Decir que esta película es maravillosa sería quedarse corto. Lo confieso: Me he emocionado con ella, las lágrimas han aflorado a mi rostro tras contemplar una visión tan lúcida y bella de la vejez. Y sin duda alguna el mérito principal es de sus intérpretes. Dos merecidísimos Oscars a dos de los más grandes que ha habido en este oficio. Un precioso homenaje a sus carreras haciendo lo que mejor saben hacer: actuar magistralmente. Henry Fonda me ha recordado a mi abuelo, un hombre que ha sido un cascarrabias toda la vida pero que a pesar de ello ha querido a sus hijos y siempre ha tenido un corazón bondadoso. Katharine Hepburn fue y será la actriz con la mirada más bella que el cine ha dado (Ver Adivina quién viene esta noche y esta película para comprobarlo). Una mujer con una belleza interior desbordante, paciente, comprensiva... Y profundamente enamorada de ese hombre. Una frase preciosa que resume lo que el amor es dice: "Sabes, Norman, eres el hombre más encantador de la tierra. Pero yo soy la única que lo sabe". Pero también hay que destacar la labor de Doug McKeon (el pequeño Billy), que desmiente la teoría del amigo Santi, en la que toda película con niño intérprete junto a un adulto es repulsiva. Una lástima que la mayoría tengamos que crecer
para comprender lo que los ancianos muchas veces tratan de decirnos, a veces con la mirada, a veces con las palabras. Y para complementar a unas estupendas interpretaciones, Mark Rydell entremezcla con criterio imágenes preciosistas del bello "estanque dorado". Sin duda alguna, me encantaría morir tranquilamente rodeado de tanta belleza. Además, el director consigue no caer en la sensiblería y deja que el guión fluya tranquilamente como las notas que el bello piano (un steiner, quizá) hacer sonar a lo largo de toda la película. Y si por si esto fuera poco, para los recolectores de beldades, sale una Jane Fonda estupenda antes de enfundarse en mallas elásticas y grabar videos de fitness. Una de esas películas que te hace amar el cine. Obra maestra.

"En muchos sentidos, el trabajo de un crítico es fácil. Arriesgamos poco, porque gozamos de una posición que está por encima de los que exponen su trabajo y a sí mismos a nuestro criterio. Nos regodeamos en las críticas negativas, que son divertidas de escribir y de leer. Pero el hecho más amargo que debemos afrontar los críticos es que a la hora de la verdad, cualquier producto mediocre tiene probablemente más sentido que la crítica en la que lo tachamos de basura" (Extracto de 'Ratatouille' de Brad Bird). Este pedazo de la maravillosa película de Pixar me parece el homenaje más honrado que se le puede hacer a un director que luchó por llevar a la pantalla (sin éxito) algo en lo que creía (en este caso, la existencia de vida extraterrestre), y eso, pese a que la película es técnicamente desastrosa, se palpa. Tengo la sensación de que es una película hecha con cariño, con esmero, aunque sin talento. Sin embargo, lo maravilloso de un personaje como Ed Wood (conocido gracias al apelativo de ser el autor de la "peor película de la historia") es que se le recuerda por su lucha contra el "cine como negocio". Ed Wood entendía el cine como lo que es en esencia: un medio para la transmisión de sensaciones, ideas, sentimientos...un arte en definitiva. Su lenguaje cinematográfico era tan aberrantemente cutre que transmitia sensaciones totalmente contrapuestas a lo que buscaba, pero estaba hecho con corazón y con coraje. Por ello, y por su concepto del cine, la crítica lo machacaba sin piedad. Curiosamente, hoy en día pululan por la industria de Hollywood multitud de directores y productores que ven el cine como un negocio. Incompetentes a los que la crítica apoya. Sus superproducciones podrán provocar reacciones en el espectador, pero nunca podran transmitir sinceridad, porque se basan en el dinero y no en el arte. Como decía Orson Welles: "Muchas de mis películas no habrían podido ser realizadas de otra forma. O de serlo podrían haber sido mejores, pero ciertamente no serían mías". Personalmente cuando veo una película, me gusta que el director respete mi inteligencia. Por ello es por lo que hago este homenaje a Ed Wood. Por ello le doy las gracias y por ello tiene mi más profundo respeto.

La primera película de renombre de Lang (si exceptuamos a "Las Arañas") es una oscura reflexión sobre la vida y la muerte, que se desarrolla a través de tres historias en tres culturas distintas (occidental, oriental y árabe), lo que señala la universalidad de los temas que aborda: amor, odio, celos, envidia, traición, asesinato... Las vidas humanas aparecen representadas en forma de cirios enormes confinados en una habitación que guarda la muerte. La fragilidad de la vida humana se representa por la débil llama del cirio. La muerte, representada por un hombre de aspecto lúgubre y cansado (de ahí el título alternativo de la película), regresa al mundo de los vivos para llevarse las vidas que se extinguen o que Él decide llevarse. ¿Es el amor más fuerte que la muerte? Para conocer la respuesta, la protagonista deberá evitar que una de las tres luces o cirios (cada luz representa una vida) se extinga.
A destacar el gran trabajo interpretativo de Bernhard Goetzke (representando la muerte como lo hiciera Bengt Ekerot en "El Séptimo Sello") y de Rudolf Klein-Rogge (El Doctor Mabuse), representando magistralmente al despreciable Girolamo. Destaca también la estética del film, de tenue luminosidad, con imágenes espectrales y un gran trabajo de cámara. La atmósfera del film recuerda al cuadro "El Triunfo de la Muerte" (Pieter Brueghel "El Viejo").
Película atípica en la filmografía de Lang, pese a que posteriormente la condición humana sería una constante tanto en su etapa alemana como estadounidense. Film muy interesante por la visión tan atípica de la muerte que plantea. La visión del autor sobre la cultura árabe y occidental resulta tópica y algo desinformada, pero divertida.
Decía Buñuel que tras ver "Der Müde Tod" decidió ser cineasta. Seguro que Bergman también le debe algo al cineasta alemán.

Aquí no hay actores y actrices, sino personas de carne y hueso a las que la desgracia une para siempre

Aquí no existe un director, sólo alguien que proyecta una historia de supervivencia que se remonta al inicio de nuestra conciencia como seres humanos

Aquí no hay un guión, sino un relato sobre la educación de una salvaje a manos de una mujer extraordinariamente bella física y sobretodo, intelectualmente

Nosotros somos los que tenemos que aportar la vista y el oído. El olfato, el gusto y el tacto lo ponen Bancroft, Duke y Penn brindándonos una lección de profesionalidad, sensibilidad y talento.

Esto no es una película. Catalogarla no le hace justicia. Véanla, por favor.

Talento. Eso es lo que hay que tener para lograr que una película con más de 70 años de antigüedad siga siendo tan divertida como en su estreno. Una joya de la comedia screwball que mezcla sabiamente el disparate, la denuncia, el éxito y el fracaso para lograr una fragancia atemporal cuya fórmula otras comedias no han sabido hallar. A mi parecer, la clave de su frescura estriba en desarrollar la ironía y la personalidad peculiar de los personajes como el rasgo hilarante de la película y dejar el disparate como algo tangencial a la historia, al contrario de lo que sucede en otras comedias screwball (p.ej. "La fiera de mi niña") donde el gag y las situaciones disparatadas son las causantes de la carcajada y priman por encima de la actuación, lo que provoca que envejezcan peor.
El peso de la película recae en un colosal William Powell (magnífico también en "La cena de los acusados") que interpreta a Godfrey Parke, un mordaz e ingenioso vagabundo ("forgotten man" es el cariñoso apelativo original) que renace de sus cenizas al ser rescatado del vertedero por un par de jóvenes burguesas, participantes de una alocada gymkana. La menor de las jóvenes, la infantil y romántica Irene Bullock (interpretada por la malograda Carole Lombard en uno de sus mejores papeles) se enamorará de la gentileza de Godfrey y lo convertirá en su "protegé", haciéndole sirviente en casa de los Bullock mientras la mayor, la bella pérfida y altiva Cornelia Bullock, tratará de hacerle la vida imposible. Es aquí donde comienza la galería de personajes estrambóticos: El padre campeón de lucha que paga los destrozos que provocan sus hijas cuando se emborrachan, la madre que ve duendes cuando se despierta, la siempre ácida e irónica criada que enseña a Godfrey trucos y Carlo, el protegido de la madre, un desternillante personaje que no para de comer mientras toca "Occi Ciorne" al piano y no puede oír hablar de dinero. Un cóctel de chalados que provoca las situaciones más disparatadas (robos de perlas, bodas instantáneas, un caballo en la biblioteca...) mientras el amable Godfrey se dedica en cuerpo y alma a servir a los Bullock observando, mientras paralelamente desarrolla otros talentos...
Muy destacable también es la dirección de Gregory La Cava, pues gran parte de la película se desarrolla en interiores, y su labor hace que el ritmo y la hilaridad no decaigan ni un segundo. Si a la historia añadimos un toque de superación personal, unas pequeñas pinceladas de romanticismo y unas gotas de sabia reflexión, el resultado es el redondo guión de "My man Godfrey".
Finalmente, recomendar encarecidamente su visión en versión original, puesto que esta es otra de las innumerables películas que tienen un doblaje lamentable. Una película fabulosa para disfrutar del buen cine.