“Largo domingo de noviazgo”, comienza primero con un abierto tono de denuncia de la podredumbre moral de la clase militar francesa, mostrándonos el modo en que muchos soldados se autolesionaban para escapar del infierno del frente y regresar a casa como heridos, o castigos como el abandonar a los soldados insumisos en lugares de las líneas enemigas de las que no pudieran escapar y que fueran ejecutados de esta manera sin juicio ni sentencia.
Pero ante todo “Largo domingo de noviazgo” es una historia de amor, que trata de llegarnos al corazón con esa estética tan propia de Jeunet, el cual le saca partido a esa cierta mística de las trincheras, laberintos de suciedad y muerte, que eran lo único que separaban a los hombres de la vida y la muerte, y paralelamente, de la mayor fuente de evocación y esperanza posible: la del amor que se ha marchado y del que no sabemos siquiera si va a volver.
"Largo domingo de noviazgo" sería como un río, del que se puede prever cómo va a acabar, a dónde va a llegar, pero cuyo misterio reside en el por dónde va a pasar, y en la belleza particular de cada paisaje que forma con el conjunto por donde pasa, aunque naturalmente ese paisaje no es continuo y también da paso a tramos menos pintorescos, así pues "Largo domingo de noviazgo" puede que no resulte todo lo interesante que debiera en su conjunto, pero sí que resulta una maravillosa colección de segmentos mágicos y conmovedores, y que de lo particular transfieren brillo a lo general.
Demasiados nombres, demasiados personajes del pasado, el curso de las indagaciones se hacen confusas y a ratos farragosas, (vamos que a la historia solo le falta Paco Lobatón), pero permiten la introducción de una buena galería de personajes estupendos, cada uno con su propia historia que contar, y facilitan la intercalación de anécdotas cargadas de humanidad.
La película está estructurada en un interesante juego de binomios, pares contrapuestos que transfieren como vasos comunicantes fuerza de cada uno de los lados al otro. Pares para una historia contada con acciones en dos épocas diferentes; en dos tonos diferentes:

- El mundo de Mathilde en el presente es un mundo de entrañables caracteres y un sentido del humor constante, mientras que el mundo de Manech en las trincheras, es una realista descripción dura y cruda de la Primera Guerra Mundial

- Una película en dos fotografías, siendo toda la parte de Mathilde contada en fantasiosos tonos sepias, como de fotografía antigua, y la parte de la guerra tratada más bien en tonos realistas, color barro y uniformes;

- De nuevo un par más, dos mujeres, Mathilda y Tina Lombardi, embarcadas en la misma búsqueda pero la una dedicada al amor y la esperanza y la otra al odio y la venganza

Buena película en su conjunto.

“I am a Cyborg, but that´s ok”, es una fábula sobre la supervivencia de una adolescente que es internada en una clínica cuando intenta conectar sus venas al cableado eléctrico de la fábrica donde trabaja, historia donde la traumatizada y desequilibrada adolescente cree ser un robot programado para vengarse de sus celadores. Al borde de la desnutrición negándose a alimentarse de otra manera que no sea a base de pilas alcalinas, la chica sufre una serie de alucinaciones de las que somos testigos con todo tipo de detalle. En el psiquiátrico encontramos personajes y situaciones convertidas en arquetípicas hace ya treinta años en “Alguien voló sobre el nido del cuco”, retomando las mismas fobias, caracteres y personalidades de los plasmados en la obra de Milos Forman

Esta vez Park Chan-Wook deja la violencia y nos ofrece una muy curiosa y original “comedia romántica”, que guarda cierto parecido con "K-Pax" y "Hombre mirando al sudeste”, el director no olvida la crítica a la sociedad actual, cada vez más mecanizada e impersonal, que conduce a la joven a una aislada autodestrucción.

“I am a Cyborg, but that´s ok”, no llega a la maestría de “Old Boy” o “JSA” donde exploraba los límites de la identificación del espectador con la extrema violencia de sus personajes principales. A pesar de eso, su estimulante puesta en escena y la originalidad en el planteamiento de un tema tan trillado, como lo es la búsqueda de la identidad en la adolescencia, hacen de este film una propuesta más que interesante.

No obstante “I am a Cyborg, but that´s ok”, aunque recomendada para todos los públicos, no es una película fácil de ver, ni siquiera para aquellos a los que les encantó "La ciencia del sueño”

En “la Condición Humana”, Kobayashi nos muestra otra vez la historia de una persona contra el mundo, contra un sistema, “la condición humana” es la historia de Kaji, un pacifista en medio de una guerra, de un semi-comunista en una sociedad fascista, es la historia, la dura historia de un hombre que ha de soportar su propio drama y el drama que le rodea, “La condición humana” es el ejemplo de lo que debe ser una película bélica triste, con la que sufrir, con la que llorar, al contrario que con “La lista de Schindler” “La vida es bella” o “Lazos de guerra”, sin buscar la lágrima fácil y al mismo tiempo disfrutar, y no porque el argumento nos de motivos para la alegría, todo lo contrario disfrutar de tener ante ti 10 horas del mejor cine que jamás podrás encontrar.

La trilogía está estudiada al milímetro, impresionante la puesta en escena que no escatima en detalles, la recreación de la colonia Japonesa de Manchuria es para quitarse el sombrero y a priori, el lastre que pueden suponer 10 horas de una película asiática y su fama de cine lento aunque parezca increíble son llevadas con fluidez, con sus consecuentes altibajos en el ritmo, que son suplantados sin ningún problema por el propio interés del espectador a causa de la gran intensidad del argumento.

Donde otros buscan mostrar, Kobayshi busca concienciar, donde otros giran en torno a una película en clave anti-militarista, Kobayashi te la pega en la cara en forma de primera persona, ni que decir que Tatsuya Nakadai como siempre está colosal, no por su gran actuación (que también) sino porque una obra colosal, hace colosal a un actor colosal y no porque la grandeza de “La condición humana” camufle sus posibles defectos de actuación, para nada, estos defectos no existen, se trata de una simbiosis perfecta solo comparable a la de Marlon Brandon en “El Padrino”.

La evolución a lo largo de la trilogía, tanto del protagonista como el resto del reparto es lógica e incluso esperada, los diálogos siempre durísimos, no tanto por el tema en si, sino por la manera de ser llevados a cabo, por un soldado aferrado a sus ideas y por la manera de defenderlas, es una cosa que a mi siempre me ha parecido digno de admiración.

Con referencia a la repercusión que tuvo, o ha tenido esta obra en occidente creo que es destacable que a pesar de ser prácticamente desconocida para el gran público, si sirvió de inspiración para otros directores y otras películas bélicas, (Sobretodo la segunda parte de “La Condición Humana”) siendo quizás la más representativa, “La Chaqueta Metálica”, (Desconozco si Kubrick vió esta trilogía, todo me hace pensar que si) que sin llegar a plagiar nada al espectador le da la sensación de estar viendo otra vez la parte de la instrucción, lo cual es un punto a favor que denota que nivel de película estamos visualizando.

Sigue en Spoiler por falta de espacio

“Kids Return”, es para mi la obra mas infravalorada de este director y una de las mas infravaloradas que recuerde en general.
Fue realizada por Kitano durante su recuperación después de sufrir un aparatoso accidente en motocicleta en donde casi pierde la vida y que le trajo una parálisis en la mitad de su rostro. Obviamente esta fatal experiencia causó que, a partir de esta cinta, su posterior filmografía se transformara en cintas más sobrias, personales, meditativas e íntimas, aunque, eso sí, con la fuerza suficiente para tocar fibras sensibles. La cinta se ubica a mediados de los 90, cuando la burbuja económica se rompe y la crisis asiática comienza. Masaru y Shinji (Ken Kaneko y Masanobu Ando, respectivamente) son los representantes perfectos de una generación que reniega de su pasado, han abandonado la escuela, dedicando gran parte de su tiempo a provocar problemas, abusar de los menores, ir al cine y emborracharse. Toda una vida de vagancia y ociosidad. Aun siendo amigos y compartiendo esa apatía, ambos son muy distintos: Masaru se encarga de golpear al que se deje, creyéndose superior, mientras que Shinji sigue a su comparsa en todas las fechorías que este comete, aunque es más pasivo y en general tiene otro concepto de la vida, sus destinos cambiarán a veces a mejor, a veces a peor, como en una constante montaña rusa, con sus respectivos altibajos, en sus incursiones de uno en los Yakuza y del otro como boxeador semi-profesional.
“Kids Return” es una cinta triste, melancólica y en donde no es necesario vivir al otro lado del mundo para que nos llegue lo que Gitano nos quería transmitir. En algún momento de nuestras vidas nos ponemos a preguntarnos, ¿qué habrá sido de fulanito después que terminamos la secundaria?, o tarde o temprano nos enteramos de una noticia que nos sacude, como la muerte de un conocido a causa de una sobredosis o el éxito en el extranjero de un buen amigo tuyo.
En ambos casos el azar y las decisiones personales son demasiado contundentes para poder escapar a la emoción más pura. No hay remedio, somos gente con sentimientos demasiado profundos para que esto no nos cale.
Sólo me resta decir que, ya sea en un país plagado de luces de neón o en uno desolado, indudablemente se necesitará de una persona con quien contar, porque siempre habrá un espacio para alguien en tu bicicleta, con la que se dará la última vuelta alrededor de tu lugar favorito antes de encarar el futuro.

“Nikutai no mon” es un indiscutible retrato de la sociedad japonesa de la posguerra, suicidio, prostitutas y asesinatos por doquier, una época en la que la gente sobrevivía como podía y cuya moral equivalía a poder echarse un puñado de arroz a la boca y en donde a fin de cuentas, nadie echa de menos a nadie. 4 prostitutas. Una de rojo, otra de verde, otra de morado y la gorda, que no puede faltar, de amarillo.

Entonces aparece, la chica del kimono, la peor y la mejor, rompe con sus hermanas de convento y se enamora del tipo equivocado, una especie de nuevo "Tanaka" surgido después de la guerra y que todavía subsiste hoy en día, el que se encarga de alimentarlas prácticamente, pero putero, fascista y cargado de vicios hasta la médula.

La mejor, porque ese kimono es un símbolo claro del Japón tradicional en la sociedad moderna, solo una fachada, algo así como un pequeño templo sintoísta situado a la entrada de una gran metrópoli llena de pachinkos y karaokes.

Lo del cura negro, impagable, su desenlace es el precio a pagar por la "buena fe" cristiana, que suelta su moralina barata hasta en medio del mismísimo infierno, curioso que el tipo no hable una palabra de japonés, soltando sus ñoños sermones en inglés, detalle con el que Suzuki acentúa la incapacidad de entendimiento entre el puritanismo cristiano y una convulsa sociedad japonesa que acaba de perder una guerra y que intenta sobrevivir de entre sus propias cenizas.

Y ente todo esto una consigna, las prostitutas se rigen bajo una norma, ninguna debe enamorarse, y dar su cuerpo por algo que vale tan poco como el amor, romper esta regla puede significar ser torturada, con mucho dolor y sufrimiento.
El final no puede ser otra cosa que la descripción de un desastre social. Suzuki lo sabe llevar a la pantalla sin problemas. Los decorados, el uso del color, de la sugerencia. El sabor a derrota se masca una vez acabada la película.