Curioso filme propagandístico de 1936. Originalmente bajo el título de ‘Tell Your Children’, y financiado por un grupo religioso, ‘Reefer Madness’ procuraba aleccionar a través de varias secuencias melodramáticas, sobre los efectos de la marihuana. Principalmente destinado a ser mostrado a padres como un cuento moral que exponía los peligros a los que estaban sometidos sus hijos, ‘Reefer Madness’ ha sido reconsiderada con el tiempo como una pieza de culto y ejemplo de película de medianoche. Su estrambótica, exagerada y en cierta medida, manipuladora visión sobre los efectos de la droga de la risa fácil, la convierten en claro ejemplo de cine de control social de mediados de los años 30, que adecuándose a nuestros tiempos, se torna en una delírate comedia involuntaria. Una curiosa obra de la que se hizo un remake en 2005 en clave satírica, que funciona como parodia del film original. Recomendable ver ambas en sesión doble, con reservas de alcohol y marihuana. Risas aseguradas.

@DavidCarideS

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Walter White es un profesor de Química de secundaria representado como el paradigma del infortunio: hijo minusválido, mujer embarazada y un sueldo insuficiente para mantener su bienestar, para mayor desgracia, el problema se verá acrecentado cuando le diagnostiquen un cáncer terminal de pulmón, lo que formulará el germen de la transfiguración de un individuo con valores morales afines al sistema, a una suerte de antihéroe, cuando tome contacto con Jesse Pickman, antiguo alumno suyo que le servirá de guía para introducirse en el mundo del tráfico de drogas. La narración absorbe el llamado camino del héroe, pero a la inversa, y lo representa a través de dos flancos, retroalimentados el uno del otro. Tanto Jesse como Walter ‘Heisenberg’, ambos maestros y alumnos del otro, suponen el punto de inflexión coral donde se ramificará el desarrollo de más de una decena de personajes secundarios, decisivamente influyentes sobre el dúo, llevando a una progresiva “walterización” de Jesse y “Jesseficación” de Walter.

La creación de Gilligan, con denotada bis tragicómica en sus primeros compases, termina derivando en un autentica tragedia coral urbana, de trafico de drogas, como temática, pero no desde la perspectiva de realismo sucio y tangible visto en ‘The Wire’, sino como un McGuffin en el que se cimenta la evolución de los personajes; punto fuerte de la serie, y que pasará a la historia por su excelencia; no sería descabellado pensar que ‘Breaking Bad’ tiene la mejor evolución de caracteres de la historia de la televisión, quizá suene un poco fuerte, un poco manido, y un poco gratuito, pero hay que verlo para creerlo; muchos dicen que la base de un buen guión no está en su historia, sino en su retórica y sus personajes, afirmación que comparto hasta las últimas consecuencias. Y es en sus personajes donde se aborda la verdadera cuestión de la serie: la moral. ¿Es correcto lo que Jesse y Walter hacen? ¿Si no es correcto, es justo? ¿Acaso el fin justifica los medios?... Solo pequeños ejemplos de una amplia amalgama de temas ocultos en una serie llamada a grabar con letras de oro su nombre en la historia de la televisión.

Una sublime lección de historia de la mano de Sergei M. Eisenstein, figura clave en el cine propagandístico comunista de los años 20, que configura una innovación formal respecto al montaje de planos, donde, parafraseando al autor, reside la verdadera fuerza creadora del cine, y de donde se obtiene la tensión dramática. Esto sustentó un nuevo aporte para la narración visual cinematográfica tras el trabajo de Griffith; se experimentó inclinando las cámaras, dándole nuevos enfoques a los planos…

Revolucionaria en cuanto a técnica, ‘El acorazado Potemkin’ refleja el espíritu de la fallida revolución rusa de 1905. Nos narra la sublevación producida dentro de la citada nave, que desembocará en un levantamiento contra la tiranía zarista, siguiendo una premisa de coralidad comunista; el protagonismo se le concede al pueblo alzado en armas contra la opresión.

El filme se divide en varios actos, o partes, dentro y fuera del propio barco; imposible no nombrar la mil veces imitada escena de la escalera de Odesa; la brutal matanza de inocentes por parte de los cosacos y el coche del bebé cayendo por las escaleras; secuencia de la que buena cuenta daría Brian de Palma en sus ‘Intocables’.

Así pues, ‘El acorazado Potemkin’ se presenta como una obra indispensable para comprender la evolución del cine y la propia historia, así como un instrumento que con cierta manipulación propagandística, enaltece la lucha de las causas colectivas en un reflejo del ideal comunista.

“Tunnel Rats” provocó un punto de inflexión en la carrera de Uwe Boll. Tras media docena de infectas adaptaciones de videojuegos, saca a relucir su vena más autoral y nos regala una interesante película sobre la guerra de Vietnam (quizá la mejor de su filmografía). A partir de ese momento su filmografía de bifurca en dos caminos: uno que prosigue adaptando por las malas videojuegos y otro de un carácter más “auteur” en el que desenvuelve sus facetas como guionista además de como realizador. Este último, caracterizado casi siempre por una exacerbada utilización de la violencia y uso y abuso de la cámara en mano.

Con Rampage, Uwe se mete de lleno en la denuncia social, y logra sacar algo interesante del asunto. Pero se ve descompensada por algunas incoherencias en el guión y la propia realización del director, empeñado en ponerle un estilo clipero desproporcionado, que más que dar estilo, resulta molesto. El mareante movimiento de la cámara no hace sino certificar que esta técnica se ha convertido en refugio de realizadores sin talento, que justifican este estilo con un “es para darle verosimilitud al tema…” … hay que joderse. Boll no es Paul Greengass y en ningún momento es capaz de dotar de una narrativa coherente a la película.

Está bien podría ser una alegoría de un Uwe Boll que hasta los huevos de que la gente critique su cine de forma tan personal, se enfunde en una armadura de kevlar y no deje títere con cabeza. Venganza personal o no, lo que ha dejado claro el colega Boll, es que tonto no es, otra cosa es que le falte talento.

Rampage queda como una película interesante, de las mejores de la filmografía del alemán (cosa no muy difícil), que en manos de otro, podría haber sido algo mucho mejor.

-David Caride Films-

En 1996, mientras Danny Boyle dejaba su impronta con 'Trainspotting' y su visión videocliperamente adictiva de cinco colegas atrapados en el turbio mundo de las drogas, en Dinamarca, un joven cineasta de 26 años llamado Nicolas Winding Refn, expulsado de un par de escuelas de cine (quien sabe si por pegar a algún profesor o compañero…) entregaba 'Pusher', su ópera prima; un filme que se movería a rebufo de la genialidad de Boyle, pero que con el tiempo gozaría de cierto reconocimiento popular hasta alcanzar el status de película de culto.

‘Pusher' muestra bajo una estética Trash los ambientes delictivos de Copenhague en un primer acercamiento de Renf a la violencia, menos exhibicionista que a posteriori, pero con una fuerte carga conceptual. El por aquel entonces primerizo realizador recurre a la cámara en mano retratar la inmundicia con veracidad a través de ambientes reales. Vítores del danés, Refn consigue su objetivo saliendo en ocasiones beneficiado de sus técnicas de guerrilla hasta el punto de hacer de la película una apariencia de documental sobre los bajos fondos de la capital danesa. La suciedad imperante de la película no tacañea en diálogos basura sobre sexo y drogas acordes con el concepto ‘Trash’, que si bien son deleznables, son parte importante de la ambientación. El problema llega en que toda esta composición se queda en lo superficial; la obsesión por la suciedad del realismo y por lo salvaje del mundo criminal, se sobrepone a la introspección de sus personajes.

Al igual que la obra maestra de Boyle, ‘Pusher’ se configura bajo un ordenamiento coral que se irá dilantando en torno a un solo personaje con el rostro de Kim Bodnia. Desgraciadamente al actor de Copenhague no le llega el material que propone Refn como para crear un protagonista más allá de la caricatura; le falta vehemencia en sus conflictos y momentos humanos donde no esté realizando sus cotidianos trapicheos o entablando conversaciones de besugos. Bodnia es devorado por la estética sin poder desenvolver su potencial, ni desde la imponencia física ni desde el talento dramático. El futuro director de ‘Drive’ se percataría de este problema en las dos secuelas siguientes, conformando una trilogía con pros y contras de la que se puede decir que su primera entrega, a pesar de aun resultar interesante, es la más floja.

@DavidCarideS

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