Después de la muy fallida ‘Escuadrón suicida’, de la que apenas sobresalió el personaje de Harley Quinn, interpretado por Margot Robbie, era lógico que llegara su película en solitario, tras el intento fallido de su película con el Joker, la rubia desatada llega ahora con un peculiar grupo de mujeres que buscan emanciparse.

La película arranca con una declaración de la propia Harley, recién ha terminado su relación con el Guasón y ahora se ha convertido en un blanco fácil para cualquiera, al perder la protección que le brindaba su ex, por lo que decide valerse por sí misma y decide cerrar ese ciclo volando el lugar donde se enamoró de su ex.

Cuando la joven Cassandra (Ella Jay Basco) se convierte en el objetivo del malvado Roman Sionis o Back Mask (Ewan McGregor), Harley decide hacer equipo con otras chicas, Cazadora (Mary Elizabeth Winstead), Renée Montoya (Rosie Pérez), y Canario Negro (Jurnee Smollett-Bell), buscando salvarla.

La película que dirige Cathy Yan es, en general, rara, además de irregular, a la que el espectador debe tratar de manera condescendiente para poder disfrutarla, ya que el guion presenta diferentes inconsistencias, caprichosos cambios de tono y un humor reiterativo que no funciona siempre.

Así como ‘Escuadrón suicida’ tomó como modelo a seguir la primera de las ‘Guardianes de la galaxia’, ‘Aves de presa’ toma el modelo de ‘Deadpool’, y por momentos se le asemeja en el humor desatado, el recurso de romper la cuarta pared y algo del nivel de la violencia, incluso se copia descaradamente un chiste, pero el problema de ‘Aves de presa’ es que su narración es inconsistente, Harley tiene un protagonismo casi absoluto, por lo que mientras se narran algunas de sus peripecias se dilata la aparición y formación de las mencionadas Aves de presa.

Además falla en el trazo de sus villanos, sobre todo de Back Mask que es el principal, que se lo presenta desdibujado y poco interesante, desaprovechando a un actor tan carismático como McGregor, siendo la irregularidad lo que domina esta película, la cual es verdaderamente entretenida pero que presenta una historia no muy bien desarrollada, chistes que se alargan innecesariamente (el del sándwich por ejemplo), y escenas de acción que van de los espectacular a lo ridículo, como esa persecución cerca del final que parece salida de alguna de las películas de “Batman” dirigidas por Joel Schumacher, reforzando la dependencia que esta película tiene con el contexto previo de superhéroes, sobre todo con su antecesora ‘Escuadrón suicida’ y con la figura del Joker (de quien Harley parece no haberse emancipado del todo), para dar forma a una película simpática si, pero olvidable.

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La dupla de directores austriacos formada por Severin Fiala y Veronika Franz se dieron a conocer al mundo con ‘Goodnight Mommy’, una pieza de terror psicológico que abordaba la relación madre-hijo desde un plano bastante perturbador desde el punto de vista infantil, ahora en ‘The Lodge’ la relación es entre un par de adolescentes y la novia de su padre, y posible futura madrastra.

Tras un suceso trágico, un padre de familia (Richard Armitage), decide llevar a sus dos hijos a pasar unos días de las vacaciones navideñas a una cabaña fuera de la ciudad, con la intención de distraerlos y para que además socialicen con Grace (Riley Keough), su futura esposa.

Debiendo volver a la ciudad un par de días por cuestiones de trabajo, los deja en la cabaña para que estrechen relaciones, pero los chicos no son muy cordiales con Grace. Cuando todo parecía ir mejor, cosas extrañas empiezan a suceder, afectándole de manera especial a Grace, quien no ha podido superar algunos traumas de su infancia.

Fiala y Franz ya habían demostrado saber crear inquietantes atmósferas y en ‘The Lodge’ lo confirman, una película sólida de terror que, a pesar del título de su estreno en México (La cabaña siniestra) es todos menos una película de sustos, y si, un inquietante relato en el que el trabajo de los directores se plasma en las intensas atmósferas conseguidas.

Y es que los directores prescinden de todo elemento sobrenatural en su relato, llevando a la historia hacia un terreno donde lo que predomina es el terror psicológico a partir de los desconcertantes climas, apoyándose en el buen aprovechamiento del espacio físico de la cabaña en cuestión, del gran trabajo musical de Danny Bensi y Saunder Jurriaans, y las imponentes imágenes que Thimios Bakatatakis consigue del entorno geográfico que se convierte en un personaje más.

Con apenas estos elementos y un muy sólido guion, Fiala y Franz construyen un perturbador y atrapante relato, en la línea de su propia película ya mencionada ‘Goodnight Mommy’, ‘Hereditary’ o ‘The Witch’, terror de gran nivel.

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Tras su interesante debut con ‘À l’intérieur’ la dupla de franceses Alexandre Bustillo y Julien Maury son los encargados de llevar a la gran pantalla el origen del célebre Leatherface.

Siendo el cumpleaños del pequeño Jed, su madre Verna (Lili Taylor) y el resto de su familia, le obliga a tomar una sierra eléctrica para asesinar a un hombre que tienen atado por introducirse a su propiedad. En otro momento, Jed logra que un auto se detenga en la carretera, consiguiendo que una chica que viajaba en él le siga, para terminar siendo asesinada.

Este hecho provocará que Jed sea recluido en un hospital mental, a donde, algunos años después llega a trabajar la enfermera (Vanessa Grasse), justo el día en que sucede una rebelión donde Jed, ya con otro nombre, consigue escapar con otros tres internos y la enfermera como rehén.

La película es en sí una precuela al clásico filme de 1974 dirigido por Tobe Hooper, pero no sigue ni el mismo estilo visual ni la misma narrativa, es más, ni siquiera se adhiere al género del terror del filme original, lo que le otorga un tanto de personalidad propia.

La mayor parte el filme se desarrolla como un thriller que consigue crear una atmosfera adecuada y llena de tensión, pero que pierde al no ubicar desde el inicio a un fijo protagonista, rol que se pasea entre el papel de la madre, Jed y posteriormente la enfermera, y que no permite el total desarrollo de cada uno de ellos.

Sin embargo, el filme consigue alzarse como un filme con una personalidad muy propia y logra distanciarse del filme madre, logrando una película digna sin abusar de la nostalgia de la película original, como lo han hecho con otras secuelas, remakes y demás.

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Creador de obras descomunales como ‘Mother’, ‘Memories of Murder’, ‘The Host’ y ‘Snow Piercer’, el coreano Bong Joon-ho demuestra una vez más su maestría como narrador en su más reciente película, ganadora de la Palma de Oro en Cannes, ‘Parásitos’, una demoledora mirada a la lucha de clases.

Una familia liderada por el padre Gi Taek (Song Kang-ho), vive en una especie de medio sótano, en un barrio carenciado, son cuatro los miembros de esta familia que viven todos apretujados, comiendo lo que pueden y sin por lo menos poder acceder a un servicio de wifi, por lo que deben robarlo de sus vecinos, generando sus pocos ingresos doblando cajas para una pizzería del barrio.

Pero cuando el hijo de la familia, Gi Woo (Choi Woo-sik), ingresa como suplente de un amigo para trabajar en la casa moderna y adinerada de la familia Park como maestro particular, los alejados mundos de estas dos familias se acercan de la manera menos previsible gracias a las falsedades y mentiras que la familia de Gi Taek irán construyendo.

Como en muchas de las anteriores películas de su director, el conflicto entre clases es un tema que regresa en ‘Parásitos’, ahora en una poderosa historia que es narrada en una particular mezcla de géneros y tonos, que van transitando desde una comedia puntillosa que se va tornando negra hasta llegar al thriller y acercarse de manera tremenda al terror más desconcertante.

La historia está construida desde el enfrentamiento de dos realidades opuestas a cargo de dos familias que se encuentran en las antípodas del escalonamiento social, una llena de carencias y falta de oportunidades y la otra excedida en privilegios y comodidades, cuando ambas familias conviven por completo, empiezan a florecer esas diferencias de maneras particulares, pero precisas, usando, por ejemplo, el olor de los pobres como una irrefutable muestra de esas tantas diferencias.

Todo ello conlleva de manera irremediable y sin muchas sutilezas de por medio, a una descarnada violencia que es registrada en una poderosa y virtuosa puesta en escena, donde Joon-ho encamina su relato de manera desmesurada hasta volverlo una impiadosa y crítica mirada a la marcada desigualdad imperante no solo en Corea del Sur sino en el resto mundo y puntualmente, en nuestros países.

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Estrenada en el marco del pasado Festival de Cannes, la tercera película de la directora y actriz libanesa Nadine Labaki logró conmover a la presidenta del jurado, la prestigiosa actriz Cate Blanchet, de donde consiguió llevarse algún premio y una destacada ovación.

La historia que narra es desgarradora, un chico de alrededor de 12 años, Zain, se encuentra en una cárcel juvenil pagando por un crimen cometido, después de su malograda infancia se decide por denunciar a sus padres, acusándolos de haberlo traído al mundo de manera irresponsable.

El relato viajará a través del tiempo para narrar en el presente el juicio en contra de los padres del menor, con la propia Labaki como la abogada defensora del chico, y al pasado para conocer los detalles que llevaron a Zain a cometer un sangriento crimen y su posterior decisión de enjuiciar a sus progenitores.

En sus traslados al pasado, la historia se centrará primero en contar el entorno en el que vive (o sobrevive) el chico y su familia, integrante de una familia en la que ni los mismos padres saben cuantos hijos han tenido, donde el pequeño Zain debe trabajar para un tipo dueño de un pequeño comercio, de quien cuida a su hermana, próxima a recibir su primera menstruación, para que no le sea ofrecida en matrimonio, y posteriormente narra la travesía que Zain debe superar al quedarse a cargo del bebé de una inmigrante indocumentada que ha sido encarcelada, mientras busca la posibilidad de huir de su propio país, con el inconveniente de no contar con ningún tipo de identificación oficial.

El gran problema de la película es el abuso que hace de las situaciones terribles por las que deberá pasar el chico, un niño condenado a comportarse tempranamente como adulto, al que Labaki no le permite apenas sonreír y si pasar por una incontable cantidad de situaciones adversas que van desde sufrir violencia física y verbal, padecer acoso sexual por un adulto, pasar hambre y sed, beber agua sucia, convertir antidepresivos en bebidas estimulantes para sacar dinero, entre otras situaciones igual de excesivas.

La película manipula todo el tiempo a su espectador, sin brindarle la oportunidad de decidir que pensar y mucho menos que sentir, con imágenes que se regodean de manera brutal en la miseria reinante, algunas hechas desde un dron que le permite mostrar la magnitud de la pobreza, una musicalización que subraya los momentos de mayor congoja y, sobre todo, un discurso limitado donde todo se circunscribe a señalar a los padres como los máximos culpables de la pobreza, incapaz de escudriñar en los verdaderos motivos que aplastan a millones de ciudadanos en condiciones nada dignas para un ser humano.

Labaki se propone que el espectador lo pase mal en el visionado de su película y termine con el corazón destrozado en medio de un mar de lágrimas, lo que consigue a cabalidad gracias a su tortuosa manipulación y tremendismo.

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