la mayoría de las escenas fueron rodadas con aviones reales a petición de Tom Cruise como condición para la realización del filme.

Por otra parte, la banda sonora utilizada hereda algunos temas principales de su predecesora y dotan a la película de gran homogeneidad y un mismo tono con respecto a la anterior. Sin embargo, el score realizado para esta ocasión está a cargo de los compositores Harold Faltermeyer, Hans Zimmer y Lorne Balfe, que le aportan un complemento actualizado, épico y emocionante a esta nueva entrega. La música es un actor más en Top Gun, pues en ella sigue radicando una fuerza emotiva que forma parte de la personalidad de ambos filmes.

Conclusión

'Top Gun: Maverick' es una experiencia cinematográfica fascinantemente equilibrada que brinda emoción, nostalgia y adrenalina de principio a fin. Es una película que complementa casi perfectamente a su antecesora, pues en conjunto crean una sinergia especial. Si bien 'Top Gun: Ídolos del aire' resulta una película mucho más simple argumentalmente, esta nueva entrega enriquece indudablemente la trama general de ese universo, pues aporta mucho más detalles y contexto a todo lo que sucede, con más personajes e interacciones más orgánicas, interesantes y divertidas. Aunque las subtramas pueden dar mucho más de sí, lo mostrado es más que suficiente para desarrollar una película donde confluyen perfectamente la acción y el drama (incluso con un toque de buen humor).

Por otra parte, la resolución de los conflictos es un tanto condescendiente, patriótica y hollywoodense, que sin ser algo malo (de hecho es lo que se espera y desea mientras se ve la película), pudo haber arriesgado un poco más al ofrecer un final quizá no tan complaciente. Aunque, siendo totalmente sincero, considero que la película es bastante redonda y da lo que esperas (y quizá necesitas) llegado a ese punto final.

Asimismo, el filme plantea un despliegue visual conocido pero al mismo tiempo renovado y mucho más espectacular. Pese a que pudo tirar de virguerías técnicas al estilo Michael Bay, Top Gun: Maverick es bastante fiel a su esencia con cierto realismo y no busca ser una Misión Imposible 7 (aunque tiene sus licencias, por supuesto).

Top Gun: Maverick merece ser vista en pantalla grande, con el mejor sonido, para tener la mejor inmersión posible. Tenéis garantizada poco más de dos horas de una película emocionante y divertida, realizada con mimo, respeto y cariño como homenaje no solo a Tony Scott por su gran labor y propuesta cinematográfica, sino al cine de los 80, ese cine descarado, canalla y hasta inocente que tantas alegrías nos dio y nos sigue dando a todos los cinéfilos.

Escrito por Gabriel Bonanni Caldeira.

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