Ojalá le den el oscar a Di Caprio. Lo merece por otros trabajos. En esta película su mérito no es tanto de interpretación como físico, y corre parejo al magnífico esfuerzo de realización de Iñárritu y del director de fotografía, Emmanuel Lubezki, que son quienes consiguen que nos enganchemos a esta historia árida y brutal, de imágenes deslumbrantes.

Basada en un caso real, ocurrido en 1823, nos cuenta la historia de Hugh Glass, que ha vivido con los indios y que trabaja cazando para un tratante de pieles en el más profundo, desapacible y peligroso de los bosques invernales, acompañado por su hijo mestizo, rodeado de compañeros hostiles y amenazado por indios de los que cortan cabelleras.

Glass es atacado por un oso, en una escena espeluznante, de las que no se olvidan, y queda tan maltrecho que el mantenerlo con vida supone un peligro al resto de la expedición. Debido a la maldad de uno de sus compañeros, debe salir adelante solo, medio muerto y en medio de un paisaje desolado, a cientos de kilómetros de una mano amiga. Su afán de venganza y un guión un poco excesivo le mantienen en pie, a pesar de los ríos helados en los que cae, los precipicios gigantescos por los que se despeña, la ausencia de alimentos, las nevadas, las persecuciones y la fiebre. De cuando en cuando sus ensoñaciones nos sacan de lo cruel de la naturaleza y nos llevan a un mundo onírico en el que rememora a su mujer y a su hijo, lo cual no está mal, porque rompe la sucesión de episodios de superación física, que podría ser algo desmedida.

La historia está fotografiada con tal brillantez que te engancha por su belleza y te mete de lleno en los paisajes desolados por los que transita Glass, y en su violento dinamismo de vientos, tormentas, torrentes, animales salvajes y hombres brutales y desesperados.

En suma, una película de aventuras de gran belleza, a la que le sobra algo de metraje pero que sin duda hay que ver,

El australiano Kurzel ha creado una burbuja perfecta de cine puro para alojar la gran tragedia shakespeareana, y llamo cine a ese lenguaje visual que a veces destroza la literatura, y otras multiplica sus poderes, como en este caso.
Kurzel nos entrega los versos de Shakespeare envueltos en su maravillosa fotografía de los campos desabridos de Escocia, y crea una estética grandiosa, pero de dimensión humana, para mostrarnos la sangre de las batallas y la potencia de la naturaleza como telón de fondo de las pasiones más crueles y destructivas de los hombres. Sus personajes nos ofrecen en sus versos la pulsión de las ambiciones, la crueldad que provocan el miedo y la locura, las lágrimas de la culpa, la fatalidad y la duda, y el vacío que puede alcanzar el afán del hombre: “La vida es una historia contada por un idiota lleno de ruido y de furia, que no tiene ningún sentido”.
La interpretación de Fassbender y Cotillard es buena, pero resaltan sobre todo las decisiones del director sobre cómo traducir esta gran historia sobre la ambición humana a un lenguaje de imágenes y sonidos capaz de conmover al espectador del siglo XXI: la cámara lenta en las batallas, el bosque incendiado avanzando hacia el castillo, las brujas impulsando la tragedia con su niño en brazos, la morosidad en el asesinato de Duncan, la insistencia de la música, los interiores atemporales, la sangre derramándose lentamente, la mirada de la reina a la cámara, la presencia del hijo…

Nick acaricia la cabeza de Amy y dice: «¿Qué estás pensando? ¿Qué estás sintiendo? ¿Qué nos hemos hecho el uno al otro?». Así empieza esta película apasionante, que no decae en ningún momento de sus dos horas y media, que se retuerce y se despliega y nos sorprende hasta el último minuto, con un final demoledor, en el que comprobamos que hemos asistido a algo más que a un gran thriller.

Fincher nos narra la desaparición de Amy, una joven recién casada que vive en un barrio residencial de clase media junto a su marido, Nick Dunne. La vida ha ido a peor para Nick y Amy desde que se enamoraron en Nueva York hace unos años, y ya no son la pareja más cool de Manhattan, ni están locos el uno por el otro. Lo que ocurrió en su matrimonio y lo que ocurre después de la desaparición de Amy, cuando recaen sobre Nick las sospechas de haberla asesinado, se nos cuenta a través de dos puntos de vista: el de la propia Amy y el que construyen el director y la guionista para relatarnos la historia de ambos y de “lo que se hacen el uno al otro”. De la mano de un guión que no nos nos da un respiro asistimos no solo a la brillante resolución de las sucesivas intrigas, a cuál más sorprendente, sino a la construcción de un final que, en su aparente minimalismo, nos resulta más brutal aún que ninguna escena anterior.

Es interesante lo que ha dicho Fincher sobre el guión de Gillian Flynn en El Cultural: “Aprecié mucho que Gillian cambiara de género y de tono a lo largo de la historia. Estaba pidiendo hacer algo muy difícil, que es pasar de un misterio a un thriller absurdo y luego a una sátira. Pensé que la idea central de la historia era correcta, y básicamente se trataba de mostrar cómo nos construimos una fachada para seducir no solo a alguien con quien quisiéramos estar, sino a a alguien que creemos que nos merecemos. ¿Qué clase de resentimientos crea esa situación en la pareja?”

El Niño es cine con auténtico sabor local, cine español del bueno, hecho con ingredientes frescos, de aquí mismo, con personajes cercanos que funcionan en entornos conocidos, y es al tiempo cine de acción de polis y narcos, fronterizo y turbulento. La mezcla le ha salido excelente a Monzón.

El escenario es el estrecho de Gibraltar, magníficamente fotografiado en todas sus facetas, desde el chiringo de Tarifa a las avenidas de Sotogrande, pasando por la frontera entre Ceuta y Marruecos, el puerto de Algeciras y la imponente visión de África a 16 km. de nuestra costa. Los personajes, un hombre guapísimo al que llaman el Niño (Jesús Castro) que se busca la vida en compañía de su amigo “el Compi” (Jesús Carroza). Sobresale el rodaje de la acción –lanchas y helicópteros acosándose en la noche en escenas capaces de transmitir todo el vértigo de los tripulantes- y el acierto con el que están retratados los personajes locales, que representan la cara simpática del narcotráfico de la zona, mientras que en el lado menos amable están las mafias eslavas que manejan la cocaína a gran escala, los marroquíes y el cotarro del hachis, la corrupción policial y un Gibraltar turbio como burladero de los malos.

Lo mejor, las electrizantes escenas de acción en el mar y los dos aspirantes a narcos, en especial el “Compi”, cuyo personaje se lleva la palma de la autenticidad y la cercanía en un reparto estupendo. Lo peor, la historia de amor del prota con una marroquí de improbable finura.

Las disparatadas escenas de acción están bien rodadas y dosificadas, los diálogos son divertidos, el reparto funciona estupendamente del primero al último y la ambientación cutre-cañí en tono nostálgico está logradísima. ¿Qué más se puede pedir