Mediocre film del artesano guionista y director Bernard Girard perteneciente al género de atracos con toques de comedia.
La primera hora resulta sumamente confusa y desconcertante para el espectador que asiste entre aburrido y desconectado a las andanzas del protagonista (James Coburn) en pos de la preparación del atraco a un banco mientras seduce y estafa a mujeres con una facilidad pasmosa como si de un moderno Don Juan se tratara.
La última media hora la película repunta claramente y se vuelve interesante pero ya es demasiado tarde para convencer. La escenas del atraco propiamente dicho, cuya acción tiene lugar en el Aeropuerto de Los Ángeles, están rodadas con solvencia y mantienen el interés hasta el inesperado final pero la trama resulta demasiado inverosímil y termina por resultar poco creíble.

James Coburn está correcto en el papel de ladrón pícaro y seductor pero el guión no daba para más y su personaje, visto desde una perspectiva actual, resulta bastante antipático. Camilla Sparv -que ganó el Globo de Oro a mejor actriz prometedora- hace el papel de abnegada y engañada esposa de Coburn en un personaje que pese al giro final resulta bastante maltratado.

Como anécdota comentar que este film supuso el debut cinematográfico de Harrison Ford que aparece brevemente como botones de un hotel en cuya chaqueta lleva una etiqueta identificativa con el nombre de Thornton Wild.









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Aunque no se le recuerda con tanto cariño como Chaplin, Keaton o Harold Lloyd, Roscoe "Fatty" Arbuckle fue uno de los pocos cómicos del cine mudo al que se le dio un control creativo total sobre sus películas antes de la década de 1920. En 1916, "Fatty" era una estrella después de haber trabajado en varias películas con el director-productor Mack Sennett y la Paramount le ofreció el control total de sus películas, además de crear la Comique Film Corporation exclusivamente para él, acontecimiento único en la industria de la época. En 1917 Arbuckle proporcionó a Buster Keaton su primer papel en la industria del cine, con el corto de "The Butcher Boy" al que seguirán otros muchos -quince en total- hasta el final de la carrera de "Fatty" en 1921 como resultado del juicio en el que se le acusó de la violación y asesinato de la aspirante a actriz Virginia Rappe en una fiesta en San Francisco en la que corrió el alcohol a raudales. El juicio se convirtió en un escándalo y un gran espectáculo para la prensa de la época y, aunque "Fatty" fue absuelto de todas las acusaciones, el mal estaba hecho y arruinó su carrera y su vida personal. Los dueños de los estudios prohibieron a los amigos de Arbuckle en la industria cualquier muestra de apoyo público y La Oficina Hays, organismo que controlaba y censuraba toda la producción cinematográfica, retiró y prohibió todas sus películas. Buster Keaton, que había trabado una gran amistad durante su colaboración y que mantendría después, declaró públicamente que Arbuckle era "de las almas más amables y bondadosas que había conocido".

"Coney Island" es uno de los primeros cortos -de un total de quince- que surgió de la colaboración y amistad entre Roscoe "Fatty" Arbuckle y Buster Keaton cuando el primero ya era una estrella del cine y el segundo acababa de llegar. Como su título original indica la acción se desarrolla en el por entonces famoso parque de atracciones de Nueva York en su totalidad excepto un par de escenas en una cárcel. El corto tiene ritmo, resulta divertido aunque un poco irregular y contiene un par de escenas bastante atrevidas para la época, en especial una en la que la protagonista femenina aparece con una ropa interior ajustada de cuerpo entero.

Por otra parte, "Coney Island" es una de las escasas ocasiones en que se puede ver a Buster Keaton mostrando una amplia gama de emociones tales como sonreír, llorar o enojarse. Fue en los años 20, ya con su carrera desarrollada en solitario, cuando desarrolló su personaje en largometrajes, un joven tragicómico que se enfrenta a las desgracias con una absoluta inexpresividad, lo que hizo que le bautizaran como stone face ("Cara de piedra", aunque en España fue conocido como "Cara de Palo")

En primer lugar hay que decir que el contenido en un film de la maravillosa música de Johann Strauss, que a todos nos enamora, no es suficiente bagaje para considerar dicho film como una obra maestra, ni tan siquiera como una propuesta notable.

"The Great Waltz", como se deja claro al principio, no es una biografía del genial compositor austriaco sino una ficción construida a partir de unos pocos datos históricos, y es precisamente en el guión en donde reside el principal defecto de esta película cuyo argumento deriva en el melodrama, a través de un triángulo amoroso, lo que hace que no termine de funcionar del todo.
No obstante, el film tiene muchos puntos de interés que lo convierten en un producto más que interesante. Por supuesto, el mejor activo es la deliciosa música de Strauss y sus piezas musicales, bellamente recreadas en su entorno natural en la Viena del siglo XIX y adaptadas al cine por el gran compositor Dimitri Tiomkin. A ello hay que añadir la excelente fotografía en blanco y negro de Joseph Ruttenberg (con la que ganó el primero de sus cuatro Oscar); y la dirección de Julien Duvivier que maneja la cámara con gran elegancia y virtuosismo técnico, lo que sumado a la envolvente música nos sumerge por momentos en un torbellino embriagador.
Por último hay que destacar la actuación de la soprano nacida en Varsovia Miliza Korjus (nominada al Oscar como mejor actriz de reparto) cuya presencia ilumina la pantalla tanto por su sonrisa como por su deliciosa voz. Esta fue su única actuación en Hollywood pese a que había firmado un contrato con MGM por diez años. Por desgracia, cuando iba a rodar su segundo film, sufrió una fractura de una pierna en un accidente de tráfico y, aunque pudo evitarse la amputación, necesitó una larga recuperación, motivo por el cual hubo de cancelarse dicho rodaje. Ya no volvería a actuar en más películas excepto en una rodada en español en México, donde se instaló durante la Segunda Guerra Mundial.

Aunque figuren sin acreditar, al parecer Josef von Sternberg y Victor Fleming filmaron algunas escenas.

Mediocre film de aventuras con guión y dirección de Lewis R. Foster y que supuso la quinta y última colaboración con el actor John Payne, estrella del momento de la modesta productora Pine-Thomas Productions que tenía un contrato de distribución con Paramount.

Esta historia de buscadores de oro se sitúa en la exótica Nueva Guinea, aunque en realidad esté rodada en Florida con muy pocos medios y ello lastre de manera notable el conjunto de la obra y la haga poco creíble. Baste, como ejemplo, las escenas submarinas en las que se ve claramente como los personajes están buceando siempre en el mismo lugar y con las mismas rocas. Pero, además, las secuencias en las que aparecen los jíbaros también resultan repetitivas y poco creativas. La carencia de medios no es motivo para excusar deficiencias de guión abundantes. Eso sí, el uso del Technicolor está bastante logrado y le da al film ese tono exótico y colorista que requiere el género de aventuras.

En cuanto al reparto, la pareja principal Rhonda Fleming y John Payne no funciona, principalmente a causa de él que se limita a mostrar músculo y a evidenciar su limitación interpretativa. Más destacables son los secundarios, especialmente Alan Mowbray y Robert Lowery.

"La mano de la momia" fue la primera de las cuatro secuelas que Universal hizo de su clásico La momia (1932), siguiendo una práctica que ya había realizado con Drácula y Frankestein.
Con un presupuesto muy bajo, un rodaje apresurado que apenas duró un mes y con la reutilización de varias tomas y secuencias por parte de Universal de la versión original de 1932, el resultado fue bastante aceptable y tuvo un relativo éxito comercial.

De las cuatro secuelas, sin duda ésta es la mejor aunque esté muy lejos de la calidad del clásico de Karl Freund con el gran Boris Karloff que aquí es sustituido por un Tom Tayler caracterizado de momia con tiras de algodón para primeros y medios planos y con una máscara de goma para las tomas largas así como el oscurecimiento fotograma a fotograma de ojos e interior de la boca para intentar dar un aspecto más aterrador. Por desgracia, la comparación con Karloff es imposible ya que lo que con éste resultaba inquietante y terrorífico, con Tyler asusta más bien poco y, por momentos, resulta irrisorio. El resto del reparto tampoco destaca demasiado a excepción de George Zucco como el sumo sacerdote Andoheb.

En definitiva, es una secuela con un tono diferente al clásico original. La inquietante y siniestra atmósfera de la versión de 1932 aquí es sustituida por un tono más ligero de aventura que incluso incorpora elementos cómicos a través de algún personaje secundario. Por supuesto no admite comparación con la gran película de Freund y el maravilloso Karloff pero el resultado es digno y resulta entretenida.