Me acerqué a “Bloody Hell” alentado por las favorables críticas y comentarios que he ido leyendo por aquí y la buena acogida que tuvo en Sitges, aparentemente se trata de un producto afín totalmente a mis gustos, diseñado para una rata de videoclub de décadas pasadas como yo.

Bien, intentaré explicar el porqué no he conectado con la película: partimos de la idea de que se trata de una coctelera de estilos en la que conviven acción, comedia, gore y terror, sin embargo, creo que podríamos definirla más como un batiburrillo incongruente de géneros, vamos saltando de uno a otro con mayor, y en bastantes ocasiones, menor acierto.

Las escenas de acción están rodadas con diligencia, contando con pocos medios y bastante pericia, pero el humor creo que falla estrepitosamente, veo mucha socarronería sin gracia, imposturas y gracietas que no me consiguieron dibujar ni una leve sonrisa.

Algunos se empeñan en encontrar en Ben O’Toole al nuevo Bruce Campbell, creo que si bien no es lo peor del film y lo intenta, queda a años luz del bueno de Groovy Bruce, puede que en unos años me cierre la boca, pero de momento Ben no pasa de la categoría de discípulo que necesita mejorar.

La película quiere homenajear a los 80/90, periodo mítico en el que pudimos degustar cientos de referencias gore y excesivas vistas con la mirada de hoy día, pero se queda a medio camino. Si esto es lo mejor que podemos buscar hoy, en cuanto a originalidad, ingenio y mala baba, creo que podemos hablar sin miedo de que vivimos en un desierto de creatividad.

Lo mejor para mí, los problemas que parece tener el director con Finlandia, a tenor de su visión que muestra de nuestros vecinos del norte.

Vaya por delante que soy un gran aficionado al mundo del balompié, y que además soy madridista desde que tengo uso de razón.

La entradilla viene dada porque una vez visionada esta bazofia (se la puede dar otros apelativos pero no tan certeros) el espectador medio no sabe si reírse, llorar, o llorar de la risa.

En “¡Goool 2! Viviendo el sueño” asistimos al ascenso de Santiago Muñez como jugador de talla mundial y su fichaje por el Real Madrid… hasta aquí todo bien, previsible siguiendo la estela que dejó su antecesora y planteando una historia que se presuponía de superación personal y esfuerzo de esas que tanto disfrutamos los aficionados a las pelis deportivas.

La realidad dista bastante de lo que se cocía en mi imaginación ya que nos encontramos en un producto que tiene como único fin vender camisetas (supongo) y ensalzar la figura del apolíneo jugador inglés David Beckham. Para muestra un botón: es el único futbolista (amén de los rivales y los protagonistas) que mete goles en todo el metraje, además los dos de falta directa cuando en toda su estancia en el equipo blanco únicamente anotó 3 en 4 años, eso sin contar ¡que marca el gol del triunfo en la final de Champions llevándose toda la gloria! y dejando al personal sin saber muy bien a dónde mirar.

Si nos centramos en las características técnicas de la cinta, comentar que tanto Kuno Becker como en especial, Alessandro Nivola no son unos primeras líneas en esto de la interpretación, pero hacen de la inexpresividad un verdadero sello de distinción. Lo de Rutger Hauer es sangrante, relegado a mero secundario simplón y de rostro pétreo.

En el campo de secundarios-cameos la cosa ya roza el bizarrismo: Currito de “Los Serrano”, el frutero de “7 Vidas”, Carmelo Gómez (que aún no sé muy bien qué pinta en todo esto), Steve McManaman como segundo entrenador (¿???) y las aportaciones estelares de Iker Casillas, Guti, Iván Helguera o Michel Salgado (para romper las paredes a fuerza de cabezazos).

Si hablamos de la historia no podríamos decir otra cosa que simplista, efectista, sin ninguna ambición ni coherencia narrativa y en ocasiones hasta sangrante (el origen de la familia del protagonista es de juzgado de guardia y bastante ofensivo).

En definitiva, una auténtica pérdida de tiempo tanto para madridistas como para aficionados a las pelis deportivas en general.

Lo único destacable Florentino Pérez como sí mismo, desplegando actitud, corrección y bonhomía en cada una de las palabras que desgrana (sí, es ironía).

“El rastro de la pantera” supone toda una rara avis dentro del Hollywood clásico de la década de los 50, no en vano la película se vendió como un western cuando más allá del marco temporal en el que se desarrolla y los personajes (una familia de ganaderos) poco tiene de cine del oeste.

Explicar qué es se me antoja un reto arto complicado, ya que es un producto inteligentísimo y muy adelantado a su tiempo, de hecho, fue un auténtico fracaso en taquilla y nadie pareció entenderla hasta décadas posteriores.

Lo que nos vamos a encontrar es una atmósfera desasosegante, con escenarios interiores completamente asfixiantes y viciados por unas personalidades tan dispares como inquisitivas (en especial el padre, la madre y por supuesto el personaje de Mitchum), opresión y luchas de egos y cierto cambio de roles conforme se desarrolla el film. En contraposición, también contaremos con espacios abiertos, blancos puros, con una fotografía excelente y unos paisajes nevados que nos llevan a sentir el vacío en nuestras propias carnes y que tiene un conducto existencialista muy marcado.

William A. Wellman lo da todo detrás de las cámaras, estamos hablando de un director que cuenta obras maestras en su filmografía como Incidente en Ox-Bow (1942): la mejor versión de OK Corral jamás realizada, El enemigo público (1931): con un James Cagney desatado, Beau Geste (1939): que impulsó a Gary Cooper como la estrella del momento, Caravana de mujeres (1951): un pequeño western con mucha alma o Cielo amarillo (1948): esa película maravillosa que trasciende géneros cinematográficos, en ese sentido muy parecida a la que es objeto de mi crítica.

El guión corre a cuenta de A.I. Bezzerides que adapta con solvencia la novela de Walter Van Tilburg Clark, dándole un enfoque muy cinematográfico y teatral. El guionista tuvo momentos deslumbrantes en la década de los 50, suyos fueron los libretos de El beso mortal (1955), Mercado de ladrones (1949) o La casa en la sombra (1951), entre otras.

Entre el elenco además de las actuaciones ya mencionadas de los padres de esta familia tan disfuncional, destaca el gran Robert Mitchum, excelente como casi siempre, en los 50 ya era una estrella consagrada dentro del firmamento hollywodiense, esta película está ubicada entre Cara de ángel (1953) que es un ejercicio superlativo de cine negro a cargo de Otto Preminger y Río sin retorno (1954) con una actuación muy interesante de Marilyn Monroe, y sólo un año antes de una de sus más icónicas actuaciones: La noche del cazador (1955). Por lo tanto, podemos contar con un absoluto estado de gracia en su caracterización del mezquino y ladino hermano Curt Bridges.

Una película diferente y muy personal, con un estudio de personajes excepcional y una potente trama, en la que participaremos en la caza de los demonios internos del hombre.