Jon Garaño, Aitor Arregi y José Mari Goenaga, han vuelto a conquistar al público y al jurado de San Sebastián, es esta ocasión con la película La trinchera infinita.

Los paladines del cine vasco, en esta ocasión han centrado la trama de su película en un pueblo del interior de Andalucía.

Los protagonistas son Higinio (Antonio de la Torre) y Rosa (Belén Cuesta), una pareja de recién casados en plena Guerra Civil.

Higinio por diversas circunstancias, es perseguido y a pesar de que la guerra a puesto fin, para salvar su vida debe permanecer oculto en su casa, convirtiéndose en uno de los llamados «topos«.

La historia está inspirada en 30 años de oscuridad , de Manuel H. Martín, y en el libro Los topos, de Jesús Torbado y Manuel Leguineche

La Trinchera infinita, da comienzo con una huida desasosegante de Higinio, para posteriormente incrementar la sensación de angustia en el espectador, al apostar la película por seguir la historia de Higinio desde su encierro en su hogar , a través de los ojos de Antonio de la Torre, hacernos sentir el miedo y angustia de este personaje.

A parte del miedo a ser descubierto, el encierro auto impuesto por Higinio, le lleva a tener otros fantasmas en su cabeza como los celos hacia su mujer.

Si el encierro de Higinio nos parece doloroso, no es menos lo que podemos empatizar con Rosa, personaje posiblemente ganador de un Goya, en el que Belén Cuesta se desmarca de los papeles cómicos a los que nos tiene acostumbrados.

Rosa, debe enfrentarse a un pueblo en el que cada vez le es mas difícil, ocultar la no ausencia de su marido.

También para el hijo de ambos, acostumbrado a esta situación desde su nacimiento, pero que no entiende muy bien a que tiene miedo su padre si los tiempos ya han cambiado.

Para poder abarcar los 30 años de encierro, los directores han decidido estructurar la película en diferentes capítulos, todos los capítulos son titulados con una palabra y su definición de diccionario.

La excesiva duración de la cinta hace que en algún momento decaiga a pesar de su buena factura técnica y artística.

Pero en términos generales, es una gran película que consigue mantener en tensión al espectador al imaginarse las angustias de los personajes, y seguramente será una dura competidora para la película de Pedro Almodovar en los próximos Goyas.

El descubrimiento del niño Sandro Ballesteros y la veteranía de Pepe Sacristán, hacen de Formentera Lady una película agradable de ver.

Se trata del debut en el largometraje del actor Pau Durá, que ya ha realizado cuatro cortometrajes como director y guionista, El cerdo (2015), El hombre (2013), El audífono (2012) y Praeludium (2009).

Cuenta la historia de Samuel. que sigue viviendo como un hippie desde que llegase a Formentera en los años 70.

Sobrevive tocando el banjo en un garito de la zona, y vive en una casa sin luz y sin agua caliente.

Pero esta forma de vida, se ve trastocada cuando regresa a su vida su hija Anna y su nieto Marc, del que se tendrá que hacer cargo, mientras su madre va a trabajar a Francia.

Samuel se ve incapaz de cuidar a nadie que no sea el mismo, y es allí donde comenzará un viaje interior, en el que no estará solo, le acompañarán diferentes amigos.

Con una primera media hora, de presentación de personajes, un tanto lenta y sin aportar nada nuevo en el panorama cinematográfico patrio, va cobrando mas ritmo al convertirse en una road movie tanto interior como física en el que el personaje de Samuel, inicia un viaje en busca de respuestas y soluciones.

Un buen comienzo en el largometraje para Durà, sobre todo gracias al buen hacer de su actor protagonista.

Un personaje que tiene miedo a salir de su zona de confort, zona a la que se ve forzosamente obligado a abandonar al tener que hacer de padre de su nieto.

El título de la película hace referencia a una canción de la banda de rock, King Crimson Islands (1971), y en la película esta banda aparece como un personaje mas en la sombra, y en los recuerdos que rodean al protagonista.

1991 fue el inicio de una época convulsa, se desmoronó la Unión Soviética y eso supuso el fin de una era y el comienzo del llamado Periodo especial en Cuba.

Cuba tenia una gran dependencia económica y de suministros hacia la Unión soviética, lo que provocó que la isla se tambalease con la caída de la URSS y que entrase en una gran crisis económica.

Este es el marco histórico en el que se desarrolla la película cubana Sergio & Serguéi, dirigida por Ernesto Daranas.

La cinta parte de dos hechos ocurridos realmente, la historia de Serguéi Krikalev, que fue enviado a la estación espacial Mir en 1991 tan solo unos meses antes de la desintegración de la URSS, y que por problemas económicos y burocráticos tuvo que permanecer mas tiempo del esperado en órbita pues su relevo no llegaba.

Por otro lado también se basa en las historias de radioaficionados cubanos, que contactaron con la estación espacial Mir en esa época.

Con estos mimbres Daranas nos cuenta la historia de Sergio, un profesor de filosofía marxista en Cuba, al que le está resultando muy dificil llevar la situación de cambios economicos y políticos que está atravesando su país.

Sergio, ve como el sistema comunista en el que cree, comienza a desaparecer.

Solo consigue desconectar de lo que le rodea hablando por su emisora, con su amigo estadounidense Peter.

Un día contacta con Serguéi un cosmonatua soviético abandonado en la estación orbital Mir.

Con la colaboración de Peter intentarán ayudar al cosmonauta, para conseguir que pueda regresar a tierra.

La película es una bonita fábula, que nos introduce en ese periodo de la historia de Cuba, pero desde un punto de vista amable con la candidez de un niño, pues la historia esta vista desde los ojos de Mariana la hija de Sergio.

Cada uno de los tres personajes se encuentra en su “isla” particular, pero el sentido de la solidaridad primará por encima de sus diferencias.

Todo esto aderezado con un personaje humorístico, el encargado de espiar las actividades de Sergio, que es un tanto caricaturesco, pero que no desentona en el tono amable de la película.

Nos ha gustado la película por varias razones, por el tono amable para narrarnos esa complicada época, por ser la primera vez en mucho tiempo que estadounidenses y cubanos colaboran en la realización de una película, y porque el actor Héctor Noas, nos hizo creer que realmente era ruso.

Jaime Rosales, siempre nos sorprende con un cine diferente, con un lenguaje cinematográfico que rompe los cánones a los que estamos acostumbrados.

Ya recibió grandes elogios con su primer largometraje Las horas del día en 2003, con la que ganó el Premio de la Crítica Internacional en la Quincena de los Realizadores de Cannes.

y en esta ocasión ha repetido esas buenas críticas también en la Quincena de los Realizadores de Cannes con su última película Petra.

Aunque para nuestro gusto es un tipo de cine demasiado artificioso, en el que la búsqueda de ese nuevo lenguaje, le hace perder verdad a la historia, y ser un cine apto para los festivales pero igual no para el gran público.

Petra, interpretada por Bárbara Lennie, es una joven pintora que tras la muerte de su madre, va en busca de su progenitor cuya identidad siempre le había sido ocultada.

Para ello acude a una residencia artística en una casa del Ampurdán junto al escultor Jaume (Interpretada por Joan Botey), y toda su familia.

La puesta en escena está inspirada en las grandes tragedias clásicas, pero con una narración no lineal, plagada de elipsis y giros argumentales.

La historia está compuesta por una serie de capítulos desordenados, a los que antecede un rótulo en los que al espectador se les da toda la información de lo que allí va a suceder.

Cada capítulo está plagado de suspense y sorpresa, aunque se torna algo folletinesco e incluso rozando lo cómico sin quererlo, como sucedió en el pase de prensa de San Sebastián.

Es una historia que habla, sobre la crueldad humana, el perdón, el arrepentimiento, la verdad, plagada de secretos y mentiras familiares.

El ritmo de la película nos parece bueno, todo el tiempo te mantiene con intriga, pero los diálogos, les encontramos poco naturales, no acabamos de encontrar la verdad en ninguno de los tres papeles principales los de Alex Brendemüh, Bárbara Lennie, y Marisa Paredes no así en el personaje de Jaume interpretado por el artista Joan Botey.

El maestro que prometió el mar, es el segundo largometraje de ficción de la directora Patricia Font, que obtuvo el Goya al mejor cortometraje por Café para llevar y está basada en el libro de Paco Escribano Desenterrando el silencio. Antoni Benaiges. El maestro que prometió el mar.

Es una historia en la que se entrelaza el pasado y el presente.

Ariadna descubre casualmente que su abuelo, lleva desde hace tiempo buscando los restos de su padre desaparecido durante la Guerra Civil. Para ayudarle, viaja a Burgos, donde están exhumando una fosa común en la que quizás esté enterrado. Allí conocerá la historia de Antoni Benaiges, un joven maestro de Mont-Roig del Camp (Tarragona) , que fue profesor y casi un padre para su abuelo.

Antoni Benaiges, llegó a la pequeña localidad de Bañuelos de Bureba en el año 1934, era un maestro republicano que seguía las técnicas pedagógicas de Celestin Freinte.

Sus prácticas educativas algo revolucionarias para las mentes de la época, entraron en conflicto con algunos de las familias de sus alumnos y los poderes fácticos locales.

Tenía una nueva forma de entender la enseñanza, buscaba la participación activa de niños y niñas en el proceso del aprendizaje.

Llevó progreso y esperanza a esta localidad burgalesa, y caló hondo en los niños.

Uno de los artilugios que usaba para sus clases era una pequeña imprenta, con la que sus pupilos hacían pequeños cuadernos sobre distintas temáticas.

Como estos niños, nunca habían visto el mar, el maestro les animó a imaginarlo y describirlo en uno de estos cuadernos titulado: El mar. Visión de unos niños que no lo han visto nunca.

El maestro prometió que les llevaría a ver el mar al terminar las clases ese curso
El maestro que prometió el mar, es una historia sobre el poder de la memoria, sobre la importancia de no dejar caer en el olvido, enseñó a soñar a una generación y es un homenaje a los maestros y al poder de transformación que tiene la educación.

Películas como esta deben existir para que conozcamos nuestro pasado y no volver a cometer los mismos errores.

Pero igual combinar pasado y presente no es un acierto de la película, o por lo menos de la manera planteada, la languidez del personaje de Laia Costa y su madre no ayuda demasiado a contextualizar la historia.

En cuanto a la ambientación del relato, echamos de menos también un poco mas de realismo a la hora de representar una población burgalesa en la España de los años 30 y por supuesto los agujeros de las orejas del protagonista podían haberse disimulado un poco.

Pero la historia es de una gran belleza y el personaje de Benaiges interpretado por Enric Auquer se ha ganado nuestros corazones.